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Tout le monde s’est pris l’annonce du 1er juillet en pleine poire. Et encore aujourd’hui, Sony se fait troller sur les réseaux sociaux dans les commentaires de TOUS leurs posts…

Et ce quelque soit le réseau social, et quelque soit le jeu ou sujet ! C’est assez dingue à voir en fait…

Même des vidéos ayant plus de 10 ans peuvent accueillir des commentaires récents aussi cinglants que pertinents. Comme cet extrait de la conférence Sony de l’E3 2013, où Sony professait sous les applaudissements du public son soutien inconditionnel au support physique (afin de se moquer de Microsoft). Et c’est là que l’on comprend à quel point les dirigeants de ces grosses compagnies se contentent de suivre le sens du vent, sans jamais penser un traître mot de leurs grandes déclarations en faveur des joueuses et des joueurs…

Vous aussi avez massivement réagi à mon récent article qui abordait ce switch majeur dans l’industrie du jeu vidéo sous l’angle du “prêt”. J’ai d’ailleurs pu partager une ou deux réactions “à chaud” laissées en commentaires de cette newsletter, le podcast ayant été enregistré le lendemain de sa diffusion.

Mais le prêt est loin d’être la seule victime de cette nouvelle réalité où : “la production de disques physiques pour tous les nouveaux jeux sortant sur consoles PlayStation sera interrompue à partir de janvier 2028”. Plus de Blu-ray à glisser dans le lecteur PS5, à revendre, prêter, échanger, collectionner, à “posséder” tout simplement. Nous avons discuté avec Marc et Nicolas de ce que signifie cette décision pour nous, mais aussi pour tous les fans de jeu vidéo et l’industrie en général.

On reste dans le “rétro” avec cette très belle émission de la chaîne YouTube Tasty Bits, où Rudy discute avec l’une des grandes dames de la musique de jeu vidéo : Asuka Sakai ! Compositrice, entre autres, de Katamari Damacy, R4: Ridge Racer Type 4 ou plus récemment Wattam. Une vidéo dont on parle dans le podcast et que je vous invite à découvrir.

TAKE ? Vous avez bien dit TAKE ?! Oui, c’est le moment de passer à nos chroniques individuelles !

Et on commence avec la chronique de Marc, qui est revenu pour mon plus grand bonheur et surtout pour la sortie de l’excellent Rhythm Paradise Groove (Rhythm Tengoku: Miracle Stars en japonais), sur l’excellente série de minigames rythmiques de Nintendo.

Connue pour ses mises en scène aussi perchées qu’hilarantes, mais aussi les musiques du célèbre compositeur japonais Tsunku (cf. plus bas), cette série symbolise pour moi le Japon dans toute sa splendeur créative.

Vous souhaitez en savoir encore plus sur cette série ? Voici deux liens vers les fameuses interviews de développeurs menées par feu Satoru Iwata.

• Iwata demande Rhythm Paradise (DS)

• Iwata demande Beat the Beat Rhythm Paradise (Wii)

Et on conclue en mode paillettes et trémolos avec une vidéo du fameux chanteur / compositeur Tsunku, ici dans le cadre de son ancien groupe de rock Sharam Q (シャ乱Q). La vidéo ci-dessous est une reprise de leur hit Single Bed (シングルベッド) enregistrée pour fêter les 25 ans du groupe (en 2013).

Pour mon TAKE, j’ai partagé mon énorme coup de coeur pour le doujin KAIKAN, soit un shoot’em up amateur développé par le japonais Zakichi. Ce jeu est sorti sur Steam en 2023, mais il est aussi possible de découvrir sa version “gratuite”, datant de 2013, sur itch.io.

J’ai découvert ce shmup grâce à l’excellent podcast américain Shoot the Core-cast, spécialisé dans le genre. Chaque mois ses deux animateurs analysent un jeu auquel ils ont joué pendant le mois précédent avec leur communauté, tout en revenant sur les dernières news relatives aux shoot’em up (souvent étonnamment nombreuses !).

L’un de ses animateurs, GameBoy Guru (aussi connu sous le nom de Metalfro), a réalisé une vidéo d’un 1CC (finir le jeu sur un crédit, sans continue) raté afin d’analyser son échec et en tirer des leçons. Un exercice qui m’a beaucoup aidé dans la réalisation de mon propre 1CC, quelques jours seulement avant que j’enregistre le podcast !

Si KAIKAN vous intéresse (si vous aimez le shmup, foncez !), je vous conseille de regarder aussi le 1CC de GameBoy Guru streamé en live fin juin dans une salle d’arcade du Colorado, à l’occasion du Shmup Slam 8. Cette partie est commentée par un autre très bon joueur de KAIKAN : Alyoshas Dream (7ème du Top). Une superbe performance qui débute à partir de 10:45:24 dans la vidéo de la seconde journée de cet événement 100% shmup organisé par des passionnés du genre.

Avec le TAKE de Nicolas, on change de style pour revenir sur la série Fushigi Yûgi de la mangaka Yuu Watase. Si la série originelle a été publiée au début des années 90, et adaptée en série animée par le fameux Studio Pierrot, elle se poursuit aujourd’hui sous la forme d’une “préquelle” appelée Fushigi Yûgi: Byakko Senki. Découvrez, comme moi, ces différentes séries en écoutant l’épisode #67 du podcast !

Quelques vidéos et photos bonus de sujets abordés dans le podcast !

Il paraît que lorsque l’on est fan, on ne voit pas le temps passer. Hé bien c’est ce qui est arrivé à Marc avec la dernière vidéo de l’excellente chaîne YouTube PandaMonium. Une vidéo de… 8 heures (! 😱) consacrée à l’histoire du studio Digital Pictures, qui s’était fait une spécialité dans les années 90 des jeux Full Motion Video, avec par exemple le fameux Night Trap sorti sur Sega CD. 👇

La vidéo où le journaliste américain Jason Schreier explique avec simplicité et pragmatisme les raisons financières pour lesquelles Sony a décidé d’abandonner le support physique pour la PlayStation 👇

Une hilarante vidéo du célèbre duo comique kamaitachi (かまいたち) qui a assuré la promotion de Rhythm Tengoku: Miracle Stars au Japon ! 👇

Enfin, voici quelques captures d’écran du jeu “secret” de la compilation de jeux Ganbare Goemon! récemment sortie au Japon (et uniquement au Japon, sans la moindre traduction), créée par le fameux studio M2 pour Konami.

Il s’agit du dernier shoot’em up développé par Konami pour la Famicom (la NES japonaise) : Crisis Force. Un jeu qui n’est jamais sorti du Japon et n’a jamais été adapté sur une autre machine. Le studio M2 étant connu pour son amour immodéré du shmup, ils se sont dits que c’était le moment où jamais de rendre ce classique jouable pour la postérité (en boîte donc…) !

Pour l’anecdote, le jeu Famicom de l’époque s’achète aujourd’hui d’occasion (avec la boîte) aux environs des 50 000 yens, soit 270 euros ! Merci M2 !!

N’hésitez pas à partager vos réactions ou à poser des questions dans les commentaires ci-dessous !

Quelques-uns d’entre eux seront partagés dans le courrier des auditrices et des auditeurs à l’occasion du prochain podcast, prévu pour septembre ☺️

PS : Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins. Les captures d’écran des jeux KAIKAN (Steam), Crisis Force (dans la compilation Ganbare Goemon! Daishuugou sur Switch) et Rhythm Tengoku: Miracle Stars (Switch) ont également été capturées par mes soins à partir de versions commerciales. La couverture du premier tome de la série de manga Fushigi Yûgi est tirée du site Amazon jp.

J’adore Ultraman, et pourtant c’est un personnage que je connais finalement assez peu. Mais au Japon… il est PARTOUT !

J’ai vu le sympathique film d’animation de 2024 Ultraman: Rising sur Netflix, où Ultraman s’occupe d’un bébé kaiju, ainsi que le film Shin Ultraman réalisé en 2022 par Shinji Higuchi et co-produit par Hideaki Anno (le même duo que pour Shin Godzilla), sans oublier des épisodes à droite et à gauche de diverses séries, dont l’originale de 1966.

En revanche, je connais plutôt bien un certain Godzilla, auquel j’ai même consacré un article ici. Ces deux personnages cultes, adorés des enfants japonais (les petits comme les grands), partagent en effet le même ADN, celui d’un certain Eiji Tsuburaya.

Appelé “le père du tokusatsu1”, il est devenu un spécialiste des effets spéciaux et contribua à près de 250 films dans sa vie. Né en 1901 et décédé en 1970, il fut ainsi amené à créer avec Ishirō Honda le personnage et les effets spéciaux du premier film Godzilla de 1954. Et après, les combats de monstres géants et autres super-héros (géants aussi) sont devenus sa spécialité !

Eiji Tsuburaya bosse sur une tonne de kaiju eiga (films de monstres géants) mais aussi sur de nombreux films (historiques, fantastiques, etc.) nécessitant des effets spéciaux. Il finit par créér sa boîte de production en 1963, et c'est avec elle qu'il développe la série TV Ultra Q en 1966, qui sera suivie de Ultraman la même année.

Cette dernière convertit toute une génération aux poses kime (決めポーズ), soit les "poses qui en jettent" ou “signature moves”, ultra classes, du (super-)héros, comme les bras croisés devant lui avec les mains qui forment un L ! Pose qui précède l'une des plus fameuses attaques d'Ultraman : le Spacium Beam (スペシウム光線) !

La première série Ultraman suit les aventures d’une sympathique équipe de héros appartenant à la Patrouille scientifique, dont la mission est de protéger la Terre des invasions extraterrestres. Parmi ses membres se trouve Hayata, qui a hérité du pouvoir des Ultra, une race d’aliens géants (venue de la Nébuleuse M78), après avoir fusionné avec l’un d’eux avant qu’il ne meurt.

Le héros humain peut ainsi se transformer en Ultraman pendant quelques minutes à l’aide de divers appareils (le Beta Capsule dans la série de 1966), soit un géant de 40 mètres habillé d’une combinaison moulante rouge et grise (les dernières itérations du super-héros sont plus “mécaniques”), avec une tête d’insecte robot dénuée d’expressions, aux globuleux yeux en amande blancs / jaunes.

Décrit comme ça il a l’air de faire peur, mais pas du tout. Ultraman est la classe incarnée.

Lorsqu’il se transforme en Ultraman, soit un géant haut comme un immeuble d’une douzaine d’étages, il ne dispose (dans la série de 1966) que de quelques minutes pour venir à bout de l’autre grande attraction de la série : ses monstres !

Ces derniers sont représentés à l’écran par des acteurs costumés, à la manière des films Godzilla, et sont autant les stars de la série que son héros.

Que ce soit Godzilla, Gamera, Kamen Rider ou Ultraman, ce qui distinguent ces séries c’est l’inventivité dont elles font preuve pour présenter à chaque épisode un nouveau design de monstre avec ses capacités et attaques uniques, voire carrément toute une stratégie d’attaque dans le cas des aliens Baltan.

Honnêtement, c'est un peu bête, mais je vous avoue que je suis hyper content de pouvoir partager avec vous ces photos de l'exposition 60 ans d’Ultraman ! Je les adore. Comme j'adore le design de ces monstres japonais, sans lesquels nous n'aurions pas des jeux vidéo comme Mega Man, The Wonderful 101, Viewtiful Joe, voire carrément Pokemon.

La culture du monstre est si fortement ancrée dans le folklore japonais (les yōkai !), qu’elle imprègne toute la pop culture made in Japan, telle la gigantesque empreinte d’un kaiju.

Il n'est pas possible de faire du shopping à Tokyo sans tomber sur une tonne de figurines reprenant ces monstres et les super-héros qui les ont combattus sur le petit écran. Ils sont partout, et il est difficile de ne pas s'empêcher de sourire en les apercevant.

Si vous souhaitez en savoir plus sur ces oeuvres et en découvrir quelques autres en plus, le site officiel de l’expo SHUWATCH With U fait office de catalogue et propose une description encore plus détaillée des oeuvres présentées, ainsi qu’un court portrait des différents artistes exposés.

J’espère que cette petite promenade au milieu de toutes ces interprétations d’un des héros les plus connus du Japon vous aura plus autant qu’à moi ! Et si vous voulez avoir une idée plus précise du nombre HALLUCINANT de jouets et autres goodies Ultraman qui existe au Japon, jetez un oeil à ce site, c’est fou !

PS : Toutes ces photos ont été prises par mes soins dans le cadre de l’exposition SHUWATCH with U qui se tient jusqu’au 3 août dans l’immeuble PARCO de Shibuya. L’affiche de Shin Ultraman vient de son site officiel japonais, celle de Ultraman: Rising du site ILM, et celle du tournage de Godzilla de la page Wikipedia de Eiji Tsuburaya.

J’en parle souvent. La notion de transmission me tient particulièrement à coeur, et c’est sans doute la raison qui m’a poussé à commencer à écrire sur le jeu vidéo dans les années 90 et à en parler pendant si longtemps.

C’est aussi la raison pour laquelle j’ai lancé cette newsletter hebdo et le podcast Pixel Bento avec mes amis Marc, Nicolas et Axel.

J’aime partager mes découvertes, mes coups de coeur, mon ressenti aussi, qu’il soit critique ou non, sur une oeuvre culturelle. Pour utiliser d’autres mots, j’aime partager (et débattre). Et au coeur de ce partage se situe le plus anodin des gestes : une main tendue accompagnée de ces quelques mots : “tiens, je te le prête !”.

Que ce soit un livre, une BD, un Blu-ray, un CD (histoire de me vieillir encore un peu plus, j’aurais pu dire une cassette ! 😅) ou un jeu vidéo, ce geste se fait aujourd’hui plus rare. Il est peut être même en voie de disparition.

Une bonne partie de mon éducation culturelle s’est pourtant faite à travers ce simple geste. Et je n’ai aucun doute sur le fait que c’est également le cas pour beaucoup d’entre vous. Vous avez des souvenirs d’oeuvres marquantes que l’on vous a prêté (parfois au bon moment) dans votre vie ? Beaucoup non ? Hé bien c’est pareil pour moi.

Dans mes souvenirs, ICO est un jeu que l’on m’a d’abord prêté sur PlayStation 2, tout comme DOOM sur PC (je triche un peu, il s’agissait d’un shareware !) ou Motor Toon Grand Prix et Crash Bandicoot sur PS1 ! Les exemples sont innombrables.

Le prêt possède en plus une qualité unique, qui le distingue profondément du cadeau.

Il est le plus souvent un acte spontané, une opportunité liée à la curiosité. Comme celle née d’un regard fouillant une bibliothèque (“tu ne l’as jamais lu ? Non mais c’est trop bien, embarque-le !”) ou d’une conversation chez des ami(e)s (“attends attends je vais te le chercher”)...

Le prêt peut aussi être une invitation ouverte.

Je sais par exemple que je peux emprunter à tout moment The Last of Us 2 auprès de mon ami Julien, ou n’importe quel classique Sega chez certains collectionneurs tokyoïtes que je fréquente bien malgré moi (si vous écoutez le podcast, vous savez 😉). J’ai en ce moment même, chez moi, de multiples oeuvres empruntées dont plusieurs manga et le jeu Pragmata sur PS5 (merci Vince !). Plusieurs de mes livres, bandes dessinées et jeux vidéo sont aussi dispersés chez des amis. J’ai même une petite liste sur mon portable, histoire de ne pas les oublier.

Ces prêts et emprunts sont autant de liens, de promesses de se retrouver, pour se les rendre bien sûr, mais aussi en discuter.

Ils constituent également une excellente occasion de sortir de sa “zone de confort vidéoludique” à moindre risque. Il est en effet plus facile de donner sa chance à un genre que l’on ne connaît pas ou que l’on pense ne pas être “notre truc” lorsqu’il n’est pas nécessaire d’investir 40, 50 ou 70 euros dans un Hades (“je ne suis pas certain d’aimer les roguelite”), un Death Stranding (“ça l’air perché comme jeu quand même”) ou un Dark Souls (“trop dur pour moi je pense !”).

Le prêt peut ainsi être une porte dérobée, tout autant qu’une clé permettant l’acquisition d’une connaissance plus profonde d’un genre, d’une série ou d’un studio de développement que l’on a découvert et aimé.

“Tu as aimé Elden Ring ? Attends, il faut ABSOLUMENT que tu joues à Bloodborne maintenant !”.

“Quoi ?! Tu n’as jamais fait Link’s Awakening ? Tu as toujours ta Game Boy Color ? Sinon je te la prête en même temps que le jeu !”

Plus pragmatiquement, le prêt représente également une façon alternative de consommer.

Les jeux coûtent chers. Pouvoir se les prêter et se les échanger, voire les emprunter à la bibliothèque du coin, est la meilleure des façons de jouer gratuitement, ou de tester un titre avant de décider de l’acheter plus tard, lorsqu’il sera en promotion ou vendu d’occasion.

Le prêt permet aussi de modérer une problématique souvent inhérente au média jeu vidéo : il demande du temps. Du temps que l'on n'a pas toujours et qui nous amène à regretter certains achats impulsifs venant s'ajouter, penauds, à notre pile of shame. Dans ce cas, n'est-il pas mieux de se dire : “je l'emprunterais plus tard”. Et puis on a parfois juste envie d'essayer un jeu, pas de le finir.

Enfin, d’une certaine façon, le prêt d’un objet, que ce soit un jeu vidéo ou autre chose, est aussi une marque de confiance qui existe le plus souvent dans le cadre d’une amitié. Lorsque l’on prête une boîte de jeu vidéo, elle contient bien plus qu’une cartouche, une disquette, un CD, un DVD, un Blu-ray, une carte micro-SD ou je ne sais quoi encore… Elle contient des heures de jeu et le plaisir d’une expérience que l’on a envie de partager.

J’imagine que les gens qui ont décidé d’arrêter de produire des jeux physiques chez Sony ont peu d’amis…

N’hésitez pas à partager en commentaires vos meilleurs souvenirs de jeux prêtés !

Comment débuter cet article sans parler des graphismes de ce jeu ?!

Dès que j’ai aperçu les premières images de Parking Garage Rally Circuit, j’ai su qu’il était fait pour moi ! Fan absolu des jeux de course “arcade” à la Burnout, Ridge Racer ou Need for Speed (Hot Pursuit), j’ai aussi énormément joué dans les années 80/90 à des softs comme Lotus Esprit Turbo Challenge et Stunt Car Racer sur Amiga.

Et bien sûr… bien sûr… Un petit tour par une salle d’arcade était TOUJOURS synonyme de pièces glissées dans les bornes Daytona USA, Out Run, Virtua Racing ou d’autres classiques Sega (et Namco). C’est d’ailleurs toujours le cas aujourd’hui !

Avec sa 3D “low poly“ fleurant bon le jeu 32-bit et les années Saturn / PlayStation, Parking Garage Rally Circuit, simplement par son esthétique, est une déclaration autant qu’un jeu. Mais pas forcément celle à laquelle on pense…

Comme c’est souvent le cas lorsque je craque pour un titre développé par une créatrice ou un créateur solo (ou une petite équipe indépendante), j’essaye de les contacter pour leur poser quelques questions. Ce que je me suis empressé de faire avec Tim FitzRandolph (alias Walaber), le développeur solo derrière Parking Garage Rally Circuit, qui a eu la gentillesse de me répondre par email.

Une interview qui m’a fait réfléchir autrement à notre attirance pour ces jeux au look “rétro” et m’a donné envie de redécouvrir Crazy Taxi, tout en me rappelant la chance que j’avais de vivre à Tokyo…

Tim, qui vit aujourd’hui en Californie, a été diplômé en beaux-arts à l’Université du Colorado à Boulder. Mais il m’a surpris en m’apprenant avoir étudié pendant un an au Japon en 1999-2000, et vécu quelques années à Tokyo au début des années 2000. Et s’il a certainement nourri son amour du jeu d’arcade pendant ces quelques années et avoue avoir beaucoup fréquenté les Game Centers (pour jouer, entre autres, à Drum Mania), il faut remonter quelques années auparavant pour trouver “l’origin story“ du style graphique de Parking Garage Rally Circuit.

Un peu comme la 3DO, la Saturn a toujours été pour moi une console spéciale, dans le sens où j’en avais beaucoup entendu parler, sans jamais l’avoir possédée. En fait, en grandissant, personne autour de moi n’en avait une. J’étais juste jaloux de certains jeux exclusifs, et je jouais régulièrement aux démos dans les boutiques (je me souviens avoir essayé Nights dans un magasin d’électronique lorsque la Saturn est sortie). J’ai aussi joué à des jeux Sega dans des salles d’arcade bien sûr. Enfin, lorsque j’étais à l’université je me suis acheté une Dreamcast (la version japonaise, à l’occasion de mon premier voyage au Japon !) et j’ai absolument adoré cette console.

Mais Parking Garage Rally Circuit n’est pas seulement la déclaration d’amour de Tim à la Saturn et aux jeux de course Sega de la fin des années 90… Le choix d’une 3D au style réminiscent des nineties est aussi une façon de communiquer un message précis.

Oui, la nostalgie continue son bonhomme de chemin, et elle touche aujourd’hui la 3D première génération, ce qui ne me rajeunit pas ! Je pense que ce style graphique parle aux développeurs indépendants parce qu’il est plus simple à créer comparé à la 3D haute fidélité, et il permet de faire tourner les jeux sur une plus grande variété de machines. Mais ce style nous dit aussi que le jeu va d’abord se concentrer sur le gameplay et des mécaniques uniques, ce que la première génération de jeux 3D avait tendance à faire.

J’ai déjà abordé dans cette newsletter mon appétence grandissante pour l’esthétique rugueuse de ces premiers jeux 3D. Cette fameuse 3D “low-poly“, avec ses modèles 3D minimalistes aux polygones saillants.

Final Fantasy VII, Virtua Fighter, Einhänder, Hunter et Formula One Grand Prix (sur Amiga), WipEout, Quake… Et tant d’autres. Pendant longtemps j’ai pensé comme beaucoup que le look de ces premiers jeux 3D avait “mal vieilli”. Mais ce n’est plus le cas…

Aujourd’hui, je les trouve beaux comme des origamis.

Et on ne peut guère parler ici de “nostalgie”. J’ai en effet grandi dans les années 70 et ma madeleine de Proust, c’est clairement la 2D pixel art des micros et consoles 8-bit !

Si ce n’est pas de la nostalgie, alors pourquoi cette 3D “rudimentaire” possède-t-elle un tel pouvoir d’attraction (dont je suis loin d’être le seul à ressentir les effets1 ) ?

Les raisons sont multiples, et je pense que l’une d’elles est liée au simple fait que ce manque de réalisme, cette “imperfection”, est justement ce qui la rend plus proche de nous. Le photo-réalisme est froid, sa perfection inhumaine, là où les “gros” polygones des années 90 nous laissent deviner le travail des artisans numériques qui les ont imbriqués, comme si on manipulait nous-mêmes la souris.

Mais Tim met le doigt sur un point auquel je n’avais jamais vraiment songé. Cette 3D est aussi une déclaration, elle nous dit : “je ne suis pas là pour vous émerveiller en exhibant le réalisme des décors qui se reflètent avec langueur sur mon capot, je suis là pour le gameplay, et uniquement pour lui”.

Parking Garage Rally Circuit cherche à être fun, tout simplement. Ce sont ses graphismes qui nous le disent.

Lorsqu’on lance le jeu de Tim, il apparaît tout de suite évident qu’il se préoccupe avant tout des sensations de jeu (vitesse, timing, adrénaline), et non du réalisme de son moteur physique ou des modèles 3D de ses véhicules.

Comme souvent, le concept de ce jeu indépendant est né à l’occasion d’une game jam2, et plus précisément de la ludum dare 54 de septembre 2023, dont le thème était “Espaces limités”...

Vous voyiez d’où viennent les fameux parking du jeu maintenant ? 😆

L’idée m’est simplement venue en pensant : “quelle est l’activité qui prend normalement beaucoup de place, mais qui pourrait s’avérer intéressante dans un tout petit espace ?”. Ça m’a mené à rapidement penser aux jeux de course, vu que leurs circuits sont généralement assez larges. Ce qui m’a ensuite conduit à envisager de confiner une course dans un parking ; un environnement idéal pour les dérapages (drifting) du fait de ses surfaces lisses et virages en épingle. Et puis les bâtiments à étages multiples impliquent des changements d’élévation et des rampes, ce qui m’a rappelé les courses de rallye. En gros, dès que j’ai pensé à tout ça, mon idée était faite !

Vous ne trouvez pas que le parking est un vrai décor de jeu vidéo ?

On peut penser au premier niveau, emblématique, de Driver, sans parler de la plupart des jeux de course open world (Burnout Paradise, etc.). Hollywood a aussi très vite compris le potentiel de ce cadre étriqué pour filmer ses courses-poursuites : The Hunter, Baby Driver, Demain ne meurt jamais, Fast and the Furious: Tokyo Drift, Commando (je triche un peu mais ça me fait plaisir de le citer :p)... Franchement ils sont beaucoup trop nombreux pour tous les citer !

Dérapages, tôles froissés, sauts d’un étage à l’autre, voitures embouties, carambolages en folie, vous aurez tous ça et plus encore dans Parking Garage Rally Circuit ! Et pourtant, vous ne chassez que des voitures “transparentes” dans ce jeu, avec lesquelles il n’est pas possible de rentrer en collision. Puisqu’en solo vos seuls adversaires sont les fantômes des meilleurs temps à battre, que ce soit ceux des 3 coupes à débloquer (bronze, argent et or) ou le vôtre.

Comme il le précise plus haut, Tim a choisi ces parkings avant tout pour leur haut potentiel de drift. Mais il a assorti à ce dérapage le boost de Mario Kart 8, où chaque fin de drift s’accompagne, en fonction de sa durée, d’une soudaine accélération. À la différence près que dans Parking Garage Rally Circuit, cette accélération est… exponentielle ! C’est à dire que plus on enchaîne les boosts, plus on va vite, au point de transformer son bolide en une espèce de fusée échappée d’un cartoon Bip Bip et Coyote.

Un peu comme un certain Crazy Taxi…

Ce n’est pas tout à fait un jeu de course, mais Crazy Taxi est dans mon Top 3 de mes jeux préférés de tous les temps (aux côtés de Super Mario 64 et Tetris). C’est tout simplement le jeu d’arcade parfait. J’ai écrit un article par le passé sur les raisons pour lesquelles je l’adore, tu peux le lire ici au cas où ça t’intéressait.

https://www.gamesindustry.biz/crazy-taxi-why-i-love

Dans cet article, Tim partage un souvenir marquant de ses années étudiantes. Son université possédait un centre de loisirs avec un bowling, des billiards et une poignée de bornes d’arcade. L’une d’elles en particulier l’attirait au point d’y jouer plusieurs fois par semaine et de commencer à se sentir dans la peau du gars qui maîtrise son affaire. Son nom ? Crazy Taxi !

Tim pouvait ainsi tenir 5 minutes sur un crédit, ce qui n’est pas mal du tout, jusqu’au jour où après une partie solide, il s’aperçoit que quelqu’un derrière lui attend son tour. Curieux, il décide de rester un peu pour le regarder jouer. Et là, c’est la claque. Non seulement la partie de cet inconnu dure pendant ce qui lui semble être une éternité (sans doute entre 10 et 15 minutes), mais en plus il joue complètement différemment et utilise des techniques secrètes qui lui permettent d’atteindre des vitesses hallucinantes !

Ce choc a allumé chez Tim une flamme qui ne s’éteindra jamais : une fascination pour les mécaniques de jeu cachées. Non pas un secret à débloquer, mais bel et bien l’une de ces astuces qui sont accessibles dès le départ mais jamais expliquées dans le jeu. C’est à nous qu’il revient de les découvrir.

Oui, le système de boost [de Parking Garage Rally Circuit] a été directement inspiré par Crazy Taxi, qui possède une mécanique similaire. Et on peut pousser le jeu “trop loin” au point d’avoir la sensation que le moteur physique n’arrive plus à gérer notre vitesse ! J’adore vraiment ce feeling et je tenais à l’avoir dans mon jeu.

Il est parfois nécessaire de donner des petits coups de frein histoire de ne pas littéralement s’envoler !

Et on touche ici à une autre particularité du jeu de Tim, qui m'amuse personnellement beaucoup, mais qui ne plaira pas forcément à tout le monde. Plus on va vite, plus on sent que l'on peut perdre le contrôle à tout moment et que notre voiture peut décoller ou partir en sucette.

Le jeu, une nouvelle fois, privilégie la sensation au réalisme, et le moteur physique de Parking Garage Rally Circuit est le fruit d'une série de tours de passe-passe que Tim explique à merveille dans l'une des nombreuses (et excellentes) vidéos qu'il a produit pour expliquer son travail.

Il fait en effet partie de cette génération de développeurs qui abordent leur travail comme une étape à part entière de leur plan de communication, et une façon de créer autour d'eux une communauté solide et investie.

Oui, j'adore streamer et partager les progrès réalisés sur mes projets alors que je travaille sur eux. Ça me permet d'obtenir naturellement, tout au long du développement, le feedback des joueurs à travers des playtests ou simplement des commentaires laissés sur les vidéos et pendant les streams. Ça m'aide aussi à confirmer que les gens sont excités et intéressés par mes projets, ce qui me rassure quant à ma capacité à créer des jeux qui pourront a minima se vendre "correctement" à leur sortie !

Et ce partage influence le contenu de ses créations ! L'idée d'événements scriptés qui viennent changer les conditions dans lesquelles se déroulent une course, est née de suggestions durant l'un des streams dédiés au développement de Parking Garage Rally Circuit sur Twitch. Tim s'est ainsi laissé convaincre de rajouter l’éboulement d'énormes rochers sur le circuit "Mont Rushmore" pour finalement décider d'en faire un élément récurrent du jeu.

Mais pour exécuter le créneau parfait dans les années 90, Parking Garage Rally Circuit possède un autre atout dans “son” manche néo-rétro : sa musique !

Écoutez plutôt, et Tim nous en parle juste après…

J’écoute The Holophonics depuis un moment, tout particulièrement leurs albums de reprises “ska” des bandes originales de Donkey Kong Country et Banjo and Kazooie, que je diffuse en musique de fond durant mes streams de développement. Mon idée première était de choisir l’option Tony Hawk / Crazy Taxi et d’aller démarcher divers artistes pour qu’ils m’accordent les droits de certaines musiques enjouées de type rock / ska. Mais après avoir contacté The Holophonics, le leader du groupe, Eric, s’est avéré intéressé et a proposé l’idée qu’ils s’occupent eux-mêmes de toute la bande originale du jeu ! C’était un rêve devenu réalité pour moi, la musique est absolument parfaite et apporte ÉNORMÉMENT à l’expérience de jeu.

Parking Garage Rally Circuit déboule sur la scène du jeu de course telle une boule de disco propulsée sur une piste de bowling : il illumine, roule à toute vitesse et semble prêt à exploser à tout moment ! Mais c’est d’abord et avant tout un jeu très facile à prendre en main, qui parvient à reproduire, en plus des graphismes de la Saturn, la profondeur insoupçonnée et les sensations des jeux de course de l’époque.

Il est même possible de jouer en split screen de 2 à 4 joueurs, y compris sur Switch ! Et dans ce mode, les collisions avec les véhicules adverses seront bel et bien prises en compte. C’est d’ailleurs la seule façon d’affronter des adversaires autres que le temps, le jeu n’incluant pas de mode online.

Autre précision importante, au moment où j’écris ces lignes l’une des fonctionnalités clés de la version PC n’est pas opérationnelle sur Switch. Le classement en ligne qui permet d’affronter les temps d’autres joueurs et de “courir” contre une multitude de fantômes sur Steam n’est pas pour le moment accessible sur Switch, et l’apparition actuelle de classements d’un vide absolu est une erreur.

Après avoir contacté Pineapple Works, le studio en charge des versions Switch, l’un de ses représentants m’a répondu et donné les précisions suivantes…3

Le problème lié aux classements en ligne est né d’une série de malentendus et nous avons pour objectif de cacher leur apparition, vu qu’ils ne fonctionnent actuellement ni pour le jeu solo, ni pour le multijoueur local. (...) si le jeu possède des classements en ligne sur PC, cette fonctionnalité est directement liée à Steam et il n’y avait pas de solution immédiate pour des leaderboards indépendants et cross-platform4. C’est pour cette raison que nous avons décidé, d’un commun accord avec le développeur, de les développer après le lancement de la version Switch.

Pineapple Works explique ainsi avoir décidé de ne pas créer de classements uniquement dédiés aux versions Switch, sachant que ces derniers avaient toutes les chances d’être effacés une fois la solution cross-platform mise en place…

Je ne sais pas quand exactement nous seront prêts, mais je peux dire que nous travaillons de concert avec Walaber (Tim) pour activement développer cette solution. C’est d’autant plus important que nous comptons également sortir le jeu sur les plateformes Xbox et PS5.

J’avoue qu’un nouveau système de classement en ligne qui mélangerait les meilleurs temps des joueurs Switch, PC et des prochaines machines sur lesquelles il tournera serait un énorme plus. Il va donc falloir prendre son mal en patience ou privilégier aujourd’hui la version PC.

Vous pouvez également considérer cette période “sans classement en ligne” comme une opportunité pour vous entraîner… Parce qu’une fois mes temps publiés, ils vont être très difficiles à battre. Désolé ! Cette replongée dans les années 90 a réveillé en moi une vieille fibre compétitive 😬

Merci à Tim d’avoir répondu à mes questions et à vous pour avoir lu jusqu’au bout ce très long article !

Si vous voulez en savoir (encore) plus sur Parking Garage Rally Circuit et entendre Tim présenter son jeu (version PC) de vive voix, c’est par là ! 👇

PS : Toutes les images et vidéos de Parking Garage Rally Circuit, R-Type Delta HD Boosted et Sega Ages Virtua Racing ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale (et son DLC) sur Nintendo Switch. La photo de R4: Ridge Racer Type 4 et le flyer arcade de Crazy Taxi proviennent respectivement du compte Bluesky de DVLSBLSH (devilsblush) - une photo publiée (avec beaucoup d’autres) avec son accord dans mon article dédié au jeu Namco - et du site Internet The Arcade Flyer Archive. L’interview de Tim (Walaber) a été traduite de l’anglais par mes soins.

Cet article comprend une bannière “SPOILER” un peu plus bas, mais vous pouvez lire le début sans risque de divulgâchage (j’aime bien ce mot j’avoue…).

J’ai découvert and Roger et rencontré son développeur solo lors du dernier BitSummit, grâce à une introduction des passionnés qui font vivre l’excellente chaîne YouTube Archipel.

Sorti l’année dernière, ce jeu narratif a été particulièrement bien reçu par la critique, allant jusqu’à décrocher une nomination aux BAFTA Games Awards dans la catégorie “Game Beyond Entertainment”, qui récompense les oeuvres délivrant des expériences marquantes. Et pourtant, je n’en avais jamais entendu parler 😅

Si les blockbusters du jeu vidéo, les fameux Triple A, osent parfois aborder des sujets difficiles1, ils le font rarement. Le jeu vidéo indépendant, lui, ose souvent prendre ce risque. Et ce sujet “délicat” sera non seulement au coeur de son projet, mais aussi le seul enjeu de sa proposition de gameplay. Ce faisant, il a la capacité de nous impliquer plus intimement, quitte à nous sortir de notre zone de confort.

Et cette liberté de ton lui permet de raconter des histoires plus graves et intimes, sans avoir à diluer son propos. and Roger se termine ainsi en une heure, et c’est amplement suffisant pour qu’il atteigne son objectif et nous pousse à réfléchir à l’un de ces sujets sur lesquels on préfère, souvent, ne pas s’appesantir trop longtemps.

Les premières minutes de jeu sont terrifiantes.

Dans and Roger, on incarne une petite fille qui se réveille un matin pour trouver un homme qu’elle ne connaît pas dans son appartement. Au départ, elle croit voir son père, avant de se rendre compte qu’il porte un chapeau. Et son père n’a jamais porté de chapeau…

Nous, en tant que joueur, ne voyons pas encore ce couvre-chef aux sinistres implications. La vision de la petite fille se brouille en effet pour osciller entre deux perceptions de cet homme endormi sur le canapé familial.

Comme on le ferait dans un jeu point & click, un bouton à l’écran permet de figer et révéler l’image réelle de l’intrus.

and Roger est un jeu qui n’hésite pas à aller jusqu’au bout de son propos, quitte à en devenir malaisant. Pour créer une telle expérience, Yona, son jeune développeur japonais, a d’abord tâtonné. Il s’agit en effet de son second jeu édité par Kodansha Creator’s Lab après In His Time (sorti en 2023). Et ce projet sophomore lui a donné du fil à retordre. Plusieurs idées de jeu ont ainsi été rejetées par son éditeur avant qu’il ne trouve le concept qui deviendra and Roger, qui porte au Japon le nom dare kare (ダレカレ), que l’on peut traduire grossièrement par “C’est qui, lui ?“.

La question de l’identité, mais aussi de la famille, est au coeur de ce nouveau projet, qu’il a nourri en allant puiser dans son expérience personnelle, comme nous allons le voir un peu plus bas, après la bannière “spoiler“.

À mi-chemin entre le jeu d’aventure point & click et le visual novel, and Roger a été influencé par d’autres créations indépendantes, tout aussi personnelles, comme nous l’explique Yona.

Je peux dire que Florence, auquel beaucoup de gens comparent mon travail, a eu une influence considérable sur moi. (...) j’adore aussi Papers, Please. Il fait partie de ces jeux qui peuvent nous faire comprendre une histoire non pas grâce au texte, mais à travers le gameplay et le fonctionnement même du jeu. Et je crois que cette forme de narration est unique au jeu vidéo.

Je suis quelqu’un qui souhaite avant tout raconter des histoires plus que créer des jeux. Mais si l’on choisit précisément le média jeu vidéo pour s’exprimer, alors il faut savoir rester fidèle à ce qui fait l’essence d’un jeu.

J’adore également Milk inside a bag of milk inside a bag of milk. Je pense avoir été fortement influencé par la façon dont il utilise le cadre du jeu pour raconter une histoire de façon méta en adoptant le point de vue du personnage principal.

and Roger exploite ainsi des mécaniques de jeu reposant sur des interactions très simples, qui utilisent le timing, la logique ou l'observation pour nous faire "vivre" les émotions de cette petite fille (telles que la confusion, la colère, la rébellion, la fuite aussi…).

On l'accompagne, un clic après l'autre, dans ce qui se rapproche parfois d'un dialogue interactif avec sa petite voix intérieure. Une petite voix qui semble défier la réalité des choses et des gens qui l'entourent.

Un exemple de l’une des nombreuses séquences à la fois narratives et interactives de and Roger.

ALERTE SPOILER

Si vous souhaitez découvrir ce jeu par vous-même, je vous conseille d’arrêter ici la lecture de cette newsletter pour revenir plus tard. and Roger est un jeu qui gagne à être joué en en sachant le moins possible sur son propos... Que je vais maintenant dévoiler avec les explications de son développeur.

Vous pouvez encore regarder l’interview de Yona dans la vidéo ci-dessous. Après on entre en territoire 100% spoil.

Peut-on “jouer” une maladie ?

Certaines maladies m’effraient plus que d’autres. Je ne pense pas être le seul dans ce cas. Bien trop de proches, souvent plus jeunes que moi, sont partis ces dernières années suite à un cancer. Mais d’autres maladies font plus que nous emporter, elles nous effacent. La perte de mémoire, au point de ne plus reconnaître des êtres aimés, est quelque chose qui me terrifie.

La démence, liée à la maladie d'Alzheimer, touche malheureusement beaucoup de personnes âgées. Celles-ci voient leur mémoire déclinée, souffrent de désorientation (au point de mélanger les époques de leur vie), affichent des troubles du comportement… Cette maladie est terrible à la fois pour les malades, qui peuvent se mettre en danger, tout autant que pour leurs proches.

Lorsque l’on commence à jouer à and Roger, on ne sait pas de quoi le jeu parle. Et si on saisit assez vite que la petite fille incarnée n’en est pas une, il ne cite jamais explicitement la maladie d’Alzheimer. Il nous la montre, ou plutôt : il nous la fait vivre.

Plutôt que d’avoir délibérément décidé de ne pas nommer la maladie dans le jeu, il serait plus juste de dire que, lorsque je développais la relation entre Sofia et Roger, honnêtement je n’arrivais pas à imaginer des scènes où ils parleraient de la maladie en mentionnant son nom. Je me suis dit que, si le message pouvait être transmis sans l’énoncer clairement, il y avait aussi un intérêt à laisser les joueurs le découvrir par eux-mêmes. Ce que l'on découvre par soi-même à tendance à marquer les esprits plus profondément.

Ma grand-mère maternelle a souffert de cette maladie. Et lorsque j’ai commencé à jouer à and Roger, j’ai instinctivement compris quel était son véritable sujet, ce qui témoigne, je pense, de sa justesse. Si cette oeuvre de Yona est visuellement très jolie, elle fait aussi montre d’une belle élégance dans sa façon de créer des séquences de jeu qui illustrent les symptômes de la démence.

Et cette justesse, tout comme cette élégance, s’expliquent comme vous pouvez l’imaginer par le fait que Yona a lui aussi côtoyé cette maladie.

L'une des raisons derrière ce choix est lié au fait que ma grand-mère a souffert de démence. Mais mon père est aussi atteint de la SLA (sclérose latérale amyotrophique), ma mère de dystrophie musculaire, tandis que ma soeur a développé, très jeune, une tumeur au bas du dos. Vivre dans un tel environnement, aux côtés de membres de ma famille souffrant de diverses maladies ; la perte d'êtres chers… ont toujours fait partie de mon quotidien.

Je me suis marié il y a quatre ans, mais je n’ai pas pu déclarer en tout sincérité à mon épouse : “je te rendrai heureuse”. Parce que je ne pouvais m’empêcher de penser à la possibilité que l’un d’entre nous tombe malade. Je crois pouvoir dire que ce jeu est né de ma réflexion sur ce que signifie réellement le mariage.

L’heure de jeu proposé par and Roger nous permet de revivre plusieurs moments importants de la vie de cette vieille dame.

On y découvre, en creux, le portrait d’un couple qui apprendra, péniblement, à vivre avec la maladie. On expérimente la détresse de Sofia lorsqu’elle perd pied, mais aussi, par extension, celle de son mari, lorsqu’il fait de même. Un mari qu’il lui arrive de ne plus reconnaître, au point de le confondre avec d’autres hommes importants de sa vie, comme son père.

and Roger, aussi élégant et pertinent soit-il, n’est pas un jeu facile. Il nous bouscule et nous force à réfléchir aux personnes que l’on aime, ainsi qu’à la mise en péril de cet amour lorsque la vie prend un tournant cruel.

Si je devais formuler une critique sur ce jeu, je dirais que j’aurais préféré qu’il privilégie un message plus porté sur l’éducation, l’information, et un peu moins sur la religion. Même si celle-ci reste en arrière-plan, le jeu se conclue sur un passage de la bible, là où j’aurais personnellement préféré que cette expérience débouche, après la pleine compréhension de son propos, sur des informations concrètes à propos de la démence et de la maladie d’Alzheimer. C’est mon seul véritable regret, mais je ne souhaitais pas conclure cet article sans l’expliciter.

Si vous lisez ces mots après avoir vous-mêmes décidé d’essayer ce jeu, vous savez probablement, comme moi, que certains moments résonneront longtemps. Et rien que pour ça, and Roger mérite, peut être, que vous lui consacriez une heure de votre temps.

PS : Un immense MERCI à Yona pour avoir accepté de répondre à mes questions par email avec une telle honnêteté. Ses réponses ont été traduites du japonais. Toutes les images et les vidéos de and Roger ont été capturées par mes soins à partir d'une version commerciale sur Switch. Les images de In His Time, Florence et Milk inside a bag of milk inside a bag of milk ont été prises sur leurs pages Steam respectives.

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Ce mois-ci, Nintendo se prend un nouveau coup de vieux, et nous avec.

Si la Nintendo 64 est sorti en septembre 1997 en France, elle a été lancée au Japon le 23 juin 1996 avec un certain Super Mario 64. Oui, il y a eu plus d'un an d'écart entre la sortie japonaise et la sortie française de la console sans lecteur CD de Nintendo. En fait la France a même été en retard de plusieurs mois sur le reste de l'Europe !

Dans ce podcast, on replace la sortie de la Nintendo 64 dans le contexte culturel de 1996, tout en se replongeant dans nos souvenirs et la presse JV consoles de juin 96 et septembre 97.

Mais ce mois de juin 2026 marque aussi le départ à la retraite d’un des piliers de Nintendo, qui fut longtemps le bras droit de Shigeru Miyamoto : Takashi Tezuka.

Embauché en 1984, il a travaillé sur Punch-Out!! et Devil World pour ensuite se focaliser sur les jeux de plates-formes Mario et la série Zelda. Il sera ainsi le directeur de Super Mario Bros. 3, Super Mario World, Yoshi’s Island, The Legend of Zelda : A Link to the Past et de The Legend of Zelda: Link’s Awakening pour donner le “la” à deux des plus grandes séries de l’histoire du jeu vidéo.

Ci-dessus, la vidéo mentionnée par Nicolas dans le podcast, où Takashi Tezuka (aux côtés de Etsunobu Ebisu) présente le jeu Wii U Yoshi’s Woolly World dans un magasin de laine.

On continue notre voyage dans le temps au pays de Nintendo !

Voici quelques photos de mon petit tour du Musée Nintendo qui a ouvert ses portes à Kyoto en 2024.

C’est le moment de passer aux TAKE, les chroniques individuelles de la team Pixel Bento.

Nicolas attrape sa manette pro Switch 2 et un appareil photo spécialisé dans l’exorcisme de fantômes japonais avec sa chronique du remake de… de… ah c’est compliqué. Ce jeu à trop de noms en fait !

• Project Zero II: Crimson Butterfly, en France

• Fatal Frame II: Crimson Butterfly, aux US

• et 零 ～紅い蝶～ (zero akaichou, alias Zero le papillon rouge)

Sorti sur PlayStation 2 en 2003, ce jeu de survie / épouvante revient dans une version remake orchestrée par la Team Ninja sur toutes les consoles du moment.

De mon côté je m’intéresse à la sortie d’un des meilleurs jeux de l’année, le Zelda-like : Mina the Hollower !

J’avais déjà consacré plus tôt dans le mois une newsletter au dernier titre du studio Yacht Club, à l’origine d’un autre classique de la scène indie : Shovel Knight. Dans cet article je me focalisais sur la mécanique centrale de Mina the Hollower : le “mulotage”. 👇

Dans le podcast je parle du jeu en général (après l’avoir fini), tout en revenant, entre autres, sur la VF avec une petite interview des traducteurs.

Et comme, à ma grande honte, je n’ai pas mentionné les SUPERBES musiques de Jake Kaufman (avec la participation de Yuzo Koshiro), je me rattrape ici avec cette petite vidéo !

Et pour voir la vidéo de Jason Schreier sur le développement de Mina the Hollower, c’est par là.

Marc aime prendre des risques. En tant que fan de Sega, il a aussi l’habitude de côtoyer le meilleur… comme le pire. Et c’est donc sans hésitation qu’il a plongé dans la première adaptation animée de Super Mario Bros.

C’est ainsi qu’il a découvert que ce dessin animé était la parfaite illustration d’un point clé de l’histoire de Mario : un moment de transition entre celui de simple “héros de jeu vidéo” à “pilier d’une franchise” !

Son nom ? Super Mario Bros.: Peach-Hime Kyushutsu Dai Sakusen!, que l’on peut traduire par “La grande mission de sauvetage de la princesse Peach !“. Un dessin animé d’une heure, sorti en 1986, dont les droits nébuleux expliquent sa présence actuelle sur YouTube dans une version restaurée 4K publiée sur la chaîne Carnivol. Une version encore plus “propre” se trouve sur la chaîne magiblot1 👇

On en parle aussi dans le podcast ! 👇

Le 101% anniversaire de Nolife (19 ans déjà) ! Avec mon reportage consacré au BitSummit à 23:44. Un sujet monté par Alex Pilot et mixé par Axel (qui a aussi cadré mes plateaux de lancement).

Cette émission spéciale est hébergée sur l’indispensable chaîne YouTube / Twitch Origami, dont voici une hilarante vidéo promotionnelle !

Et pour conclure ce florilège d’images et de vidéos, un extrait d’un concert de l’immense Yuji Ohno, compositeur de - accrochez-vous - la série animée Lupin III, du film de Miyazaki Le Château de Cagliostro ou encore des génériques de Cobra et du Capitaine Flam. Yuji Ohno nous a quitté en mai dernier à l’âge de 84 ans.

Merci à toutes et à tous de nous écouter et de régulièrement laisser des commentaires sur les réseaux sociaux (comme Bluesky) ainsi que ma newsletter !

Chaque mois l’un de mes articles est dédié au podcast.

Et dans chaque podcast on lit des extraits des messages que vous laissez sous cet article.

Alors n’hésitez pas à partager vos souvenirs de la N64 ou à réagir aux nombreux sujets abordés dans cet épisode #66 (vous pouvez aussi réagir aux blagues de Marc, mais c’est optionnel…) 😊

PS: Toutes les photos illustrant cet articles ont été prises par mes soins, à l’exception de la pile de Famitsu (photographiée par Nico) et des visuels du dessin animé Mario de 86 trouvés sur le Net par Marc. Les couvertures des magazines CD Consoles, Consoles + et Joypad sont tirés du site Abandonware Magazines. Et la photo de Takashi Tezuka provient du site Nintendo.

Comme probablement beaucoup d'entre vous, j'ai grandi avec le shoot'em up.

Sur MSX d'abord, avec Nemesis (Gradius) et ses suites, mais aussi River Raid, Bosconian et le Knightmare de Konami, puis sur Amiga avec une flopée de titres tels que SWIV, Agony, Battle Squadron, Project-X, Z-Out ou encore Xenon 2.

Mais au début des années 90, avec l’arrivée de Doom, Duke Nukem 3D, Quake… et l’avènement du First Person Shooter en général, le shmup s’est fait plus rare sur mon assiette vidéoludique.

Alors bien sûr, un shmup pointait occasionnellement le bout de son cockpit pour m’emporter une nouvelle fois dans un tango endiablé avec le game over. Des jeux tels que Einhänder sur PS1, Ikagura sur Dreamcast, Gradius V sur PS2, Sine Mora sur Xbox 360 ou Resogun sur PS4… Mais ils constituaient l’exception, et petit à petit, j’ai pris mes distances avec le genre. On s’est en quelque sorte perdu de vue.

Et aujourd’hui, il revient en force, tel un boss blessé lançant une dernière et ultime attaque frontale.

Les 3 éléments au coeur du gameplay des shoot'em ups - tirer, détruire et esquiver - permettent de créer un très haut niveau d'interactivité entre le joueur et les ennemis. Cette interaction est l'essence même du charme primitif du jeu vidéo, et je pense que c'est la raison pour laquelle le shoot'em up ne perdra jamais son pouvoir d'attraction, quelque soit l'époque.

Junichi Terayama, qui s’est fait une spécialité du shmup (ou STG en japonais, pour シューティングゲーム / shooting game), sait de quoi il parle.

S'il a longtemps créé des jeux parallèlement à un autre emploi, aujourd'hui il se dédit à 100% au développement de shoot'em up. Un travail / passion auquel il peut consacrer de nombreuses heures (et nuits) lorsqu'il est sur une bonne lancée, mais dont il parvient aussi à se détacher pour se ressourcer, faire de la muscu, lire, dessiner ou s'occuper de ses chats.

Et lui aussi a grandi avec le genre. Sa découverte du jeu vidéo s’est ainsi faite avec Xevious sur Famicom, un classique de Namco d’abord sorti en 1983 en arcade, avant d’être porté sur la plupart des micro-ordinateurs et consoles du moment (dont la Famicom / NES en 84).

Junichi n’a plus lâché le genre après. Né en 1975, il a connu son âge d’or et joué à la plupart des grands classiques, tels Gradius et Star Soldier. Sa culture shmup s’est avant tout faite sur consoles de salon, et non en arcade. La Famicom, la Megadrive et la PC Engine ont formé sa triforce, et les jeux qu’il a découverts à l’époque sont ceux qui l’inspirent toujours aujourd’hui.

Lorsque l'on découvre les créations de Terarin Games, l'influence des classiques de la PC Engine saute littéralement aux yeux. ImageFight (1988 / Irem), Gunhed (1989 / Compile) ou encore Super Star Soldier (1990 / Kaneko) reviennent souvent dans les influences revendiquées par Junichi.

Blazing Lazers, le nom occidental de Gunhed, n'est pas sans rappeler celui du dernier jeu de Junichi, Blaze of Storm. Idem pour Raging Blasters, une autre de ses créations. Et visuellement, ces titres partagent le même amour des charpentes métalliques suspendues dans l'espace, aux couleurs vives contrastant avec le noir intersidéral ; des mecha (YES !) ; du scrolling vertical ; et des armes aux effets radicalement différents qui flottent à l’écran sous la forme de bonus à saisir (ou éviter).

C’est avec Raging Blasters que j’ai commencé à m’intéresser aux shoot’em up de Junichi (un jeu dont je parle abondamment dans le podcast #65). Et c’est justement à cause du feeling “rétro eighties“ qu’ils dégageaient, que je me suis penché sur sa ludographie. Parce qu’aujourd’hui, alors que j’ai replongé “manette la première” dans un océan de shmup (rétro ET moderne), je me suis vite retrouvé noyé sous les boulettes… La scène indie ne manque en effet jamais une occasion de professer son amour pour les danmaku de Cave (où l’on slalome entre les projectiles).

L’idée était donc de retrouver un shmup plus… plus zen en fait ! Moins étouffant. Histoire de pouvoir reprendre mon souffle entre deux parties de Mushihimesama 😅

Ayant joué à de nombreux shoot’em up entre les années 1980 et le début des années 1990, ma préférence va au shoot’em up de style classique. J’apprécie tout particulièrement le subtil bras de fer tactique qui se met en place avec les ennemis. Par exemple, lorsqu’un ennemi apparaît, il faut très vite décider s’il vaut mieux l’abattre avant qu’il n’attaque, ou esquiver ses tirs si c’est possible. On peut aussi attirer son attention pour soudainement changer de direction afin de mieux riposter. Et puis face à un boss, on peut décider de rendre le combat moins risqué en détruisant d’abord certaines de ses parties.

Autrement dit, j’adore quand un shoot’em up m’oblige à sans cesse prendre des décisions. La liberté d’approche est essentielle. Je n’aime pas trop quand un jeu repose avant tout sur des mécaniques “puzzle”, qui obligent le joueur à suivre un chemin idéal ou à utiliser une arme imposée… J’ai alors la sensation que mes actions sont programmées ou limitées. Ceci dit, que ce soit un shoot’em up classique ou un danmaku, tant qu’il offre une grande liberté d’action et une grande interactivité, je suis heureux.

Les jeux de Junichi comme Blaze of Storm et Raging Blasters visent un large public, et sont conçus de manière à pouvoir être appréciés par les débutant(e)s. Leur niveau de difficulté est par exemple modéré ; ils sont souvent jouables à deux en coop’ ; et retrouvent la lisibilité des jeux 8-bit des années 80, où les écrans ne pouvaient pas être surchargés de boulettes et de détails dans les décors pour ne pas ramer à mort.

Mais ils proposent aussi, comme de nombreux autres shoot’em up japonais, un mode particulier appelé Caravan. Ce dernier s’apparente à un Time Attack où l’objectif est de réaliser le meilleur score possible…

Un extrait de 30s du mode Caravan (limité à 5 minutes) du Blaze of Storm de Junichi Terayama sur Switch.

Cette option de jeu incroyablement addictive est ancrée dans la culture japonaise.

Le mode “Caravan” fait référence à des événements IRL de Score Attack organisés par l’éditeur Hudson au Japon (^{du milieu des années 80 à la fin des années 90}). Les jeux utilisés étaient généralement des shoot’em up comme Star Force et Star Soldier (^{sur Famicom}). À l’époque, Takahashi Meijin, une figure emblématique chez Hudson, était extrêmement populaire auprès des enfants, qui rêvaient tous de devenir aussi bons que lui au shoot’em up et s’entraînaient avec dévotion.

Takahashi Meijin est une légende du jeu vidéo japonais, connu pour pouvoir appuyer 16 fois de suite en une seconde sur un bouton de tir ! Un “super pouvoir” qui en a fait un Maître (meijin en japonais) du jeu vidéo sur l’archipel. Avec son allure débonnaire, il est vite devenu l’ambassadeur de ces “caravanes” où de jeunes passionnés s’affrontaient sur des versions modifiées des jeux, dont les parties duraient entre 2 et 5 minutes. Et tout ça pour obtenir le meilleur score et gagner des lots (sans oublier la gloire à la récré).

J’aurais ADORÉ que de tels événements existent en France dans les années 80 !

Il me semble que c’est à partir de Super Star Soldier que le mode Caravan a commencé à être directement inclus dans les versions commerciales des jeux. Personnellement, j’ai beaucoup joué au mode Caravan de Super Star Soldier. Mais j’étais déjà au collège à cette époque et très pris par les études et les activités extra-scolaires, du coup je n’ai jamais participé aux événements Caravan eux-mêmes.

L'une des forces du shoot'em up réside dans le sentiment d'accomplissement qu'il procure lorsque l'on gagne en maîtrise. Mais avec ce mode Caravan, nos progrès sont quantifiables, ce qui donne envie de se dépasser. Et les jeux modernes permettent d'intégrer un système de classement en ligne pour se mesurer à des joueurs du monde entier, ce qui les rend encore plus captivants.

Je vous confirme que le plaisir de grimper doucement dans les classements en ligne a sévèrement prolongé la durée de vie de Blaze of Storm (et Raging Blasters) ! Et si vous parvenez à convaincre des ami(e)s de joindre cette compétition asynchrone, il sera alors très difficile de quitter la caravane…

En me rabibochant avec le genre, j’ai pris conscience de la richesse de l’offre actuelle.

Les shmup sont partout, au Japon comme ailleurs, que ce soit via la scène indépendante ou sous la forme de ressorties dans des compilations ; les chaînes rétro Switch ; ou la gamme Arcade Archives et autres versions HD Boosted. Mais c’est un genre qui reste malgré tout “niche” et ne peut prétendre concurrencer son descendant spirituel : le FPS à la Call of Duty.

Ce bras de fer perdu dans les années 90 / 2000 n’empêche pas le shoot’em up de brièvement mais régulièrement capter la lumière des spotlights.

On l’a récemment aperçu dans le dernier Nintendo Direct par exemple, avec l’annonce du remake prochain d’un des piliers de la scène indie japonaise : Touhou Koumakyou ~ The Embodiment of Scarlet Devil, ou sur des salons spécialisés dans le jeu indépendant comme le BitSummit. Junichi participe ainsi régulièrement au Digital Games Expo et au Tokyo Game Dungeon, où il a récemment présenté une démo de la suite de Raging Blasters, sur laquelle il travaille en ce moment pour une sortie en 2027.

Lorsqu’il cherche à découvrir les dernières nouveautés, Junichi considère que la méthode la plus efficace reste d’essayer les démos disponibles pendant des évènements en ligne tels que la Steam Next Fest (ou le Festival Steam de la Balistique qui se tient en ce moment jusqu’au 15 juin !), malgré une classification du genre souvent aussi obscure que chaotique.

Mais les salons physiques restent importants. Grâce à eux Junichi a eu l’occasion de croiser et d’échanger avec d’autres développeurs japonais spécialisés dans le genre. Il a ainsi rencontré à de multiples reprises RYO, l’un des créateurs derrière l’excellent Andro Dunos 2. Il cite également Yuichi Toyama, le programmeur du très culte Musha Aleste sorti en 1990 sur Mega Drive. Une personnalité du milieu qu’il respecte énormément et qui échange de manière simple et amicale avec des développeurs indépendants comme lui.

Mais au-delà des rencontres humaines, ce sont les jeux eux-mêmes qui l'inspirent et lui permettent de progresser en tant que créateur de shmup.

Aujourd'hui encore, je joue autant aux vieux shoot'em up qu'aux nouveaux, qu'ils soient indépendants ou issus de studios majeurs. Je pense néanmoins que les shmups récents sont plus accessibles. Grâce à de meilleurs outils de développement et l'abondance de matériel de recherches, il est possible de corriger certaines aspérités des oeuvres du passé. La scène indie est très vaste et on trouve de tout, du bon et du moins bon, du coup j'essaye toujours d'essayer les démos des jeux. Même s'il m'arrive de noter des défauts en rejouant à des vieux classiques, j'ai beaucoup appris à leur contact. Comment créer un jeu intéressant en dépit des limitations techniques de l'époque a été très instructif pour moi. Depuis que j'ai commencé à développer mes propres jeux, je note beaucoup de choses qui m'avaient échappé en rejouant à ces vieux shmups.

Je n’ai pas (encore) joué à tous les jeux de Junichi Terayama. Mais Raging Blasters et Blaze of Storm ont été amplement suffisants pour constater l’amour que ce développeur indépendant porte au genre. En travaillant régulièrement avec le compositeur HIROKKEY, il est parvenu à créer des shoot’em up reproduisant l’expérience et les sensations des grands classiques verticaux de la fin des années 80, tout en les rendant plus accessibles et généreux. Je ne peux ici que souligner une fois de plus l’impact positif du mode Caravan (11ème sur Blaze of Storm, je vous attends… 😎).

Mais le plus simple est encore de vous faire votre propre idée en téléchargeant la démo gratuite de Blaze of Storm sur Switch ou Steam !

PS : Un grand MERCI à Junichi Terayama (Terarin Games) pour avoir accepté de répondre à mes questions par email. Ses réponses ont été traduites du japonais. Toutes les images et vidéos de Blaze of Storm, Raging Blasters, ESP Ra. De., Mushihimesama, GG Aleste 3, Xevious (chaîne rétro Famicom), Musha Aleste (chaîne rétro Mega Drive) et Crimzon Clover ont été capturées par mes soins à partir de versions commerciales des jeux sur Switch. Les captures de Raging Blasters 2 sont issues de sa page Steam ; celle de Blazing Lazers d’une vidéo de la chaîne YouTube NintendoComplete ; le flyer japonais de Xevious du site The Arcade Flyer Archive ; les images de Takahashi Meijin du site officiel japonais de Star Gagnant.

Jouer à Mina the Hollower a fait resurgir une réplique culte du western de Sergio Leone Le Bon, la Brute et le Truand…

Lorsque Blondin, joué par Clint Eastwood, fait face à Tuco dans le cimetière :

Tu vois, le monde se divise en deux catégories : ceux qui ont un pistolet chargé et ceux qui creusent. Toi, tu creuses.

Nous, par le truchement de Mina, allons creuser ! Ou plutôt “muloter” pour reprendre le mot choisi par l’équipe de traduction française de Words of Magic (qui a fait un travail fantastique, la VF est incroyable). Et c’est autour de cette mécanique que l’ensemble des pièces qui composent ce jeu s’articulent pour finalement tourner avec l’étrange élégance du pendule à coucou.

C’est un GIF, donc ça saccade ! Le jeu tourne bien sûr en 60fps sur Switch et même en 120fps dans son édition Switch 2.

Mais pour celles et ceux qui n’ont encore jamais entendu parler de Mina the Hollower, une présentation s’impose. En développement depuis six longues années, Mina, qui vient tout juste de sortir, est le petit dernier du studio Yacht Club Games, à l’origine de l’excellent jeu de plates-formes / action Shovel Knight, inspiré de jeux NES tels que Zelda 2, DuckTales, Mega Man et Super Mario Bros. 3.

Si Shovel Knight est un peu le Mario de Yacht Club, alors Mina the Hollower est son Zelda.

Pour en savoir plus sur la genèse de Mina, je vous invite à regarder le reportage de Game Informer diffusé fin 2022 sur YouTube (36mn).

On est donc face à un jeu d’aventure / action vu de dessus, adoptant le look rétro et la palette de couleurs limitée d’un jeu Game Boy Color. Et comme dans un Zelda, on explore, on discute, on récupère des objets que l’on peut équiper, et on combat (cinq armes totalement différentes peuvent être utilisées, sans parler des armes d’appoint provisoires, façon Castlevania).

Mais Mina the Hollower s’offre un gros twist : en maintenant le bouton saut enfoncé, on plonge dans le sol pour littéralement “nager sous terre” pendant une poignée de secondes, telle une taupe qui aurait mangé un Sonic (ou l’un des calmars multicolores de Splatoon). Car cette technique augmente nettement la vitesse de déplacement de Mina, même si le plongeon en lui-même impose un temps de latence / de suspension dans les airs auquel il faudra s’accoutumer.

Pour reprendre les mots du manuel, que vous pouvez trouver dans les options de jeu (ce dernier étant plein de bons conseils, je vous encourage vivement à le lire) :

Le mulotage est la clé. Enfouissez-vous non seulement pour échapper aux attaques ennemies, mais aussi pour vous déplacer plus vite, sauter plus loin et découvrir des secrets.

Cette action irrigue le coeur du gameplay de Mina the Hollower. Sans elle, le nouveau titre de Yacht Club serait un “simple” hommage aux Zelda 2D. Avec elle, il parvient à se réapproprier et à réinventer une formule vieille de 40 ans !

Je vais me permettre ici de reprendre un post sur le réseau social Bluesky du game designer japonais NamaTakahashi (à qui l’on doit les brillants jeux indépendants ElecHead et Öoo), à propos de Mina the Hollower :

Le jeu parvient à faire énormément de choses avec une seule action : creuser.

Sauter, esquiver, explorer, flanquer les ennemis, se déplacer rapidement, transporter des objets, activer des mécanismes, et plus encore. J’adore les jeux qui osent tout miser sur une seule et unique mécanique centrale.

Il est toujours possible de sauter normalement avec le bouton B, mais en le maintenant appuyé, on plonge dans le sol pour s'y enfoncer et creuser un court instant à la vitesse de l'éclair. En fait, on peut même sauter plus loin lorsqu’on s’éjecte du sol (on franchit deux cases, au lieu d’une seule avec un saut “normal” sans mulotage) !

Le mulotage se présente donc comme une "extension du saut", et c'est assez fou à quel point ce simple ajout change tout.

En dotant le saut d’une dimension supplémentaire, Yacht Club ose complexifier l’une des mécaniques les plus fondamentales du jeu vidéo, que l’on a utilisé des centaines de milliers de fois (millions ?) au point de l’imprimer à jamais dans notre mémoire musculaire. Sauter dans un jeu vidéo est aussi naturel que de tourner une poignée de porte. On le fait sans même y penser. Modifier un tant soit peu une telle action n’est donc pas anodin, et reviendrait presque à demander à un droitier d’apprendre à écrire avec la main gauche…

Le fait que le jeu adopte une vue aérienne n’arrange rien, cette perspective se prêtant moins bien aux séquences de platforming (ce n’est pas pour rien si le saut est absent de la plupart des Zelda 2D).

Et bien entendu, les niveaux sont littéralement farcis de trous et autres précipices, de manière à tirer partie de sa mécanique centrale.

Oui, Mina the Hollower est d’abord un jeu de plates-formes avant d’être un jeu d’exploration / combat ! Et c’est sans doute ça qui le rend aussi unique et original.

Les développeurs ont heureusement créé tout un arsenal de techniques afin d’aider joueuses et joueurs à mieux “lire l’environnement” et les assister dans leur capacité à réussir ce saut à deux visages.

• Mina commence à transpirer et se déplace plus lentement lorsqu’elle est à fleur de précipice et sur le point de tomber

• Une ombre indique sa position dans les airs (mais aussi celle des ennemis et objets volants), et scintille lorsqu’elle passe au dessus d’un danger (comme un trou)

• On reste dans les airs (hangtime) un chouille plus longtemps lorsque l’on franchit un obstacle (comme un trou…)

• Enfin, si on s’approche trop près d’un trou et que l’on est techniquement déjà en train de tomber, on dispose tout de même d’une fraction de seconde pour sauter !

Ces petits coups de pouce et indices visuels distillés aux joueurs, soulignent à quel point les designers ont du cravacher pour rendre naturels le saut et le mulotage qui lui est associé. Et le fait que l'on puisse plonger pour ressortir immédiatement en lâchant le bouton Saut, ou au contraire décider de rester sous terre un certain temps (quelques secondes) avant d'être automatiquement "éjecté", est aussi un point de friction que Yacht Club a du gérer et travailler.

L’équipe de développement a visiblement été submergée par les problèmes induits par le mulotage, au point de devoir repousser la date de sortie de leur jeu, mettant ainsi en péril la santé financière du studio. Même si d’autres facteurs ont joué, comme le Covid, la décision initiale de couper les effectifs en deux pour travailler sur deux projets en parallèle (Mina et Shovel Knight 3D), ou le manque d’expérience en termes de management de certains membres de l’équipe… Problèmes que le journaliste américain Jason Schreier met en lumière dans une passionnante vidéo YouTube de 26mn.

Mais le mulotage, aussi difficile fut-il à maîtriser, a fini par payer en enrichissant tous les domaines du jeu.

Le combat en ressort par exemple (nettement) plus nerveux et varié que dans n'importe quel jeu Zelda. Le mulotage étant autant une stratégie d'esquive, un dash et une manière de se repositionner tactiquement, qu'une option d'attaque si on équipe les bons accessoires (appelés "colifichets" en VF, un mot délicieusement désuet 🥰). Notre traînée peut ainsi devenir acide, à moins que l'on ne décide d'envoyer une impulsion électrique sous un ennemi !

Mais c’est le level design qui profite le plus de cette mécanique. Non seulement chaque environnement propose de nouveaux challenges et obstacles façonnés pour et autour d’elle, mais en plus chaque écran regorge de secrets ! Il est ainsi possible de se glisser sous de nombreux bâtiments, de déterrer des bonus, de découvrir des grottes, de plonger dans des égouts, de se cacher, de filer à toute berzingue dans des canalisations, de manipuler des objets en se glissant sous eux…

On a la sensation que chaque zone est composée de multiples couches à explorer.

Yacht Club s’est aussi évertué à créer moult revêtements et types de sol afin de toujours forcer joueuses et joueurs à s’adapter. Des plaques de verre sous lesquelles on peut se glisser, des buissons qui servent de trampolines, des tapis roulants métalliques “anti-mulotage” et j’en passe !

J’ai été épaté par la “profondeur” du jeu. Un mot passe-partout, souvent utilisé dans les critiques JV, mais qui prend ici un sens des plus concrets.

Au-delà de la mécanique dite du mulotage, Mina the Hollower, en s’inspirant des jeux avec lesquels beaucoup d’entre nous ont grandi, comme Link’s Awakening, Oracle of Seasons, Castlevania II: Simon’s Quest ou encore Mole Mania, m’a parfois donné l’impression qu’il recréait ces jeux 8-bit, non pas comme ils étaient, mais tels que je les imaginais à l’époque, une manette NES ou un joystick MSX entre les mains...

Plus interactif, plus vaste, plus surprenant, encore plus… oui, profond !

L’ambiance victorienne du jeu, un peu “sale”, qui noircit au charbon l’idée même d’une ambiance bucolique ; ses personnages patibulaires aux intentions jamais claires ; son humour noir et décalé ; sa belle VF ; ses incroyables musiques ; la flamboyance baroque de ses couleurs, malgré leur nombre volontairement limité ; sa capacité à nous surprendre sans cesse, par son inventivité ainsi que sa velléité à oser des choses… Comme ce clown qui apparaît au moment où on s’y attend le moins pour nous hurler dessus avant de nous raconter une bonne grosse blague Carambar… Et si on parvient à ne pas lui filer un coup par pur réflexe de survie, il nous récompense !

Il y a tant de choses à dire sur cette merveille de jeu, y compris sur sa gestion de la difficulté (on est à des années lumières d’un Hollow Knight: Silksong, pas d’inquiétude) ; ses emprunts aux Souls & autres Elden Ring de FromSoftware ; et l’incroyable liberté offerte par son monde ouvert. Mais vous l’aurez compris, l’idée ici n’est pas de faire une critique exhaustive. Je vous reparlerai de Mina, de vive voix, dans le prochain podcast Pixel Bento, une fois que j’aurais (fort probablement) terminé à 100% le jeu et tenté son apparemment très novateur (lui aussi !) New Game +.

En attendant, vous savez ce qu’il vous reste à faire…

Parce que vous voyez, le monde se divise en deux catégories : ceux qui n’ont pas acheté Mina the Hollower et ceux qui creusent. Moi, je creuse 😬

PS : Toutes les images et vidéos illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale de Mina the Hollower sur Switch 2 (ainsi que celle de The Legend of Zelda Link’s Awakening, réalisée à partir de la version accessible sur la chaîne Switch Online Game Boy Color). Le visuel d’intro est tiré des fonds d’écran obtenu en cadeau pour ma participation au financement participatif du jeu sur Kickstarter. La photo du renard qui mulote, elle, est issue de la page wikipedia consacrée au mulotage.

Limiter cette sélection a 6 jeux n’a pas été facile…

Après un premier article écrit “à chaud” à l’issue de la première journée du salon, qui se focalisait sur le très attendu City of None, le nouveau titre du co-créateur de Celeste, je vous invite à m’accompagner à nouveau dans les allées du BitSummit pour partir à la découverte d’une poignée de jeux indépendants auxquels j’ai pu jouer, et dont il a été bien difficile de me détacher !

On commence avec Sushi Lick, dont l’improbabilité et l’impertinence du pitch m’a beaucoup fait rire.

Dans ce dernier, on contrôle en vue subjective le client d’un kaitenzushi, soit l’un de ces restaurants où les sushi circulent sur des tapis roulants. Mais ce client est un influenceur de la pire engeance, dont l’objectif est de faire un max de vues sur les réseaux sociaux en se filmant en train de lécher les sushi qui lui passent sous le nez sans se faire prendre… la « langue dans le sac » 😅

Parce qu’un chef ultra suspicieux vous surveille d’un coin de l’oeil pour immédiatement se rapprocher - couteau à la main ! - afin de vous saisir la langue s’il vous attrape sur le fait… Vous avez pour vous une “arme du crime” pour le moins exceptionnelle : une langue tentaculaire que vous pouvez déplier et replier (tel un lézard) à l’aide de la molette de la souris. Vous pouvez ainsi lécher du sushi à l’autre bout du tapis roulant !

Mais il faudra néanmoins lécher avec précaution, en gardant toujours dans votre champ de vision le chef (ou LES chefs) qui tente(nt) de vous choper, tout en évitant les pièges tendus sur le tapis roulant : tapettes à souris, poulpes qui vous aspergent d’encre, etc.

Histoire de souffler un peu, vous pouvez profiter des distractions offertes par l’arrivée de vrais clients (qui obligent le chef à vous tourner le dos), pour passer en mode “tabéhōdai“ (all you can eat) et TOUT lécher comme un gros sauvage.

Le principe du jeu étant inspiré d’un scandale qui a défrayé la chronique au Japon, l’équipe de développement a tenu à glisser un avertissement sur la page Steam de Sushi Lick :

Ce jeu est une oeuvre de fiction, une expérience parodique. Ne reproduisez pas ce comportement dans la vraie vie. Respectez la nourriture, les standards d’hygiène, et la décence dans l’espace public (sérieusement, ne faites pas ça). 🤣

Castle in the Darkness II, ses auteurs insistent bien sur ce point, n’est pas aussi punitif que Hollow Knight: Silksong !

Ce metroidvania cherche en effet à minimiser les allers et retours, pour finalement se rapprocher un peu plus d’un Ghouls ‘n Ghosts.

Développé par intermittence pendant plus de 10 ans (!) par Matt Kapp, qui a récemment sorti l’excellent Lovish, auquel j’avais consacré un article, et Simon Parzer (programmeur sur The Binding of Isaac: Rebirth), ce jeu d’action / aventure fait suite au Castle in the Darkness édité en 2015 par Nicalis.

Cette suite était présentée par ses auteurs au sous-sol du Miyako Messe, dans l’espace rencontres / business du BitSummit, et non pas parmi les exposants. J’avais donc pris rendez-vous avec Matt pour essayer dans un grand hall bourdonnant de conversations le début de son jeu, pour lequel il cherchait à trouver un éditeur.

Dès son intro et les premières minutes de jeu, les intentions sont claires. Castle in the Darkness II s’inspire visuellement des J-RPG 16-bit de Square Soft sortis dans les années 90, qui ont fait (entre autres) le bonheur des fans de la Super Nintendo. On y incarne un mercenaire appelé Zeni, au moment où le train qui l’emmenait vers sa ville natale de Lumia est attaqué par des monstres sortis d’un étrange brouillard. Après une lutte héroïque sur le toit des wagons, il finit par tomber pour voir, désespéré, le train disparaître avec son terrible équipage vers le lieu où il a grandi.

Très agréable à prendre en main, le jeu permet d’utiliser un bouclier, de multiples attaques (on en débloque déjà pas mal durant la première heure de jeu), de réaliser des roulades et d’expérimenter avec un système de jobs pour créer des builds uniques et tirer avantage de certaines magies. Le monde est découpé en plusieurs “cartes” entre lesquelles il sera facile (et rapide !) de voyager, sachant que chaque zone comporte des passages cachés ainsi que des chemins alternatifs, voire des PNJ que l’on pourra aider (l’un d’eux me trottent encore dans la tête… mais je n’en dirais pas plus !).

S’il est prévu pour 2027, de l’aveu même de ses auteurs, Castle in the Darkness II est pour ainsi dire déjà terminé ! J’espère pouvoir y rejouer sur le stand d’un éditeur lors du prochain Tokyo Game Show…

Merci à Matt pour m’avoir envoyé le nouveau trailer de son jeu, également visible sur la page Steam de Castle in the Darkness II.

J’adore le travail du studio doinksoft…

J’ai même écrit un article sur l’un de leurs jeux, Gato Roboto, intitulé Un Chat dans un mecha. Ils ont depuis sorti deux autres titres : l’excellent shoot’em up coopératif Demon Throttle, qui possède la particularité de n’être sorti qu’en boîte (impossible de le télécharger !), et l’intriguant metroidvania Gunbrella, qui trône au sommet de ma pile of shame…

Après avoir sorti Gunbrella en 2023, la petite équipe décide de souffler un peu et de développer un jeu… plus simple et “immédiat” ! Un jeu de plates-formes / action donc, à l’ancienne, sans exploration, mais avec des éléments de roguelite (pièces craftées à la main mais s’enchaînant de façon aléatoire), qui se focalise sur le jeu en coopération.

En gros, ils ont développé un jeu pour moi ! C’est en tout cas la sensation que j’ai eu en le prenant en main :p

Dark Scrolls, puisque c’est son nom, est né de l’envie de développer un titre avec lequel l’équipe de développement pourrait jouer ensemble, et s’amuser pendant toute la production. Et cette priorité au “fun sans prise de tête” saute immédiatement aux yeux !

On peut incarner un héros choisi parmi une troupe bigarrée composée, entre autres, d’un chien et d’un barbare (une dizaine de persos ont été confirmés). Ils se jouent bien sûr tous différemment et disposent chacun d’attaques spéciales uniques. On saute, on hacke et on slashe dans tous les sens, on tape du boss, et on absorbe toutes les pièces lâchées par les ennemis pour acheter de nouvelles attaques, que l’on pourra “enchaîner” pour gagner en puissance et progresser toujours plus loin, sachant que de nombreux chemins et choix s’offriront à nous.

Ce n’est pas compliqué, Dark Scrolls est l’un des jeux que j’attends le plus cette année. Il devait sortir fin Mai, mais doinksoft et Devolver Digital ont préféré décaler sa date de sortie au 22 juin, pour ne pas rentrer en concurrence avec un autre jeu indépendant au look pixel art : le très attendu Mina the Hollower, nouveau jeu du studio (et amis de doinksoft) Yacht Club, à qui l’on doit le très culte Shovel Knight !

C’est ça aussi le monde du jeu indé : l’esprit de camaraderie !

Un jeu avec un look et une jouabilité à la Rayman Legends où l’on joue un malheureux gobelin immortel qui avance en se faisant pulvériser ou couper en deux ?

Oui, Deaths of Peck vous propose bien de mourir encore et encore afin de profiter de vos différents « états » post-mortem ! Vous êtes coupé en deux ? Parfait pour réaliser un double saut ou emprunter un passage étroit ! Réduit en bouillie ? Idéal pour se propulser de clou en clou tel le plus élastique des slimes !

Comme dans Rayman Legends, l’objectif de ce jeu de plates-formes est de sauver des créatures enfermées dans des cages (ici vos potes gobelins enlevés par des orcs affamés) en explorant des niveaux remplis de pièges, d’enchaînements d’obstacles à la difficulté plutôt relevée, et de passages secrets.

Le style graphique “bande dessinée”, l’originalité du pitch et des mécaniques de jeu, ses animations gentiment gore, ainsi que la nervosité de sa jouabilité m’ont donné une furieuse envie de suivre ce Deaths of Peck. Un titre pour le moment sans date de sortie précise, développé par l’animateur JuanPe Arroyo !

Cette histoire de gobelin immortel m’a rappelé une vieille BD publiée dans les années 90 dans les pages du magazine Casus Belli, appelée Les Aventures de Kroc le Bô… Vous la connaissez ? On y suivait un autre malheureux gobelin, rejeté par les siens parce que “trop beau” (sa maman était une Muse) et immortel puisque doté d’un point de vie indestructible ! Souvenir souvenir…

Vous le savez si vous écoutez le podcast Pixel Bento ! En ce moment je suis dans ma période shoot'em up…

Alors quand j'ai vu des écrans se remplir de boulettes sur deux bouts de table, autant vous dire que je me suis vite installé !

Inspiré, entre autres, de l’incroyable ESP Ra.De., un danmaku (ces jeux où l’écran peut se REMPLIR de balles) développé par Cave et sorti en arcade en 1998, Kaguya met lui aussi en scène des étudiantes japonaises capables de voler. On ne dirige pas un vaisseau donc, ou un mecha, mais Akari Mikado et son amie d’enfance Akane Hiiragi, toutes les deux fans absolues de robots géants qui manipulent grâce à la télékinésie (je suppose) d’énormes canons qu’elles font tourner autour d’elles.

Kaguya se distingue ainsi par la possibilité d’orienter ses tirs autour de soi, en plus de pouvoir lâcher les habituelles bombes capables de nettoyer l’écran, le tout dans une superbe 3D typique des consoles 32-bit et plus généralement de la fin des années 90.

Que l’on joue en solo ou à deux, Akari et Akane ne cessent de se parler, leurs portraits étant toujours présents à l’écran. Beaucoup de dialogues donc, et encore plus de boulettes, même si le développeur nous promet un やさしめ弾幕STG (yasashime danmaku STG), soit un “gentil shmup façon bullet hell“ ! 😂

<Strect> est également un shoot’em up vertical, mais il propose quant à lui une approche totalement différente, plus… eighties ! Des graphismes 2D donc, ainsi qu’un écran “en longueur”, plus étroit, en mode “tate“, comme les bornes d’arcade Cave ou Toaplan.

Le jeu se distingue avant tout par son scrolling sinueux et ses décors totalement destructibles, puisque l’on peut shooter des “points d’attache” pour faire sombrer dans l’espace les immenses plates-formes qui servent de bases aux ennemis.

Le développeur solo de <Strect>, まよねえ (mayonee), s’est occupé de tout sur le jeu (graphisme, son, programmation) - mise à part les musiques - et il espère le terminer en 2027. Il semble également très ouvert aux feedbacks puisqu’il a mis une démo gratuite à disposition de tout le monde sur sa page itch.io.

Perso, j’ai adoré le feeling du jeu. Et je suis absolument RAVI d’avoir pu tester ces deux shoot’em up sur le BitSummit !

Pour en savoir ENCORE PLUS sur cette superbe édition 2026 du BitSummit, ne ratez surtout par le prochain podcast Pixel Bento, mais aussi le 101% spécial réalisé pour fêter les 19 ans de Nolife.

Il sera diffusé sur Origami ainsi que la chaîne Twitch de Nolife lundi 1er juin prochain, à partir de 19h !

PS: Toutes les photos illustrant cette newsletter ont été prises par mes soins, tandis que les images et vidéos des jeux sont issues de leurs sites officiels ou de leurs pages Steam, dont les liens se trouvent dans les passages dédiés.

De retour au BitSummit ❤️ pour dévorer du pixel à pleines dents et faire suffisamment de provisions pour de multiples Bento ! En voici une première bouchée…

En apprenant via le compte Bluesky de Noel Berry - co-créateur de Celeste (aux côtés de ​​Maddy Thorson) - qu’il allait venir au BitSummit pour présenter sur un coin de table son prochain jeu, autant vous dire que j’ai pris soin de foncer direct l’essayer aussitôt arrivé sur le salon !

Officiellement annoncé depuis à peine un mois, City of None a tout pour plaire aux amoureuses et aux amoureux de pixels et de jeux d’exploration craftés avec amour.

Après avoir trépigné d'impatience en regardant quelqu'un y jouer (un petit malin m’avait devancé…), j'ai ENFIN pu le prendre moi-même en mains 20 petites minutes (le temps chronométré de la démo).

Et le plaisir était là, indéniable.

City of None est exactement le jeu que j'attendais, un mélange de plates-formes (aux contrôles précis), d'action (épée à la main), d'aventure (interactions avec des PNJ…), de puzzle aussi (oui, il y aura bien des blocs à pousser, mais pas que !), avec une énorme dimension "exploration".

Ce monde m’a immédiatement fait songer à celui de Hollow Knight (sans doute l’une des raisons de mon attirance immédiate). Là aussi, on y dirige une silhouette plus qu’un personnage, qui se déplace dans des grottes humides et les ruines d’une cité au coeur desquelles évoluent de mystérieuses créatures (déchues ? corrompues ?) souvent bien mal intentionnées. Entre les murs de cette cité, que l’on réveille parfois en agitant des cloches, se cachent aussi, par bonheur, de potentiels alliés…

Un monde étrange, à la beauté pixelisée des plus singulières.

J’ai bien sûr profité de sa présence à Kyoto pour poser une poignée de questions à Noel Berry, qui nous révèle sa principale inspiration et le désir qui a propulsé ce nouveau projet, développé conjointement avec son frère Liam.

Mon frère et moi avons toujours souhaité faire un jeu dans la veine de Cave Story. Ce titre est un peu la raison pour laquelle j’ai commencé à vouloir créer des jeux vidéo. Je l’adore vraiment… énormément en fait. Depuis toujours, enfin… depuis notre adolescence, Liam et moi avons rêvé de créer un jeu de plates-formes / exploration. Un jeu avec du combat, mais surtout beaucoup d’exploration. Alors si City of None ne ressemble finalement pas tant que ça à Cave Story, il reste malgré l’étincelle de départ. C’est la réalisation du jeu que j’ai toujours voulu faire.

Comme tout bon jeu d’aventure, City of None laisse une belle autonomie aux joueuses et aux joueurs pour leur permettre de comprendre et s’approprier à leur rythme les mécaniques de jeu, à force de tâtonnements et d’expérimentations. Une approche qui m’a rappelé d’autres titres qui accordent une importance toute particulière aux puzzles, comme ElecHead et Öoo du développeur NamaTakahashi, dont la simple évocation à tout de suite illuminé le visage de Noel.

J’aime beaucoup son travail, il est très bon ! J’ai joué (à Öoo) dès qu’il est sorti ! Je l’ai beaucoup apprécié, je trouve son design excellent. Je suis impatient de savoir ce qu’il va faire après, parce que ses deux derniers jeux sont vraiment soignés.

Mais City of None, tient à préciser Noel, se rapproche finalement bien plus d’un jeu d’aventure à la The Legend of Zelda que d’un “knowledge-vania“ où l’on découvre au fil de sa partie des “pouvoirs” que l’on a toujours possédé. La progression reposera en effet beaucoup sur l’obtention d’objets particuliers, qui débloqueront de nouvelles possibilités en termes de navigation. Sachez simplement que l’on peut sauter de mur en mur (wall-jump) dès le départ et qu’il devrait être possible d’utiliser certaines techniques (secrètes ?) dédiées aux speedrunners !

City of None surprend aussi par le minimalisme atypique de ses graphismes. Car la direction artistique du jeu, aussi avare soit-elle en couleurs, s’avère étonnamment vibrante et éblouit par ses effets de lumière impromptus. La palette de couleurs peut ainsi changer du tout au tout en quelques secondes, comme si l’on levait un rideau de pixels pour révéler un nouveau décor.

L’effet est assez saisissant.

Je me considère plus comme un programmeur, mais j'aime énormément le pixel art. Alors quand j'ai commencé à travailler sur ce jeu j'ai choisi un style qui me permettrait de m'exprimer pleinement, mais aussi d'explorer en minimisant les risques, tout en m’offrant l’opportunité de m'améliorer encore… En termes de limitations j'ai décidé de n'utiliser que quatre couleurs, parce que je considère que la contrainte favorise l'expression créative.

Ce pixel art “quatre couleurs” m'a permis de créer un espace de création vraiment fun… Et à cause de la façon dont la programmation fonctionne avec les lumières et les shaders, j'ai pu facilement commencer à ajouter des couches de lumières et de dégradés. Et c’est le fait que je n'utilise que quatre couleurs qui permet d’obtenir des variations et des effets aussi dynamiques.

Bon, il est plus que temps d'aller dormir quelques heures afin d’être suffisamment au taquet demain pour une nouvelle (grosse) journée de BitSummit !

Cette newsletter n'était qu'un petit amuse-bouche sorti tout chaud du four kyotoïte et plein d'autres choses (et de surprises) sont prévues dans les prochains jours et semaines qui viennent.

PS : Toutes les images illustrant cet article sont issues du site officiel de City of None. Le screenshot de Cave Story est quant à lui tiré de sa page wikipédia et l’interview de Noel Berry a été réalisée aujourd’hui sur le BitSummit et traduite de l’anglais par mes soins. Un grand merci à lui pour sa disponibilité et sa gentillesse ! Merci aussi à Axel - l’ingénieur son du podcast Pixel Bento - pour son aide précieuse sur le BitSummit.

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

• Pixel Bento.fr (pour télécharger l’épisode)

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Lorsque j’ai appris qu’Antistar allait passer à Tokyo pour un tournoi Mario Kart, je dois l’avouer, il ne m’est pas venu une seconde à l’esprit que cette compétition allait se dérouler sur Super Famicom !

Et c’est du côté d’Akihabara - le fameux “quartier électrique” - que Nicolas et moi avons été à la rencontre de ces compétiteurs du rétro, de ces globe-trotters du pixel 16-bit, à l’occasion de la JSMKC, un tournoi sur plusieurs jours réunissant des joueurs du monde entier autour d’une même passion : Super Mario Kart ! On remercie tous les français, et toute la communauté autour du jeu, pour leur accueil chaleureux 😊

Voici une petite vidéo d’Antistar en mode duel lors de la matinée du 3ème jour de la compétition 👇

Un petit extrait de l’interview d’Antistar que vous pouvez retrouver en intégralité dans le podcast 👇

Et enfin le stream sur YouTube de la journée complète dédiée aux matchs 1 contre 1. Vous devriez pouvoir nous apercevoir Nicolas et moi durant la première partie du stream, en train de nous émerveiller du niveau de jeu, avant que l’on ne parte pour aller enregistrer l’épisode #65 de Pixel bento👇

Un reportage dédié à l’événement devrait être aussi diffusé prochainement sur les chaînes Twitch et YouTube d’Antistar, et sans doute aussi dans l’émission Les Nintenbros de Ken Bogard, à laquelle il participe régulièrement !

Oui, cet épisode sera encore plus rétro que d’habitude, et fait un peu office de New Game + au MATSU de l’épisode #64, où l’on s’interrogeait sur l’avenir de la next gen !

Quelle époque tout de même… Toutes les consoles modernes voient leur prix augmenter, alors que la Neo Geo s’apprête à ressortir à “petit” prix, aux côtés du Virtual Boy Nintendo (en mode “accessoire” Switch) et d’une nuée de consoles FPGA !

Si on vous avait dit ça il y a quelques années, vous y auriez cru ? Hé ben moi non plus.

Pour en savoir plus sur la réapparition de la Neo Geo et les problèmes que cette dernière (et tout ce qui touche à SNK en général) soulèvent aujourd’hui d’un point de vue éthique, je vous encourage à lire ce formidable article (en anglais) de Time Extension, que Marc et moi mentionnons dans le podcast.

Un article qui fait le point sans tenter d’en marquer, et expose les faits pour nous permettre de prendre une décision de manière informée. Pour les francophones, le journaliste Gautoz avait aussi analysé (dans la Mardinale d’Origami) la situation, dans le cadre du rachat d’Electronic Arts derrière lequel on trouve également le fond d'investissement public d'Arabie Saoudite du Prince MBS, accusé d’avoir commandité l’assassinat du journaliste Jamal Khashoggi en 2018.

Oui, aussi pénible que cela puisse être, les enjeux politiques et la quête du soft power rongent, comme bien d’autres choses (les médias, les réseaux sociaux, les maisons d’édition…), l’industrie du jeu vidéo.

Le mieux, comme toujours, est de rester informé(e)s pour mieux comprendre et décider en conséquence.

Il n’est pas pour autant inévitable de sombrer dans la déprime ! On peut tout à fait célébrer l’incroyable catalogue de jeux SNK sortis dans les années 90/2000 pour nous offrir des classiques absolus tels que Metal Slug, Garou: Mark of the Wolves, The King of Fighters, Twinkle Star Sprites ou encore Pulstar !

Et on peut une nouvelle fois compter sur Origami, et tout particulièrement la dernière de Super Vieux Jeux, pour nous redonner le sourire avec un invité fan absolu de la Neo Geo : Alex Pilot ! 👇

On passe de SNK à Capcom, mais on reste dans le rétro avec les tournois de Street Fighter 2X et Street Fighter III 3rd Strike, qui se tiennent régulièrement dans la salle d’arcade Game Newton à Tokyo. La vidéo ci-dessous est la dernière à avoir été publiée au moment où j’écris ces lignes et il s’agit du dernier tournoi du MANIAX 2025-2026 SEASON Vol.11.

3rd Strike est la parfaite illustration du jeu pixel art qui devient toujours plus beau avec le temps qui passe ♥️👇

Alex Pilot nous a une nouvelle fois régalé d’un nouveau reportage dans Pixel Bento ♥️

Ce dernier est cette fois-ci consacré à la sortie japonaise (le 30 janvier 2026, bien après sa sortie en France) du formidable long-métrage animé français : Mars Express.

Voici le reportage en images, avec l’interview du réalisateur Jérémie Périn👇

On passe maintenant aux TAKE, soit nos chroniques individuelles, avec comme souvent la trilogie : jeu vidéo / manga / anime !

Marc nous fait découvrir la série animée Tojima Wants to Be a Kamen Rider, basée sur le manga de Yokusaru Shibata. On y suit Tanzaburo Tojima, fan de Kamen Rider depuis sa tendre enfance, qui décide la quarantaine passée de devenir le super-héros qu’il a toujours rêvé d’être.

Et si vous voulez en savoir (beaucoup) plus sur Kamen Rider - le personnage, les séries TV, les jeux, mais aussi le superbe film Shin Kamen Rider réalisé en 2023 par Hideaki Anno - foncez écouter l’épisode 35 de Pixel Bento !

De mon côté je vous parle de jeu vidéo indépendant japonais, et tout particulièrement de shoot’em up avec l’excellent et très accessible Raging Blasters de Terarin.

Un jeu sorti mi-2022 sur Switch dans une version retravaillée (par rapport à la version PC), toujours jouable à deux et dotée d’un mode Caravan (ultra) addictif, où il faut tenter de réaliser le meilleur score possible en moins de 3 minutes ! Je partage ci-dessus ma place dans le classement en ligne (Top 20 et non plus Top 30 comme je le dis dans le podcast :p), au cas où vous voudriez l’utiliser comme objectif à battre (et me pousser à faire encore mieux) !

Je suis depuis passé sur le dernier jeu de Terarin, Blaze of Storm, sorti sur PC et Switch cette année, qui vient lui aussi avec un mode Caravan dans sa besace (5mn cette fois-ci), dont il est difficile de se détacher !

Enfin, voici quelques photos de Raging Blasters 2 récemment partagées dans un thread Bluesky. Une suite qui sortira en 2027, découverte et testée lors du Tokyo Game Dungeon aux côtés de nombreux autres jeux indépendants 👇

Dorohedoro est le manga (et l’anime) dont nous parle Nicolas ce mois-ci. Une oeuvre créée par la mangaka Q Hayashida, où l’on suit un type amnésique transformé en un monstre à tête de caiman, qui dévore (presque) tout sur son chemin pour tenter de retrouver sa mémoire et survivre dans un monde post-apocalyptique en proie à des sorciers d’une autre dimension…

Si vous pensez que ce pitch, c’est du grand n’importe quoi, attendez d’écouter le résumé bien plus complet de Nico dans le podcast ! 🤣

C’est gore, très gore… Le manga comme l’anime, qui a été confié au studio MAPPA, à qui l’on doit déjà les remarquables Jujutsu Kaisen et Chainsaw Man. La série Dorohedoro a accueilli sa seconde saison le mois dernier, en avril 2026.

Voilà, c’est fini pour cette newsletter dédiée à l’épisode #65 du podcast Pixel Bento !

N’hésitez pas à laisser vos commentaires et remarques ci-dessous, dont on partage chaque mois des extraits dans la rubrique “Courrier des Auditrices et des Auditeurs” du podcast ☺️

Et comme toujours, merci d’être toujours plus nombreuses et nombreux à nous écouter (à me lire aussi) et nous écrire !

PS : Un IMMENSE merci à Alex Pilot et Antistar pour avoir accepté de participer à ce podcast (et cette newsletter) ! Toutes les photos, vidéos et captures d’écran illustrant cet article ont été prises par mes soins, à l’exception de l’image de la nouvelle Neo Geo, issue de son site officiel, et de la photo de Takahashi Meijin, prise par un quidam avec mon téléphone (ou celui de Marc ?). Les captures de Raging Blasters ont été réalisées à partir d’une version commerciale sur Switch 2.

Imaginez un peu… Il fut un temps où le casse-briques a été l'un des genres les plus populaires de l'industrie du jeu vidéo, au même titre que le roguelite, le Souls-like ou les shooters aujourd’hui !

Honnêtement, je ne sais pas trop ce que peut penser un enfant, un ado ou un jeune adulte né après le bug de l’an 2000, d’un jeu vidéo au principe aussi… daté.

On contrôle les mouvements latéraux d’une raquette, pour renvoyer une balle qui ne cesse de gagner en vélocité, afin de détruire un mur de briques situé à l’autre bout de l’écran. Et si on rate la balle, on perd une vie. Bête comme chou. Mais à sa sortie en 1976, Breakout, le papa du casse-briques, n’était rien moins qu’un coup de génie. Orchestré qui plus est par le duo de “Steve” : Jobs / Wozniak, avant qu’ils ne fondent Apple la même année !

Il existe donc, dans l’absolu, un lien direct entre l’iPhone et le casse-briques 😬

Comme l’iPhone, Breakout doit en grande partie son succès à l’élégance de son design. S’il n’est au final qu’une évolution de Pong focalisée sur le jeu solo (la version originale, sortie en 1972, n’était jouable qu’en versus), il a créé un genre et posé les bases du shoot’em up.

Space Invaders, sorti en 1978, aurait ainsi été inspiré par Breakout ! Les briques ayant été avantageusement remplacées par des formations d’extraterrestres aux designs pixelisés devenus cultes.

Le concept du casse-briques est attribué à Nolan Bushnell, fondateur d’Atari, alors qu'il cherchait à trouver une nouvelle idée de jeu d'arcade, aussi juteuse financièrement que le fut Pong pour sa compagnie. Il en confia ensuite la réalisation technique à un Steve Jobs de 19 ans, qui mandata son pote Steve Wozniak (il fera tout sur le jeu), en lui cachant au passage la rondelette somme qu'il se faisait sur son dos !1

Ceci dit, et sans doute comme beaucoup d'entre vous, je n'ai pas grandi avec Breakout, mais avec Arkanoid.

Développée par le géant de l’arcade japonais Taito (Space Invaders, Bubble Bobble, Darius, etc.), cette version sortie en 1986 a réinventé Breakout au point de lui voler la vedette et devenir LE jeu emblème du casse-briques.

Il a ainsi introduit une tonne de nouveautés. À commencer par la plus accessoire d’entre toutes : un scénario ! On apprend ainsi que la raquette contrôlée n’en est pas une, mais un vaisseau spatial appelé VAUS. Après une attaque contre son vaisseau mère, un pilote s’enfuit à bord du VAUS pour se retrouver enfermé dans une dimension parallèle. Et c’est à l’aide de sa balle d’énergie qu’il devra abattre les murs de son improbable prison pour finalement faire face à un boss !

Un boss que je n’ai jamais croisé personnellement, la difficulté du jeu étant légendaire. Et ce malgré les “trainers“ (options de triche) des versions MSX et Amiga “non officielles” auxquelles j’ai pu jouer à la fin des années 80 !

Sachez en tout cas qu’il apparaît au stage 33 (36 sur NES), et comme vous avez pu le voir ci-dessus, il s’appelle DOH et ressemble à un… Moaï ! Soit l’une de ces statues de l’île de Pâques qui avaient décidément la cote dans les années 80 et les salles d’arcade japonaises (Gradius !).

Qui dit boss, dit ennemis, et si ces derniers ne représentent aucun danger pour votre vaisseau / raquette, ils se déplacent de façon imprévisible à l'écran et peuvent dévier votre balle de façon toute aussi imprévisible. Mais le plus gros apport d'Arkanoid reste incontestablement l'apparition de bonus (7 en tout) qui prennent la forme de pilules aléatoirement libérées par certaines des briques détruites.

Pour profiter de l’effet de ces pilules, il faudra bien sûr les “avaler", en les attrapant avec sa raquette. Parmi les pouvoirs que l'on peut obtenir, on notera celui qui agrandit la raquette (E) ou lui accorde la possibilité de tirer (L) ! Ce dernier étant sans doute mon préféré, puisqu'en permettant de shooter les briques, il fait soudainement basculer Arkanoid du casse-briques au shmup à la Space Invaders, bouclant ainsi la boucle initiée par Breakout.2

Le dernier ajout clé d’Arkanoid au genre du casse-briques est finalement la manière dont il agence les briques. Certains stages ressemblent ainsi à de véritables labyrinthes, et nécessitent autant de précision et de stratégie, que de réflexe. Tout particulièrement lorsque les briques dorées - indestructibles - font leur apparition.

Mais ce qui rend Arkanoid et tous les casse-briques aussi addictifs, c’est bien sûr la physique de la balle.

Si le casse-briques est un descendant de Pong, il apparaît assez évident qu'il doit tout autant, sinon plus, au flipper.

Et c’est là que se situe la sauce secrète d’Arkanoid, dans la délicieuse imprédictibilité de sa balle. Non seulement elle prend de la vitesse au fil des secondes qui passent, mais elle rebondit sur la raquette pour voir sa trajectoire profondément affectée par l’angle avec lequel on la renvoie.

Il faudra donc apprivoiser sa nature capricieuse, surtout lorsqu’un mur indestructible protège les briques à détruire, que l’on ne peut atteindre qu’en parvenant à faire passer sa balle par un étroit passage… Un peu à la manière de Luke lorsqu’il détruit l’Étoile noire à la fin du premier Star Wars, qui fêtera d’ailleurs ses 50 ans l’année prochaine. Vu que cet article s’inscrit dans la rubrique “Coup de vieux”, autant en rajouter un peu !

Si vous voulez voir quelqu’un jouer à Arkanoid (sur NES) comme s’il maîtrisait la Force, ce speedrun de 2024 est sans doute ce qui s’en rapproche le plus !

Arkanoid appartient ainsi à une grande famille de vieux jeux vidéo qui ont cherché, très tôt, à reproduire la sensation de manipuler une balle, de Pong à Pinball Dreams, en passant par Marble Madness et Shufflepuck Café. Tous ces jeux, mais aussi Star Wars, appartiennent à mon enfance. Et je n’oublierais jamais ma rencontre fortuite avec la borne d’arcade Arkanoid, lors d’un trajet en ferry pour l’Angleterre, à l’occasion d’un voyage scolaire, bien avant que les travaux de l’Eurotunnel n’aient débuté…

Et Arkanoid est aussi un jeu qui affiche un penchant marqué pour des périphériques autres qu'une manette ou le combo stick / boutons. Sa borne d'arcade vient ainsi équipée d'un spinner, soit d'une grosse molette que l'on tourne à gauche ou à droite pour déplacer sa raquette. J’ai ainsi joué à son adaptation sur MSX avec un trackball, et à la version Amiga à la souris. On ne peut donc que saluer la possibilité de jouer au récent portage Switch 2 d’Arcade Archives 2 Arkanoid, avec le Joy-Con droit en mode souris.

Voilà, j’espère que vous avez apprécié ce petit détour rétro, et si vous voulez en savoir plus sur les (nombreux) anniversaires vidéo-ludiques que l’on célèbre en 2026, foncez écouter l’épisode 62 du podcast Pixel Bento que j’enregistre chaque mois avec mes amis Marc, Nicolas et Axel !

Petit cadeau pour conclure cette newsletter ; une vidéo d’un concert philharmonique que vous avez peut-être déjà vu si vous me suivez sur Bluesky ! 👇

Et n’hésitez pas à partager dans les commentaires votre découverte d’Arkanoid ou du casse-briques en général 😊

Est-ce que cet article n’aurait été au final qu’une excuse pour vous repartager cette vidéo ? Je vous laisse juge :p

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été capturées sur Switch 2 à partir des versions commerciales de Atari 50: The Anniversary Celebration, ainsi que Arcade Archives 2 Arkanoid, sorti le 7 mai 2026 chez Hamster Corporation. Les flyers japonais de Arkanoid et sa suite sont issus du site The Arcade Flyer Archive.

Un film basé sur un jeu vidéo — un média qui a longtemps cherché à émuler son "grand écran de frère" — peut-il être jugé sur les mêmes critères qu'un film "normal" ?

Le cinéma ayant toujours aimé se reposer sur des succès confirmés pour porter sur grand écran, sans trop se mouiller les fesses, des histoires ayant déjà trouvé leur public (adaptation de bestsellers, remake de films étrangers, biopic de célébrités, etc.), il était évident que le jeu vidéo allait finir par attirer l'attention des studios.

Après bien des errements et chutes dans les escaliers, il semblerait qu'ils aient enfin trouvé la bonne formule. Le premier film Mario a ainsi rapporté 1,36 milliards au box office mondial, pour se hisser gaillardement à la 20ème place des plus grands succès de tous les temps. Oui, Super Mario Bros., le film a rapporté plus d'argent (en salles) que Jurassic Park, Star Wars : Épisode VIII, , Skyfall (le plus gros succès de la franchise James Bond), Fast & Furious 8, Les Minions ou La Reine des neiges. Joli carton pour un film dont le héros porte la plus eighties des moustaches !

Si Hollywood pourrait ENFIN avoir trouvé "la formule à succès" (la poule aux pixels ?) pour adapter des jeux vidéo, c'est d'abord parce que les gens qui font ces films ont changé. Les deux adaptations de Mario respirent le fanboyisme assumé et l'amour des franchises Nintendo. Nulle trace ici du mépris mêlé de condescendance qui a défini les adaptations de jeu vidéo dans les années 90.

Le public aussi a évolué. Il a fait sienne une culture du jeu vidéo désormais solidement ancrée dans les habitudes de loisirs de multiples générations. Je dirais (au pifomètre) que si vous avez entre 4 et 60 ans, il y a de fortes chances pour que, aux choix…

1. vous soyiez fan de jeu vidéo

2. ayiez un à-priori plutôt positif sur ce dernier

3. possédiez AU MINIMUM un (sans doute dix) goodies Mario quelque part chez vous !

Si Super Mario Galaxy Le Film, depuis sa sortie début avril, n’a toujours pas dépassé le milliard au box office mondial, il reste actuellement le plus gros succès de l’année 2026 avec plus de 840 millions de dollars engrangés. Un carton donc, quoique moindre que son prédécesseur, et surtout un accueil critique nettement plus froid, pour ne pas dire glacial. Voici un court extrait du papier de Télérama sur le film :

Au programme : un long métrage superbement animé et des doublages réussis malgré un scénario qui tient en deux lignes.

Dans son intégralité, la critique de Télérama est plutôt nuancée et semble avoir été écrite par quelqu’un qui connaît les jeux. Celle du journal anglais The Guardian en revanche, taille un nouveau costume à Mario, piétine sa casquette et lui rase la moustache à la serpe :

Bien sûr que c’est destiné aux petits enfants, mais ça n’avait pas besoin de ressembler à ce point au plus fade des économiseurs d’écran, avec encore plus de ce même look kitsch et pâle “euro-copie” que dans le premier film. Et, à nouveau, la pauvreté en termes de répliques vraiment drôles laisse pantois. (...) rien de plus qu’une variation peu inspirée du scénario du film précédent, une aventure générique, dont l’un des éléments clés de l’intrigue - l’attirance supposée de Mario pour la Princesse Peach - ne suscite absolument aucun intérêt.

Dur. Et ce ne sont que deux exemples parmi beaucoup d’autres, le film ayant un “Metascore” de 37 sur 100, soit 10 points de moins que le film Monster Hunter (😱) de Paul W.S. Anderson et 2 minuscules points de plus que l’universellement conspué Super Mario Bros. de 1993 !

La raison de ce mépris assez généralisé me semble pourtant assez suspecte.

Toutes les critiques s’accordent sur un point et focalisent leurs commentaires les plus acérés sur un défaut jugé aussi majeur que rédhibitoire : le scénario de Super Mario Galaxy Le Film tient sur l’étiquette d’une carte microSD.

Ce qui m'amène à me poser — et par la magie de cet article, à VOUS poser — la question à 120 étoiles : heu… vous attendiez vraiment une "bonne histoire" d'une adaptation de Mario ?

Non parce que jusque là, ça n’a jamais été le point fort de la franchise… On pourrait même dire que les jeux Mario ont toujours fait de l’indigence de leurs scénarios une règle d’or. “Mama mia“ est sans doute la réplique la plus émotionnellement chargée jamais prononcée par Mario dans l’un des jeux dont il est le héros.

Personnellement, j’avoue ne pas attendre, ni même désirer d’ailleurs, une “bonne histoire” d’un film Mario (contrairement à un The Last of Us par exemple).

Alors bien entendu, un bon scénario aurait été un plus indéniable, et certaines des intentions des scénaristes du studio Illumination font méchamment chou blanc. La réhabilitation de Bowser, ses regrets de père absent, et plus globalement sa relation avec son fils ne fonctionnent jamais, ce qui est problématique. La réinvention de Fox McCloud (le renard de Star Fox) en tant que simili Han Solo m’apparaît, au mieux, comme paresseuse ; et Luigi, toujours dans l’ombre de Mario, semble plus accessoire que jamais.

Mais le couple Mario / Peach est à mon sens plutôt mignon, Peach elle-même étant encore plus badass que dans le film original. Yoshi, teasé à la fin du premier film, vole la vedette aux têtes d’affiche dans toutes les scènes où il apparaît, et je trouve l’idée de créer une rivalité de sidekick “trop-gnon” entre lui et Toad, excellente (quoique sous-exploitée).

Perso, et je suis curieux de savoir si cela est votre cas aussi, j’attends plutôt d’une adaptation d’un jeu de plates-formes comme Super Mario Bros. : des personnages aux interactions (certes) étoffées, mais surtout des scènes célébrant leurs mouvements et le gameplay même des jeux dont ils sont issus.

Au même titre que je vais voir un film d’action (de Commando à John Wick, en passant par Police Story) pour ses explosions, gunfights, chorégraphies de combat et autres cascades, je me déplace pour un film Mario afin d’être rassasié de sauts, triple sauts, bonds sur la tête des ennemis et autres transformations.

Et cette suite ne m’a pas laissé sur ma faim, bien au contraire. Tout ici est prétexte à placer les personnages dans des situations rocambolesques rendant hommage aux jeux vidéo, et tout particulièrement aux deux Super Mario Galaxy de la Wii (récemment ressortis sur Switch). Ennemis, objets, décors, bonus, personnages secondaires, c’est un festival. Et cette suite déborde de la même énergie cinétique que celle déployée dans un speedrun des jeux de plates-formes référencés !

Tout va vite, malgré un petit ventre mou (en termes de rythme) au milieu du film, et les easter eggs pleuvent telles des étoiles filantes.

Est-ce que sans histoire, une telle adaptation ne se résume pas finalement à un mercantile "présentoir" de jeux, un B-roll d'extraits de classiques Nintendo ?

Je ne pense pas, même si je peux entendre la critique. Parce que faute de nous accrocher par son histoire, Super Mario Galaxy Le Film fait preuve de suffisamment d'inventivité pour enchaîner les clins d'oeil sans se luxer la paupière, ni nous fourrer son gros doigt marketing dans l'oeil. Si son intrigue n'est qu'un prétexte à faire vibrer celles et ceux qui ont grandi avec ces jeux, le film soigne son hommage.

Il a su capter par son rythme, son design et une désarmante sincérité, ce que l'on a toujours aimé dans les Mario : le simple plaisir du mouvement, la sensation d'exploration et la surprise de la découverte.

Faute de nous émouvoir et de nous transporter comme savent régulièrement le faire les longs-métrages animés Pixar (les films Mario sont à des années lumières d’un Vice Versa 2 ou d’un Alerte Rouge, pour prendre deux exemples récents), je suis à peu près certain que ce film fera passer un bon moment à celles et ceux qui ont aimé ces jeux.

Plus important encore, la mise en scène ainsi que le montage de Super Mario Galaxy, le film rendent hommage à leur gameplay sans le singer, comme avait pu le faire le film DOOM par exemple… ou pire encore : le film Monster Hunter (😱).

L’idée de cet article n’est aucunement de minimiser l’importance d’une “bonne histoire” au cinéma, mais plutôt de m’interroger sur nos attentes réelles, lorsque le projet est d'adapter un jeu vidéo. Si Super Mario Galaxy, le film n'est pas un grand film, c'est – à mon humble avis – une solide "adaptation" d'un jeu vidéo et un film familial tout à fait sympathique.

Est-ce qu’une “bonne histoire” aurait rendu ce film Mario meilleur ?

Bien entendu, il suffit de regarder une série comme Arcane (basée sur le jeu de stratégie multijoueur League of Legends) pour se rendre à cette évidence. Mais était-elle nécessaire à sa réussite et notre plaisir de spectateur / joueur ? Son absence justifie-t-elle la sauvagerie de la critique ? Je ne pense pas non... Et vous ?

PS: Toutes les images (à l’exception des photos, prises par mes soins) de Super Mario Galaxy Le Film, sont issues de son site Internet ainsi que son compte X japonais.

I fell in love with Derelict Star, a game I discovered completely by chance on the social network Bluesky.

Sometimes, you feel the urge to learn more about a video game you’ve spent a long time with, one that challenged you and pushed you to the brink of insanity! Derelict Star is such a game, in a genre I love (metroidvania) and a subgenre I love even more (“knowledge-vania”).

So I reached out to its solo developer with a bunch of questions!

This newsletter is the very first I’ve ever published in English, as I always write my weekly articles in French. It’s a testament to how much I love this game. So after writing and sending a lengthy newsletter dedicated to Derelict Star, I decided to publish the complete, unedited interview, along with my original questions.

I hope you’ll enjoy it and that it will help bring recognition (even just a little bit!) to a truly excellent game and a great game designer. I cannot thank gate (aka John Williams) enough for the thoroughness and generosity of his answers.

How would you define Derelict Star and would you agree with people (myself included) describing it as a “knowledge-vania”? A subgenre where I would also place games like ElecHead or FEZ, two titles I really love and that may have influenced your game a little bit?

Derelict Star somewhat defies categorization on purpose. I tend to like games that explore or combine ideas in new ways, so I pretty intentionally make choices that buck trends. That said, I do agree that it has a lot of “knowledge-vania” flavor. Before this game I made a few free puzzle games that also attempted to teach the player lessons through gameplay, so it’s a mode of game design communication that I’ve already practiced and become familiar with.

For the two games you mentioned -- I am a fan of both but they’re not my main inspirations. I do really love Outer Wilds so that game is likely a more significant source of inspiration. For FEZ I only played the surface game and not the post-game so I’m not sure how that compares or contrasts to mine. For ElecHead, I appreciate the design but it’s slightly too buttoned-up for me. I like games to be a little messier than the experience I got from ElecHead. Perhaps it’s because I’m a similar designer, but I was able to guess most of what was going to happen in ElecHead so it was less exciting for me.

Derelict Star seems to share quite a few common points with Super Mario World ROM hacks, especially the Kaizo Mario genre. There are the keys, the focus on platforming above a sea of death traps, and especially the use of momentum or “P-Speed” in Mario’s language! Are you a Kaizo player? Have you ever tried building levels in Mario Maker or Lunar Magic? What is your relationship with the Kaizo Mario genre?

I did make levels in both Mario Maker 1 & 2. That is actually where I learned I really enjoyed level design. I tried to take under-used elements and mechanics in those games and make weird puzzle levels that would teach them to the player. For example, in Mario Maker 2 I made a whole level based on crouching and rolling in the 3D World tileset. Before Mario Maker I thought of myself as mostly a programmer, but Mario Maker taught me I was a level designer too.

I actually just started playing Super Mario World Kaizo hacks during the pandemic. I had caught COVID and had a hard time doing much outside of sitting, and playing really hard Kaizo levels was pretty good at distracting me from my illness because it took the entirety of my attention to play well. After a frustrating few days, I really started to appreciate the design and creativity on display in the Kaizo community. It felt like a step up from Mario Maker in terms of ideas and player expression.

Taming the character’s momentum and understanding how to use it in different environment, each with its own set of special rules, is (for me at least) the key feature of Derelict Star. How hard was it to nail that jump?! And did you continue tweaking it even after starting to build levels? It feels like the jump had to be perfected first, because Level Design is tailored to it… What was the moment during production when you knew you had found the right “feel” for the jump?

For a game to be good, I believe you want to nail the fundamentals of how it plays. So when I started work on the game, I only focused on the fundamental physics. It took about a week of programming and tweaking numbers until I was happy with how the character controlled.

From my experience making puzzle levels in Mario Maker, I knew I wanted a very predictable jump height. When you’re making puzzles, if a jump is technically possible then you have to account for it in the puzzle design. This is part of what makes making puzzle levels in Mario Maker so hard -- it’s never clear to the player if a specific jump is possible or if they just messed up the execution of it.

I wanted my jumps to be “easy” and obvious for on-grid platforming, so I very intentionally picked jump heights that would give the player a few more pixels of room so that their jumps didn’t have to be perfect. There were certain tile height breakpoints I wanted the player to be able to easily achieve based on their speed (completely still, walking, or running). These breakpoints make it a lot easier for a player to reason about any particular jump.

I would say it was at the end of that first week when I felt I had found the right “feel” for the jump. I still made little tweaks throughout the development process (especially when implementing new features, like moving platforms or ceiling slime) but the core feel of the game was nailed down very very early, basically before any levels were made. I made a little playground to test the physics, wrote the physics, and those physics are very very similar to the final product’s physics.

I love platformers, Super Mario World is one of my favorite games of all time and personally I don’t need a story, an open-world, upgrades, powers or anything to enjoy this old genre. BUT, for many players, a “classic” platformer is not enough anymore. I had the opportunity to interview BZZZT’s developer, Karel Matejka, a few years ago and he told me this: “Platformers are still evolving. It is very hard to attract today’s players with retro-vibe experiences. Platformers need something fresh and deeper to be successful among players. That’s why Metroidvanias are still so popular. The majority of Metroidvanias still bring new ways to control the game, and the exploration aspect of this genre is very tempting. On the other hand, I see lower interest in classic arcade platformers these days. Maybe it’s the right time to come up with some new Metroidvania!”

Would you agree with him? And what made you choose an open-world structure? Also, why did you decide to make an exploration / platformer game without any upgrades? It seems like a much more challenging approach to the genre (in terms of level design)!

I’m not terribly interested in what’s popular, potentially to my detriment. Derelict Star is my first commercial game, and I made it because it’s the type of game I would want to play. I thought I might as well try to make exactly what I want, and if that doesn’t work monetarily then at least I tried and will feel satisfied creatively, and I can pivot to something else afterwards.

I chose an open world structure because I want to challenge the player, but I don’t want to overwhelm them. In a linear game, if a player comes across an obstacle they can’t overcome, then they’re forced to quit the game. The open world softens that difficulty, and players can pick and choose what challenges they tackle in what order, and if they’re stuck they can just move on to something else. The open world is a way of providing a dynamic difficulty setting that the player has some active control over.

I made a platformer without any upgrades because I’m very interested in games where your skill as a player improves. I grew up on NES games, arcade games, and traditional roguelikes, so I am in love with the feeling of seeing something that initially feels impossible, and then slowly getting better until suddenly it’s possible. Upgrades just complicate and dilute that feeling. I want the player to feel accomplished, and any upgrades or meta-progression might undermine that.

I personally think that Derelict Star is a VERY difficult game. And you clearly are a very skilled player since you 100% your game in about 6 hours, which is incredible. What was your mindset when designing the levels? How did you approach and balance difficulty?

Balance is mostly all just intuition for me. As previously stated, I love the feeling of mastery in games and I want to communicate that feeling to other players who maybe have not experienced it yet. For example, most Kaizo hacks are aimed at experts, and even the “easy” ones that Kaizo players recommend to beginners have quite difficult sections that can discourage players from continuing.

I wanted to design a game that could ease a beginner player into these challenges without totally overwhelming them. In some ways this is an impossible task, because every player is different. So during testing I added the “assist” and “help/hint” menus to try to bridge the gap when my design fails in some way for the player.

In terms of challenges -- sometimes I approach level design “backwards”. I make the hardest puzzle/section I can with the tools I have, which might be the final challenge in an area. I then work backwards from that, and figure out ways to introduce the ideas and skills necessary for that final challenge. How can I isolate individual parts for the player to learn separately? What aspects of the challenge can I tweak to make it more forgiving?

Did you do a lot of playtesting? Some developers prefer live playtesting events (like Sri Kankanahalli, Neon Inferno’s creative director, who lives in NY). Were you able to showcase your game at any in-person events during development?

The large majority of playtesting was online with a handful of people. The most useful playtesting was from testers who would record their playthrough with commentary, and I would watch it back and take notes on what they liked, what they struggled with, and anything that didn’t work the way I wanted it to.

I did have a few friends playtest some specific areas in person and those sessions were helpful too. Notably, I had my sister -- whose video game experience is mostly just Animal Crossing -- test the “Slimb Climb” area and she was actually able to complete it within an hour with no prompting from me. This was a very encouraging result, because it did mean it was possible for relative beginners to learn if they had enough patience and determination.

How did you decide that collecting 9 cells would be a good number to “finish” the game and give players a sense of closure?

This was also mostly intuition/vibes. I made the decision after designing all 13 batteries, and I tried to pick a threshold where a slightly above average player would still feel challenged. I want to respect my players and instill a sense of accomplishment -- if too much of the game is optional they’ll suspect they’re missing some part of the experience -- but ultimately I want them to play exactly as much as they want to. There’s no “perfect” place to put it because it varies greatly from player to player, so I just picked one.

I personally feel that the game’s difficulty can sometimes be quite harsh and may occasionally get in the way of the player’s sense of accomplishment. (…)

Why did you decide to add this “extra” difficult segment at the end of an already difficult section tied to a puzzle [Editor’s note:I cut the example from the question to avoid spoilers]? More broadly, when and how do you decide that a section is “difficult enough”? How do you balance the player’s sense of accomplishment with pacing the difficulty? If that makes sense…

I think I tend to value negative emotions and antagonism more than the average developer. To me, interacting with an antagonistic game tells me so much more about the developer than a strictly pleasant one does. A player interacting with a system that is playful and tricks them feels like a direct dialogue between the player and developer, more so than normal design allows. I really value that communication and want that human element to shine through in my design. The player starts to be able to imagine the personality of the person that made the game.

I also don’t like when video games feel rote and predictable, and games start to feel that way when the designer starts following a bunch of invisible rules for what makes a game “good” and “fair”. Video games are sort of inherently unfair -- the code always hides more rules than the game explicitly communicates to you. I’ve heard Dark Souls described as “tough but fair” but that game actively tricks you and often kills you in surprising ways that you could not foresee.

When designing games you make 1000s and 1000s of decisions, and the only way I know how to make that many decisions is with intuition. I do what feels right to me at the moment. Sometimes I’m wrong, and I learn that when people test the game. But I’d never want to completely flatten that variance out of my game. The outside world is messy, and my game design is messy in a way that hopefully reflects the world around me.

Difficulty is just one of the tools I use to surprise the player and I’d never want my design to be so predictable that I ruin that surprise. I don’t use it everywhere because for it to work you want the player to trust you, and deploying it too much ruins the surprise anyway.

Why did you choose to use the terminal to share messages about mental health (I really loved those by the way)?

I’ve struggled with anxiety my entire life, and even though I’m always learning more techniques and ways to deal with it, I suspect I’ll never feel completely free of it. I hadn’t seen my particular brand of “sarcastic self-awareness” depicted before, but that was a mode my younger self operated in a lot of the time. My anxiety made me hyper-aware of myself, which meant I was often very aware of most of the negative effects that anxiety had on my life, but that awareness gave me no ability to fix any of my problems.

It took me a while to learn that that’s a very toxic mindset to be in, and it’s self-reinforcing. Being critical of myself just made my problems worse, and the only way out of that spiral was to be more kind and accepting of myself.

For me that mindset is something I can fall into easily when making things, including this game. So in some ways it’s a reflection of my worst thoughts I could have had while making it, and I thought it also might mirror a particular type of player who’s hard on themselves when they can’t beat a platforming puzzle. So I liked that duality of it, both reflecting a version of me as the developer, and a version of me as a player. I’m telling myself and the other people playing that “it’s okay to fail” and to accept themselves where they are, rather than where they’d like to be.

And finally, could you tell us a bit about yourself? Are you a full-time developer? Where are you from? What pronouns do you prefer?

Sure. My name is John. I use he/him pronouns. I grew up in the rural midwest in the United States and I still live there today. I worked in a corporate environment for about 12 years as a programmer making iPad apps and websites. Eventually the corporate life really wore me down (boredom + stress is a TERRIBLE combination for someone who deals with anxiety) so I quit and gave myself some space to feel out what I really wanted to do. I live very frugally and the cost of living is pretty low in the rural midwest so I had saved up enough money that I had enough of a cushion to do what I wanted for a few years. I learned Godot about 2 years ago, and Derelict Start took about 1 year to develop full-time. I did literally everything for the game -- the graphics, sounds, programming, design, etc, so it took a while for me to get comfortable in some of the skills I felt I was worse at.

Thank you so much for reading this interview and a thousand thanks to Derelict Star’s developer, John Williams, who took the time to answer my questions with such detail and honesty.

PS: Derelict Star’s screenshots were captured on Steam Deck from a commercial version of the game.

Je ne vais pas y aller par quatre chemins. Derelict Star est une petite merveille.

Il m’arrive rarement de tomber sur un jeu qui m’accroche au point d’en rêver la nuit. Qui m’accapare tellement l’esprit, que je le mitraille de screenshots, tel un paparazzi du pixel, pour toujours avoir sur moi des bouts d’écran1. Surtout quand ces derniers renferment une “énigme” dont je n’ai pas encore percé le secret ! Je peux ainsi produire une capture d’écran à tout moment, afin de l’observer tel un Kasparov du pauvre fixant son échiquier.

Le plus étonnant, c’est que je l’ai découvert totalement par hasard. Sur un réseau social en fait - Bluesky - lorsque son développeur solo, gate (alias John Williams), a annoncé sa sortie sur Steam et itch.io début avril. Un jeu indépendant de plus, comme il en sort des dizaines chaque jour, perdu sur Steam comme l’est son héros dans l’espace. Et pourtant, cette improbable découverte, tel un diamant pris dans la lumière, m’a ébloui.

UPDATE : Une fois n’est pas coutume, j’ai également publié (sans l’envoyer sous forme de newsletter) l’interview complète originale, en anglais, du développeur solo John Williams. Vous pouvez la consulter en cliquant sur le lien ci-dessous 👇☺️

Derelict Star est ainsi l’histoire d’une rencontre.

Une rencontre avec un jeu “sorti de nulle part”, mais aussi avec son créateur, qui a accepté de répondre à mes questions avec autant d’honnêteté que de générosité. Mais laissons-le se présenter…

Mon nom est John. J’ai grandi dans le Midwest rural des Etats-Unis où je vis toujours aujourd’hui. J’ai travaillé en entreprise pendant 12 ans environ, en tant que programmeur, pour créer des applications iPad et des sites Internet. Cette vie d’entreprise a fini par m’user profondément (ennui + stress est un combo TERRIBLE pour quelqu’un qui soufre d’anxiété), alors j’ai démissionné pour m’accorder un peu de temps afin de songer à ce que je voulais vraiment faire. Je vis assez frugalement et le coût de la vie est plutôt bas dans le Midwest rural, alors j’avais pu mettre assez d’argent de côté pour faire ce que je voulais durant quelques années.

J’ai appris à utiliser Godot2 pendant deux ans, et le développement de Derelict Star m’a pris un an à plein temps. J’ai littéralement tout fait sur le jeu : les graphismes, les bruitages, la programmation, le design, etc. Ça m’a donc pris un certain temps pour me sentir à l’aise avec quelques-unes des compétences que je maitrisais le moins.

En apprenant qui se cachait derrière ce jeu, le parcours de son développeur, ainsi que le dévouement qui fut nécessaire sa création, je vous avoue ne pas avoir été surpris. Tout dans Derelict Star respire la passion. On sent qu’il s’agit d’un projet personnel, créé avec autant d’attention que de délicatesse. Si l’on peut aisément ranger ce titre dans la catégorie “jeu de plates-formes à l’ancienne”, c’est aussi (et avant tout) un metroidvania, soit un savant mélange de plates-formes ET d’exploration.

Derelict Star nous met en effet dans la combinaison étanche d'un astronaute littéralement perdu dans l'espace. Il se retrouve contraint de rechercher des capsules d'énergie sur un énorme cargo spatial échoué et abandonné, afin de pouvoir faire redécoller son propre vaisseau. Pourquoi êtes-vous ainsi en perdition ? On ne sait pas trop, mais l'IA de votre vaisseau cherche assez clairement à vous faire porter le chapeau !

Quitte à énerver un peu plus celles et ceux qui détestent le mot-valise “metroidvania”3, je vais en rajouter une couche en précisant qu’il appartient même à une sous-catégorie du metroidvania, connue sous le nom de… knowledge-vania. Ou MetroidBRAINia (😅) pour faire bonne mesure et enfoncer le clou dans ladite valise !

Là où le metroidvania repose sur l’obtention de nouvelles capacités et/ou d’équipements ouvrant des chemins jusque-là inaccessibles (comme dans Super Metroid ou Castlevania: Symphony of the Night), le knowledge-vania, lui, ne repose que sur votre expérience et “connaissance” du jeu. Point d’upgrades ici, ni même de combat d’ailleurs, vous avez “juste” votre jetpack et la capacité de sauter pour flotter d’un endroit à un autre.

Derelict Star résiste quelque part à toute catégorisation, et c’est volontaire. J’ai tendance à apprécier les jeux qui explorent ou mélangent des idées de façon inédite. Alors j’ai intentionnellement fait des choix qui bousculaient les tendances.

Ceci dit, j’admets qu’il possède une certaine saveur à la “knowledge-vania”. Avant ce jeu, j’ai créé plusieurs puzzle games gratuits qui s’efforçaient également de donner des leçons aux joueurs à travers le gameplay. J’avais donc déjà pratiqué ce mode de communication via le game design, pour me familiariser avec.

Ce mot - communication - est absolument clé.

Le game design étant aussi la façon dont un jeu communique les règles qui régissent sa jouabilité, sa limpidité est primordiale afin que joueuses et joueurs puissent progresser sans frustration. D’autant plus lorsque le jeu choisit de se draper de mystère ! Cette découverte par la pratique et l’expérience est la base même du knowledge-vania, où l’idée est de vous aiguiller vers le bon chemin, sans pour autant le baliser de panneaux de direction.

C'est un sous-genre que j'adore personnellement, dans lequel je range des titres tels que ElecHead, Öoo, FEZ, Celeste aussi, et dans une certaine mesure le récent jeu indé et chouchou de la critique (à juste titre !) : Animal Well. John, lui, cite plutôt Outer Wilds comme ayant été une source d'inspiration.

Dans Derelict Star, tout repose sur le contrôle de son personnage, soit la prise de vitesse, l’envol (on est équipé d’un jetpack !) et la gestion de son momentum… Une étape absolument cruciale dans la conception du jeu, qui a nécessité bien plus de tests et de réflexion que l’on pourrait l’imaginer.

Pour qu’un jeu soit bon, je suis convaincu qu’il est nécessaire de parfaire le coeur de sa jouabilité. Alors quand j’ai commencé à travailler sur le jeu, je me suis uniquement focalisé sur la physique du saut. Ça m’a pris une semaine de programmation et de chiffres à affiner pour que je sois enfin satisfait du contrôle du personnage.

Après avoir créé des niveaux tortueux dans Mario Maker, je savais d’expérience que je voulais une hauteur de saut très prévisible. Quand tu crées des puzzles (séries d’obstacles), si un saut est techniquement possible, alors tu peux le prendre en compte dans ton “puzzle design”. C’est ce qui rend la création de niveaux à puzzle si difficile dans Mario Maker, ce n’est jamais clair pour le joueur si un saut particulier est possible ou s’il a juste foiré son exécution.

Je voulais que mes sauts soient “faciles” et évidents pour un jeu de plates-formes aux mouvements alignés sur une grille. J’ai ainsi intentionnellement choisi des hauteurs de saut qui donneraient quelques pixels de rab aux joueurs, de manière à ce que les sauts n’aient pas besoin d’être parfaits. Il y avait certains paliers de hauteur que je voulais que le joueur puisse aisément atteindre en fonction de leur vitesse (à l’arrêt, en marchant, ou en courant). Ces paliers facilitent grandement la compréhension et la maîtrise de n’importe quel saut pour les joueurs.

Je dirais que c’est à la fin de cette première semaine d’expérimentations, que j’ai senti que j’avais trouvé le bon “feeling” pour le saut. J’ai encore opéré quelques modifications tout au long du développement (tout particulièrement lors de l’implémentation de nouvelles fonctionnalités comme les plates-formes mouvantes ou les plafonds de slime), mais la sensation de contrôle du personnage a été finalisée très très tôt, avant qu’aucun niveau n’ait été créé en fait. J’ai créé une petite “salle de gym” pour tester la physique et la programmer. Cette physique est très similaire à celle qui est actuellement dans le jeu.

Tout dans le jeu est affaire de précision, de réflexion (les puzzles tournant autour de vos capacités de mouvements et votre capacité à “lire” l’environnement) et… de patience ! Vous avez peut-être noté que John mentionne Mario Maker ? Et vous aurez également probablement remarqué que je fais référence à plusieurs reprises à la difficulté (plus que) corsée du jeu… Hé bien parlons-en !

Parce que Derelict Star s’inspire beaucoup du Kaizo Mario, soit ces réinventions de vieux Mario (comme Super Mario World) en mode ULTRA difficile, créées avec l’idée de challenger (et de torturer) les joueuses et joueurs qui s’y frotteraient.

J’avais même consacré un article au Kaizo Mario, qui est pour moi - à défaut d’avoir la patience de m’y confronter manette en main - le plus savoureux des spectacles.

La difficulté dans le jeu vidéo en général est un sujet qui divise, pour de bonnes et de mauvaises raisons. L’approche punitive de celle-ci, en partie liée à l’héritage arcade du média JV, s’est diluée au fil du temps, à force de mécaniques issues du RPG (constant gain en puissance mitigeant la difficulté), de l’apparition des mondes ouverts, ou encore de la disparition progressive du concept même de “vies limitées”.

Mais la difficulté a redoré son image ces dernières années, avec le succès des jeux à la Dark Souls par exemple ; ou la propension d’un grand nombre de jeux indépendants (Hollow Knight, Crimzon Clover World EXplosion, Cyber Shadow…) à émuler les classiques du passé, y compris dans leur approche de la difficulté ; sans oublier la popularité grandissante du Kaizo Mario à la marge de YouTube et Twitch.

John va maintenant nous parler de l’influence de Mario Maker et du Kaizo Mario sur Derelict Star, ainsi que les raisons qui l’ont poussé à proposer un jeu aussi intransigeant dans sa difficulté.

J’ai en effet créé des niveaux avec à la fois Super Mario Maker 1 et 2. C’est d’ailleurs comme ça que j’ai compris que j’appréciais vraiment le level design. J’ai essayé d’utiliser des éléments et mécaniques sous-exploitées de ces jeux pour ensuite les enseigner aux joueurs à travers des niveaux plein de puzzles bizarres. Dans Mario Maker 2 par exemple, j’ai fait tout un niveau basé sur les mécaniques de roulade et d’accroupissement dans les décors de Super Mario 3D World. Avant Mario Maker je me voyais avant tout comme un programmeur, mais grâce à lui j’ai aussi appris que j’étais un level designer.

Pour les Kaizo hacks de Super Mario World, je m’y suis vraiment mis pendant la pandémie. J’avais attrapé le COVID et je ne pouvais plus faire grand chose en dehors de rester assis. Jouer à des niveaux de Kaizo Mario vraiment difficiles s’est avéré être une distraction bienvenue, parce qu’ils nécessitaient mon entière concentration pour être terminés. Après plusieurs jours d’intense frustration, j’ai commencé à vraiment apprécier le design et la créativité dont faisait montre la communauté Kaizo. C’est un cran au-dessus de Mario Maker en termes d’idées et de liberté d’expression du joueur.

Derelict Star est un jeu qui ne fait pas de cadeau.

S’il ne se hisse pas au niveau de la crème des Kaizo Mario en termes de difficulté, il aborde le jeu de plates-formes avec le même amour masochiste du challenge qui pique. Une difficulté définie par son exigence de précision (au pixel près), son allégeance absolue au Die & Retry (respawn immédiat après un échec, à la Super Meat Boy), et une intransigeance qui pourrait faire voler quelques manettes. Vous avez trouvez Silksong difficile ? Le cosmonaute de Derelict Star va vous faire regretter la souplesse et la versatilité de Hornet !

Ici, pas d’upgrades, d’armes à aiguiser, d’amulettes à équiper… Juste un bouton pour sauter et le même équipement du début à la fin : une combinaison pour se téléporter au dernier checkpoint (en cas de mort imminente) et un Jetpack pour bondir au ralenti tel un cabri de l’espace. Trouver le juste équilibre entre challenge et frustration, faire en sorte que le joueur est envie de s'accrocher, qu'il sente qu'il peut y arriver, a nécessité bien des ajustements…

J'ai créé un jeu de plates-formes sans aucune amélioration (sans upgrade) parce que les jeux qui m'intéressent le plus, sont ceux où l’on améliore ses compétences en tant que joueur et non son équipement. J'ai grandi avec les jeux NES, l'arcade, et les roguelikes traditionnels, ce qui explique que j'adore cette sensation de maîtrise, lorsque quelque chose semble au départ impossible, pour s'améliorer petit à petit, jusqu'à ce que soudainement ça devienne possible. Les améliorations ont tendance à compliquer et diluer ce feeling. Je veux que le joueur ressente un véritable sentiment d'accomplissement, et toute amélioration ou méta-progression risque de le compromettre.

L'équilibrage est essentiellement affaire d'intuition pour moi. Comme je l'ai précisé auparavant, j'adore la sensation de maîtrise dans les jeux et j'ai envie de la faire ressentir à d'autres joueurs qui ne l'ont peut être pas encore expérimentée. Par exemple la plupart des Kaizo Mario visent les experts, et mêmes les "faciles", ceux que les spécialistes du Kaizo recommandent aux débutants, comportent des sections plutôt ardues qui peuvent décourager les joueurs de continuer. J'ai voulu créer un jeu qui pourrait amener un débutant à apprécier ces challenges sans qu'il se sente dépassé. D'une certaine façon, c'est un objectif impossible à atteindre, parce que chaque joueur est différent. Alors durant la phase de test j'ai ajouté les menus "assistance" et "aide/indices" pour combler le gap lorsque mon design échoue.

Si Derelict Star est difficile, il fait beaucoup pour rester accessible.

Les objets les plus difficiles à obtenir dans le jeu (des gemmes appelées q-bit) sont ainsi 100% facultatives. Vous n’avez pas besoin d’en récolter une seule pour finir le jeu et faire redécoller votre vaisseau. Et le jeu est très clair sur ce point, ce sont des challenges bonus pour celles et ceux qui - comme moi - tomberont amoureux du jeu (avec un Succès Steam à la clé tout de même). Votre seul impératif est de récupérer les 9 cellules d’énergie nécessaires à votre décollage, et le monde ouvert de Derelict Star vous en propose 13 !

Donc si l’une d’elle vous résiste, vous pouvez partir explorer ailleurs.

J’ai choisi une structure en monde ouvert parce que je souhaite challenger le joueur sans le noyer. Dans un jeu linéaire, si un joueur butte sur un obstacle, il est forcé d’abandonner. Le monde ouvert adoucie cette difficulté, et les joueurs peuvent choisir les challenges qu’ils souhaitent relever et dans quel ordre. S’ils sont coincés, ils peuvent continuer à jouer en allant ailleurs. Un monde ouvert est une façon de proposer une difficulté dynamique sur laquelle le joueur possède un contrôle direct.

Mais plongeons un peu plus loin dans le cheminement mental et les raisons pour lesquelles certains développeurs, comme John sur Derelict Star, n’hésitent pas à proposer un jeu réglé dès le départ sur le mode Hard. Cette partie de l’interview m’a réellement poussé à réfléchir autrement à la notion de difficulté dans le jeu vidéo…

Je pense que j’ai tendance à valoriser les émotions négatives et l’antagonisme bien plus que la plupart des développeurs. Pour moi, interagir avec un jeu antagoniste en dit plus sur son développeur qu’un jeu “accueillant”. Interagir avec un système qui cherche à vous piéger et s’amuse avec vous crée un véritable dialogue (asynchrone) entre le joueur et le développeur, davantage que ne le permet un design “normal”. Je chéris vraiment cette communication et je souhaite que cet élément humain illumine mon design. Le joueur commence alors à être capable d’imaginer la personnalité de la personne qui a fait le jeu.

Je n’aime pas non plus quand les jeux deviennent mécaniques et prévisibles, et ils commencent à le devenir lorsque le concepteur se met à suivre tout un tas de règles invisibles censées définir ce qui rend un jeu “bon” et “juste”. Mais les jeux vidéos sont fondamentalement injustes, le code camoufle toujours plus de règles qu’il ne vous en communique explicitement. J’ai entendu Dark Souls décrit comme étant “dur mais juste”, mais ce jeu cherche tout le temps à vous piéger et vous tue souvent de façon imprévisible.

Quand on crée des jeux, on prend des milliers et des milliers de décisions, et la seule façon que je connaisse pour en prendre autant, c’est avec mon intuition. Je fais ce qui me semble approprié sur le moment. Parfois je me trompe, et je l’apprends lorsque les gens testent le jeu. Mais je ne souhaite pas atténuer cette sensation dans mes jeux. Le monde extérieur est compliqué, et mon game design est compliqué d’une façon qui, je l’espère, reflète le monde autour de moi.

La difficulté est simplement un outil que j’utilise pour surprendre le joueur, et je ne veux pas que mon design devienne prévisible au point de ruiner cette surprise. Je ne l’utilise pas partout parce que pour qu’il fonctionne, il est nécessaire que le joueur vous fasse confiance. Et puis l’utiliser trop souvent ruinerait aussi la surprise.

En jouant à Derelict Star, j’ai réellement eu la sensation d’apprendre à connaître son créateur. Lorsque je pestais sur une série de sauts particulièrement difficile, j’ai pensé à ces joueurs de Kaizo Mario qui maudissent (avec le sourire) son développeur (qu’ils connaissent la plupart du temps, voire mentionnent par son nom, lorsqu’il n’est pas dans le chat de leur stream !), tout en s’extasiant sur l’ingéniosité et l’inventivité dont il a fait preuve pour les challenger (ou les tuer).

Derelict Star est un jeu qui m’a parlé.

Y compris lorsque ses terminaux, entre deux blagues liés à votre crash et au teasing de l’IA du vaisseau, sont utilisés par John pour faire passer de touchants ou troublants messages sur la santé mentale… Des messages qui parleront à beaucoup d’entre nous.

J’ai lutté avec l’anxiété toute ma vie, et même si j’apprends toujours de nouvelles techniques et façons de la gérer, je crains que je ne pourrais jamais complètement m’en débarrasser. Je n’avais pas vu ce trait de personnalité - ma sarcastique lucidité - dépeint auparavant, mais c’est un mode que mon moi plus jeune a souvent adopté. Mon anxiété me rendait hyper conscient de moi-même, ce qui signifie que j’étais parfaitement lucide quant aux effets négatifs qu’elle avait sur ma vie, sans que cette lucidité ne m’offre la moindre solution. Ça m’a pris un moment pour saisir à quel point cet état d’esprit était incroyablement toxique, et qu’il s’auto-alimentait. Être à ce point critique avec moi ne faisait que renforcer mes problèmes, et la seule façon de me sortir de cette spirale était de m’accepter tel que je suis et d’être plus indulgent avec moi-même.

Il est facile pour moi de retomber dans cet état d’esprit lorsque je crée des choses, y compris ce jeu. Alors d’une certaine façon, c’est une réflexion des pires pensées que j’ai pu avoir en le faisant, et je pense aussi qu’il reflète celles d’un certain type de joueurs, qui sont particulièrement durs avec eux-mêmes lorsqu’ils ne parviennent pas à progresser. J’aime cette dualité, qui reflète à la fois qui je suis en tant que développeur, et qui je suis en tant que joueur. Je me dis, ainsi qu’aux autres joueurs, que “ce n’est pas grave d’échouer” et qu’il faut s’accepter tels que nous sommes, plutôt que tels que nous aimerions être.

Je n’ai rien de plus à ajouter. Si ce n’est que Derelict Star est un jeu qui m’a plu à tellement de niveaux, que je suis TRÈS heureux de le partager aujourd’hui avec vous grâce à cette newsletter.

J’espère sincèrement qu’il va pouvoir trouver son public, et que nous serons nombreuses et nombreux à faire décoller cette merveille perdue dans l’espace (des jeux Steam / itch.io).

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été prises par mes soins, sur ma Steam Deck, via une version commerciale de Derelict Star. Les images de Outer Wilds et Super Mario Maker 2 sont tirées de leurs sites officiels, et celles de Grand Poo World 2 de SMW Central et de la vidéo du speedrun de MitchFlowerPower lors de la Summer Games Done Quick 2019. Un IMMENSE merci, aussi, à gate / John pour avoir répondu à mes questions avec une telle générosité. Son interview a été traduite de l’anglais par mes soins.

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Et si l’avenir du jeu vidéo, c’était le rétro ?

Parce qu’à la vitesse où vont les choses, on ne sait pas trop quand la prochaine génération de consoles va arriver, ni à quel prix ! 😭 Avec une industrie de l’IA qui dévore les composants nécessaires à la fabrication de nos machines tel un ogre affamé ; des fabricants de processeurs qui vendent des promesses graphiques aux allures de cauchemar (vous avez du entendre parler de l’epic fail médiatique de l’annonce du DLLS 5 !) ; et le prix des PS5 qui explose une seconde fois… on se dit qu’on est bien mal barré.

En fait, pour être tout à fait honnête, on ne sait même pas si on a vraiment envie (ou besoin) d’une nouvelle génération de consoles ! C’est le sujet de notre MATSU - la portion la plus calorique en pixels du podcast - où toute l’équipe fait le point sur la next gen et s’interroge sur ses envies quant à l’avenir de notre média.

Une petite faim pour un reportage plein d’amour et de rétro ?

Alex Pilot à la réalisation, Jojo au montage, Axel au mix… La chaîne TV Nolife renaît de ses cendres un bref instant pour Pixel Bento et Nolife Z (un rendez-vous mensuel à ne pas manquer sur Twitch) !

Un immense merci à Alex pour avoir une nouvelle fois accepté de diffuser - en audio dans le podcast, et en vidéo dans cette newsletter - l’un de ses reportages. Celui-ci a été tourné fin février à Meaux, lors du festival Retro Gaming Play 👇

Petit point sur la campagne Kickstarter (présentée dans le reportage 👆) de Frédérick Raynal, légendaire développeur français de classiques tels que Alone in the Dark et Little Big Adventure !

Le financement participatif du remake sur Mega Drive de son "vieux" casse-briques PopCorn (accompagné de son périphérique dédié) a levé - au moment où j'écris ces lignes - 40 000 euros sur les 60 000 nécessaires à sa concrétisation. Si vous souhaitez en savoir plus sur ce projet, cliquez-ici, il reste une quinzaine de jours pour le soutenir.

Dans les coulisses de la création des anime Ghost in the Shell

L'arrivée imminente (en juillet) de la nouvelle série Ghost in the Shell, mais aussi le fait que le long-métrage de Mamoru Oshii ait fêté ses 30 ans fin 2025, a une nouvelle fois propulsé cette franchise culte sous les projecteurs.

Une énorme exposition consacrée à l’auteur du manga, Masamune Shirow, a ainsi ouvert ses portes en 2025 - je lui avais dédié un article intitulé Le cyberpunk s’invite à Tokyo ! - et tout récemment ce sont les nombreuses adaptations anime qui étaient à l’honneur au Japon de fin janvier à début avril.

Il est maintenant temps de s’intéresser à nos TAKE !

C'est Nicolas qui ouvre le bal avec Resident Evil Requiem, jeu dont j'ai déjà pu parler dans cette newsletter en le rapprochant d'un certain type de cinéma, plutôt porté sur l'hémoglobine !

Dans le podcast, c'est toute l'équipe qui craft des avis aussi tranchés que peuvent l'être des zombis face à un Léon adepte de la machette ! On évite au maximum de spoiler le jeu, tout en soulignant le remarquable travail de Capcom sur un titre qui se réapproprie les piliers d'une franchise mythique ayant connu des hauts et des bas.

Marc enchaîne avec Mushishi (蟲師, alias "Le Maître des Insectes"), et tout particulièrement la série animée diffusée de 2005 à 2006. Basée sur l'oeuvre illustrée et scénarisée par la mangaka Yuki Urushibara, on y suit les pérégrinations de Ginko, qui a la particularité de percevoir les mushi. Contrairement à ce que le kanji 蟲 pourrait laisser penser, ce ne sont pas des insectes, mais des créatures surnaturelles capables d'impacter tragiquement la vie des humains à leur proximité. Une série dont Marc nous parle avec passion et émotion.

Enfin, de mon côté, j'ai finalement craqué et acheté Ninja Warriors: Once Again après avoir tant aimé l'incroyable remake de Kage, alias Shadow of the Ninja: Reborn, bijou de gameplay auquel j'ai consacré une newsletter en 2024.

Ninja Warriors: Once Again est sorti en 2019. Mais tel un ninja, il restait tapi dans un coin de ma mémoire, prêt à surgir à la moindre éclaircie sur mon planning. Beat'em all aux personnages variés et à la jouabilité exigeante, il se démarque aussi par ses superbes graphismes au pixel art 16-bit, devenus la signature de TENGO Project.

On doit à cette équipe de vétérans ayant débuté dans les années 80, d'autres réussites telles que Pocky & Rocky Reshrined (2022) et WILD GUNS Reloaded (2016).

Le classique méconnu que je mentionne dans le podcast comme étant le titre que j'adorerais voir remaké par cette équipe, s'appelle Shatterhand ! Cliquez-ici pour voir une vidéo du streamer américain Grand POOBear en train de découvrir le jeu sur NES.

Cette newsletter dédiée à l’épisode 64 du podcast Pixel Bento touche à sa fin !

Merci à toutes et à tous de l’avoir lu jusqu’au bout, de nous écouter aussi, et de régulièrement participer en laissant de savoureux commentaires en fin de newsletter, dont je partage régulièrement des extraits dans le podcast 😊

C’est toujours un plaisir de vous lire, alors n’hésitez pas !

Et pour conclure, voici deux vidéos sur des sujets abordés par Marc en toute fin de podcast : l’histoire invraisemblable d’une bande originale Resident Evil qui a fait jaser, et celle des studios qui ont contribué (très tôt) à créer la légende de la Mega Drive !

PS : Un immense merci à Marc et Alex pour leurs photos ! L’image de Mushisi est issue du site IMDB, celle de Ninja Warriors: Once Again de sa page Steam ; la capture d’écran de Resident Evil: Requiem ayant été réalisée par mes soins sur PS5, à partir d’une version fournie par l’éditeur.

Un lieu comme ce petit coin de forêt du côté de Nikkō, à trois heures de Tokyo, découvert avec mon épouse il y a quelques années…

Cet endroit, appelé Kanmangafuchi (les gorges de Kanman), où nous sommes retournés récemment, est un petit chemin le long de la rivière Otani, bordé par plus de 70 statues Jizō. Le lieu est isolé, et nécessite pour y accéder de s’éloigner du centre névralgique de Nikkō, et de traverser quelques zones d’habitation peu fréquentées.

Et ce sont bien sûr les statues Jizō qui lui confèrent sa magie.

Alignées le long du chemin qui suit le cours de la rivière en contrebas, ces statues de pierre ne passent pas inaperçues. Elles ont en effet la tête couverte d’un bonnet de laine rouge (le plus souvent) et d’un tablier de la même couleur. Taillées à l’image du bodhisattva1 Jizō Bosatsu, on les associe au Japon à la protection des voyageurs et des enfants.

Ces statues dégagent une énergie assez unique. Leurs visages sont tous différents, malgré d’évidentes similitudes et le fait qu’elles exhalent une même sérénité communicatrice.

On se sent bien parmi elles, apaisé. Légèrement courbées vers l’avant, les yeux fermés, le visage détendu, rien ne semble pouvoir les affecter, pas même le passage du temps. À leurs bonnets et tabliers rouges s’ajoutent ainsi des robes de mousse aux multiples tons de vert, qui recouvrent leurs socles pour remonter, parfois, jusqu’à leurs épaules, comme pour les préserver du froid.

Ce manteau de mousse leur confère un supplément de majesté, en les ancrant dans le cadre naturel qui les accueille. Et le stress que l'on transportait avec nous, tel un indésirable sac à dos, ne résiste guère longtemps au calme de ces paupières, que l'on sait dissimuler des yeux exempts de jugement.

Tout, dans le visage de ces statues, semble nous encourager à prendre une grande inspiration, à s'arrêter un instant, pour un moment de méditation dont on ne peut que ressortir allégé(e)s. Comme le vert de leur manteau de mousse, le gris de la pierre n'est pas uniforme, mais se trouve enrichi par les mouchetures blanchâtres du lichen. Le passage du temps, même ignoré, s'imprime ainsi sur leur visage comme sur le nôtre, sans que cela ne les perturbe le moins du monde.

Les lèvres apportent un doux relief à ces visages, autrement impassibles, par leur expressivité. Tantôt souriantes, parfois pensives, ou légèrement pincées, ce sont elles qui contribuent à donner à ces sculptures leur individualité. Il est difficile de résister à l’envie de les observer de longues minutes pour tenter d’y déchiffrer un message. Peut-être une pensée ou un conseil qu’elles chercheraient à nous transmettre ?

Mais le plus incroyable c’est qu’elles sont capables d’exprimer et de provoquer une émotion sans l’aide… d’un visage ou même d’une tête.

Car c’est nous, finalement, qui octroyons un sens aux lieux qui nous touchent, ou ce supplément d’âme qui nous poussent à s’y arrêter un instant, même si c’est pour les mitrailler de photos comme des maniaques… (Pour les partager ! Et les garder à proximité 😅)

Certains lieux nous sont chers pour des raisons plus personnelles, parce qu’on les associe à des souvenirs chers. Comme ce petit coin du parc Shinjuku Gyoen dans le film d’animation 5 Centimètres par seconde de Makoto Shinkai. Il suffit parfois que l’on investisse ce lieu de notre vécu, pour le rendre « magique ». Il n’a même pas besoin d’être beau, spécial, ou d’héberger 70 statues Jinzō.

Comme tant de monuments au Japon, ces statues ont été emportées par un cataclysme naturel (ici une inondation) en 1902, pour être reconstruites bien des années plus tard, en 1973.

Je suis heureux que cet endroit ait été reconstruit pour offrir un petit moment de répit aux voyageuses et voyageurs de passage, leur offrant l’opportunité de reprendre leur souffle en constatant que le monde peut aussi se montrer beau et rassurant.

Voilà, c’était l’un des lieux qui me font du bien, comme celui (qui abritait aussi plein de statues, 500 au lieu de 70 !) que j’avais partagé dans cette même newsletter en 2023.

N’hésitez pas à partager l’un des vôtres en commentaire, si vous le souhaitez bien sûr. Ou pensez-y un instant, avant d’essayer d’y retourner prochainement, pour faire le plein de bonnes ondes ☺️

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins.

Les interviews réalisées par e-mail possèdent la silencieuse incertitude de la pêche à la ligne…

Tu lances tes questions sans jamais vraiment savoir si elles vont “accrocher”, ou si les réponses remontées seront minuscules ou suffisantes pour concocter le plat que tu imaginais.

Lorsque j’ai envoyé mes questions à Sri, le directeur créatif (mais aussi game designer et programmeur) de l’excellent Neon Inferno, j’étais nerveux. En pleine fringale d’infos après avoir terminé le jeu avec mon épouse, j’avais très envie d’en savoir plus sur la manière dont cet étonnant run and gun fut développé. Et j’étais vraiment curieux, pour ne pas dire fébrile (tant j’ai aimé le jeu), de connaître les réponses à certaines de mes questions.

Neon Inferno avait TOUT pour me plaire. Un jeu au pixel art éblouissant et au gameplay nerveux, jouable en “coop’-canapé”, pour reprendre l’expression définissant ces softs que l’on peut apprécier à deux sur le même écran, comme Cuphead par exemple, ou Huntdown pour rester dans le genre run and gun. Un jeu, aussi, au parfum délicieusement années 80, comme l’attestent les références de Sri Kankanahalli.

Je joue au run and gun depuis mon enfance. Le premier que j’ai pu faire… C’est assez difficile de s’en rappeler mais je pense que ça a du être Mega Man 2, via l’émulation sur PC, lorsque j’avais 9 ou 10 ans. J’ai découvert la série grâce un vieux fan-comic appelé Bob & George, qui a été quelque peu oublié depuis, mais fut très populaire sur Internet à l’époque.

Les Mega Man ont été mes premiers run and gun (j’ai joué à tous les volets de la série principale, plus ceux de la série X jusqu’à X4, et aux deux premiers Zero) et à partir de là j’ai découvert Contra, Shinobi, Metal Slug et beaucoup d’autres.

Ce qui distingue les run and gun, c’est le fait qu’ils sont les plus cools et les plus cinématographiques du genre action 2D. Ils sont peut-être moins intenses que les shoot’em up et les jeux de baston, mais ils compensent avec un meilleur world-building, un scope plus large et une mise en scène plus travaillée.

Là, je ne peux qu’être d’accord. Il est bien plus facile de parler des décors, des séquences d’action et des personnages d’un Metal Slug, que d’un Street Fighter 2 ou d’un Dodonpachi.

Neon Inferno m’a d’ailleurs surpris par sa capacité à créer un feeling cinématographique, tout particulièrement dans sa façon d’introduire des séquences d’action à la chorégraphie soigneusement travaillée, comme pour être aisément capturée par une caméra (ou ici, l’oeil d’une joueuse ou d’un joueur !).

Des séquences mémorables, inoubliables même, lorsque l’on parle de classiques du 7ème art tels que Piège de Cristal, Terminator 2 ou Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin ! Neon Inferno utilise ainsi des décors devenus passages obligés du film d’action, comme ces séquences dans une boîte de nuit bondée ou sur les toits d’une ville. En fait, on a l’impression que Sri et son équipe ont approché le level design du jeu comme le ferait un réalisateur de film d’action.

C’est le meilleur compliment que j’ai jamais reçu. Je suis un énorme cinéphile, alors les conventions des films d’action et des films noirs étaient toujours dans un coin de ma tête lorsque je concevais les niveaux de Neon Inferno. Mais bien sûr, le jeu vidéo d’action est un tout autre animal que le film d’action. L’action dans un jeu vidéo, tout particulièrement lorsqu’il est en 2D, doit être à ce point sans répit qu’elle en deviendrait ridicule dans un film. John McClane tue une douzaine de personnes dans Piège de Cristal, ce qui doit correspondre, je pense, aux 30 premières secondes de Neon Inferno. L’une des règles de notre level design était de ne jamais ennuyer les joueurs en les maintenant à un endroit pendant trop longtemps. Toujours être en mouvement, toujours introduire de nouvelles choses. Il y a quelques décors incroyables au sein desquels j’aurais adoré passer plus de temps… Comme la piste de danse du nightclub, inspirée par Collatéral ; ou l’opéra, de Mission Impossible: Rogue Nation ; ou les voitures volantes, de Minority Report. Mais m’attarder trop longtemps dans ces décors aurait pesé sur le rythme du jeu.

Une autre règle de level design fut de garder les environnements aussi réalistes que possible, en tenant compte des contraintes du genre. Ça signifie que l’on a écarté de nombreuses conventions du jeu de plates-formes, comme ces surfaces qui flottent dans les airs, un design de niveau arbitraire ou des bonus à collecter. Chaque élément visuel devait être un minimum plausible et justifié. On voulait que le jeu nous donne le sentiment d’évoluer dans une ville, ou au moins un paysage urbain. Nous ne sommes pas complètement parvenus à atteindre cet objectif, on a du faire des concessions à plusieurs endroits, mais je pense néanmoins que cela a contribué au feeling cinématographique que tu as souligné.

Neon Inferno possède une autre particularité, celle de mixer l’approche classique du run and gun - j’avance et je shoote - avec celle du gallery shooter à la Cabal / Virtua Cop - où l’on tire “dans le fond”, les ennemis apparaissant dans les décors comme ces ballons en mouvement que l’on dégomme dans les fêtes foraines ! Sri précise avoir joué avec l’idée de mixer ces deux mécaniques de jeu “arcade” après la sortie de son premier projet, Steel Assault, fin 2021.

L’idée était de proposer un jeu avec des environnements encore plus interactifs et destructibles, et c’est grâce aux conseils d’un ami et après avoir terminé le Wild Guns de Natsume, que Sri s’est convaincu de son bien-fondé. Mais s’assurer que ces deux dimensions de tir (2D et 3D, ou axes x/y et z) soient facilement différentiables et correctement communiquées aux joueuses et aux joueurs, a requis un soin tout particulier.

La chose la plus importante (et ça va sembler évident) est que les ennemis “dans le fond” soient plus petits que ceux du premier plan, et positionnés plus loin dans le décor, loin de la caméra. En pratique, cela signifie que chaque scène devait être conçue en ayant tout le temps cette notion de profondeur à l’esprit, un peu comme si l’on créait un décor en 3D et non en 2D. Par exemple, si l’on concevait une pièce, alors elle devait être assez large, sinon les sprites en arrière-plan ne pouvaient pas apparaître avec la taille requise. Si la géométrie des lieux était claire pour le joueur, et si les ennemis “du fond” étaient correctement positionnés tout en aillant la bonne taille, alors le joueur faisait naturellement la différence entre le premier et le second plan.

Neon Inferno a également profité d'une approche centrée sur les graphismes, ce qui a pu aider dans la définition claire de ces deux plans. Tous les éléments graphiques requis pour une scène étaient ainsi été créés, avant qu'elle soit programmée. L'équipe a utilisé très peu de "grey-box prototyping", qui consiste à créer une séquence de jeu avec des éléments provisoires, les personnages et objets du décors étant généralement représentés par de simples blocs. Une méthode qui a forcément conduit à un peu de travail perdu, mais pas trop d'après Sri !

Le fait de programmer les scènes avec des éléments graphiques détaillés a sans doute aiguillonné l'équipe a poussé encore plus loin le réalisme, à l'image de ces ennemis qui chutent dans les escaliers une fois abattus (comme le feraient les cascadeurs d'un film d'action !). Sri et les animateurs ont en effet jugé que ça semblait bizarre s'ils s’écroulaient sur place sans rouler jusqu’en bas des marches !

Afin de bien équilibrer le jeu et s’assurer de sa lisibilité tout autant que de sa jouabilité, Sri s’est également arrangé pour tester Neon Inferno “en live“ au moins une fois par mois, et même une fois toutes les deux semaines.

Mais comment cela a-t-il été possible pour un jeu développé par une petite équipe éclatée aux quatre coins du monde ?

Si Sri vit à New-York, le talentueux directeur artistique du jeu, Christopher Anry (alias Kryssalian), vit en France ; les animateurs / artistes du pixel Mário Santos et Ben Adendorff habitent respectivement au Brésil et en Afrique du Sud ; tandis que les musiques ont été composées par Joseph Bailey en Angleterre et Gonzalo Varela en Uruguay. Sans oublier les illustrateurs japonais Jun Tsukasa, Hiroko Itatani et Yaa !

Une équipe internationale, pour un développement qui s’est entièrement déroulé en remote sur Discord (essentiellement via des discussions chat).

Mais New-York est une grande ville, pleine d’opportunités pour tester un jeu en cours de développement.

J’ai pris le jeu avec moi pour le faire “playtester” dans la région de New-York. Il y a des événements qui se tiennent chaque mois dans la salle d’arcade Wonderville par exemple, et dans une autre appelée BrookLAN. Et puis le NYU Game Center (l’Université de NY) accueille des playtests hebdomadaires pendant le semestre. Les développeurs locaux peuvent venir et faire tester leurs jeux gratuitement ou pour une petite participation. J’ai aussi travaillé avec des testeurs en ligne, qui ont tendance à être plus hardcore que le public des événements précités. On a donc pu bénéficier d’une grande variété de perspectives durant le développement.

Neon Inferno est un jeu ambitieux. On a déjà vu qu’il intégrait un panel d’attaque varié, comme le changement d’axe avec le tir en profondeur. Mais il ne s’arrête pas là !

On ainsi un double saut ; une roulade ; la possibilité de se suspendre à des éléments du décor ; des attaques spéciales à usage unique que l’on achète en boutique ; mais aussi et surtout une mécanique de parade avec bullet time intégré, pour renvoyer un projectile ennemi (ceux de couleur verte) dans la direction que l’on souhaite. Une mécanique inspirée de Mega Man Zero et Hard Corps: Uprising.

Au départ on voulait ajouter des sauts d’esquive en slow motion à la Max Payne, mais nous ne sommes jamais vraiment parvenus à les faire fonctionner. Alors on a intégré la possibilité de ralentir de temps à la mécanique de parade.

Et puis Neo Inferno peut se jouer à deux, ne l’oublions pas !

C’était crucial pour nous ! J’aurais cependant aimé que l’on puisse intégrer le coop’ en ligne au lancement du jeu. Ceci dit, rien n’est impossible, et on pourrait avoir quelque chose à montrer dans pas longtemps.

Avec toutes ces options et possibilités, les playtests étaient en effet une nécessité. Mais j’ai aussi noté dans les crédits la présence d’un certain Boghog parmi les testeurs ! Un nom connu des fans de shoot’em up puisqu’il a été game designer sur le superbe Gunvein sorti en 2021 par le studio allemand NGDEV. Il est aussi connu pour ses vidéos YouTube décryptant certains genres emblématiques de l’arcade, comme le beat’em all, le shmup et… le run and gun bien sûr.

Boghog nous a donné énormément d’excellents retours tôt dans le développement. Il nous a envoyé un document long de six pages qui nous a aidé sur des points comme la visibilité des balles et des projectiles, la façon d’annoncer une attaque, le hit-stun, et bien d’autres. Mais aussi sur des aspects plus nuancés liés aux contrôles et au level design.

Chaque genre possède ses joueurs ultra-hardcore qui sentent dans leurs tripes quand quelque chose ne va pas, mais très peu savent comment communiquer pourquoi ça ne fonctionne pas et ce qu’il faut faire pour y remédier. Si peu qu’il y a un dicton chez les développeurs qui dit : “Les joueurs ont presque toujours raison quand ils trouvent un problème, mais n’ont quasiment jamais la bonne solution pour le corriger”. Alors si vous trouvez un joueur comme Boghog, qui peut mettre le doigt à la fois sur les problèmes et les solutions, cette personne vaut son pesant d’or.

Voilà, ce sont toutes ces petites questions, auxquelles Sri a gentiment accepté de répondre, qui titillaient ma curiosité après avoir terminé Neon Inferno (en mode Normal et Difficile s’il vous plaît ! :p).

Un jeu qui possède aussi ses petits défauts, comme ces passages en scrolling forcé où les sauts de nos personnages semblent nous échapper quelque peu… On notera aussi qu’il se termine assez vite (on peut finir le mode Normal en 3/4h sans soucis), puisqu’il possède la durée de vie et la courbe de difficulté typiques des jeux d’arcade des années 80/90. Mais comme ces derniers, c’est un run and gun que l’on refait avec plaisir pour tenter de s’améliorer et se lancer ses propres défis, comme le finir sans utiliser de continue (à l’ancienne, en 1CC - One Credit Clear !).

Là, c’est aussi le feeling ciné du jeu qui ressort. Il est facile de se prendre pour un cascadeur tentant d’exécuter sa chorégraphie à la perfection afin de créer la séquence d’action la pluie fluide et la plus classe possible ! Mieux comprendre, grâce à cette interview, le sentiment d’être sur le tournage d’un film dans les années 80, que j’ai pu ressentir en jouant à Neon Inferno, fut un vrai plaisir.

Mais quid de la question qui donne son titre à cet article ?

Pourquoi diable le jeu vidéo, et particulièrement les jeux pixel art, portent les couleurs néon avec un telle élégance ?

Je pense que le pixel art se prête naturellement aux couleurs saturées et aux contrastes marqués, une esthétique que l’éclairage néon vient toujours joliment complémenter. Et puis il y a sans doute aussi un lien entre le halo diffus du néon et celui, tout aussi flou, des écrans des vieilles télés cathodiques. Enfin, les pixels comme le néon évoquent tous les deux les années 80 et 90, et c’est certainement pour ça qu’ils vont si bien ensemble.

Sri a tout à fait raison. Le jeu vidéo et les tubes cathodiques vivent en symbiose depuis si longtemps qu’ils ont fini par former un duo dépendant l’un de l’autre, qui affiche (littéralement) une indéniable harmonie. Un peu comme ce petit oiseau appelé pic-boeuf, inséparable partenaire d’un certain nombre de grands ruminants, comme le buffle ou la girafe. Ces petits oiseaux sont ici les pixels, suspendus à nos gros postes TV des années 80 !

La couleur néon est aussi celle d’une certaine idée du futur, qui passe par la domination des écrans. Comme dans Blade Runner, ils peuvent être démesurés pour s’emparer des façades des immeubles ; ou sources de propagande secrète (They Live) ; éclatés dans des rues au parfum de rébellion (Akira, Brazil) ; lorsqu’ils ne forment pas le cadre même d’un certain futur numérique (Tron).

Et quand on se dit que l’avenir du jeu vidéo sera peut-être rétro (aura-t-on vraiment une autre génération de consoles “next gen” ?), on se dit que les couleurs néon n’ont jamais été autant d’actualité.

PS: Toutes les images de Neon Inferno illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale PlayStation 5. Les images de Gunvein, Steel Assault, Bob & George, et Wild Guns Reloaded sont tirées de leurs sites officiels ou de leurs pages Steam, tout comme les illustrations de Jun Tsukasa. Le décor de Neon Inferno réalisé par Christopher Anry (Kryssalian) provient de son compte Bluesky. Et bien entendu, un immense merci à Sri Kankanahalli pour avoir pris le temps de répondre à mes nombreuses questions via e-mail au cours des mois de mars et avril.

Lorsque j’ai vu passer dans la newsletter quotidienne de Koub la bande-annonce de Picross S Konami Antiques, qui sort le 30 avril prochain sur Switch, ma réaction a été un : “Ooooooooh“ satisfait, aussi immédiat qu’incontrôlé, qui m’a proprement terrifié.

Que s’est-il passé dans ma vie de joueur (ma vie tout court ?) pour que l’annonce d’un nouveau jeu Picross provoque une telle réaction pavlovienne ?

Parce qu’il est évident que Picross appartient à la même famille que ces jeux pour enfants où l’on relie des points numérotés afin de révéler un dessin représentant généralement un animal (une oie la plupart du temps) ou un personnage populaire (Pikachu généralement). À la différence prêt, qu’ici c’est à nous de déduire les numéros, ce qui n’est pas sans rappeler le sudoku, soit un autre “jeu de magazine télé” pour celles et ceux qui ont connu l’époque des Télé Poche et autres Télé 7 Jours avec leurs pages BD & Jeux (après vérification, et aussi fou que cela puisse paraître à l’heure d’Internet et du smartphone, je m’aperçois qu’ils existent toujours !).

Vous l’aurez compris, quand on commence à parler “programme télé”, “magazines de jeux” et “sudoku“, il est assez évident que l’on est plus proche de la génération Minitel que TikTok…

Mais il n’en reste pas moins que si vous me proposiez - là tout de suite - de jouer à Crimson Desert ou n’importe quel Picross, je choisis “n’importe quel Picross“ sans une once d’hésitation. Pour ma défense, Picross est un jeu brillant et un “genre” plus riche qu’il n’y paraît. Si, si.

Si l’on se réfère à sa page Wikipédia japonaise, il aurait été inventé à la fin des années 80 par deux personnes : Non Ishida et Tetsuya Nishio, indépendamment l’une de l’autre ! Ces deux spécialistes du puzzle ont publié leurs créations dans la presse, puis dans des livres dédiés, sous les noms de Nonogram (ののぐらむ) pour la créatrice Non Ishida et de “Logique d’image“ (traduction littérale de Oekaki rojikku / お絵かきロジック) pour Tetsuya Nishio.

Et ce n’est qu’en 1995, sous l’impulsion de Nintendo, de Ape Inc. (le studio derrière Mother, aujourd’hui rattaché à la Pokémon Company sous le nom de Creatures Inc.) et surtout du jeune studio kyotoïte Jupiter (fondé en 92), qu’il prendra le nom de “Picross“ (Picture + Crossword) pour la sortie de Mario’s Picross sur Game Boy1.

On notera que quelques mois après la sortie de Mario’s Picross, en septembre 1995, Sunsoft sortira aussi son propre jeu à base de grilles aux bords chiffrés, sur PlayStation d’abord et uniquement au Japon, sous le nom de O-chan no Oekaki rojikku.

Jouer à Mario’s Picross, comme je l’ai fait avec une indéniable avidité ces dernières années sur les chaînes rétro Game Boy et Super Famicom du service Switch Online (mais aussi sur DS et 3DS), pour une bille en maths comme moi, est aberrant. Parce que l’on compte en jouant à Picross, on compte beaucoup…

Pour celles et ceux qui ne connaissent pas le principe du jeu, ce n’est pas compliqué.

Vous avez des grilles de tailles variables, qu’il faut “remplir” en fonction des indices chiffrés situés à la verticale et l’horizontale de celles-ci. Un 7 et un 5 à côté d’une ligne horizontale signifient que sur les 15 cases qui la composent, 7 puis 5 (avec au moins un espace vide) de ces cases sont “remplies”. Il faut donc les noircir d’un coup de crayon ou d’un coup de burin dans le cas de la version Game Boy.

Et lorsque toutes les cases sont noircies, elles forment un dessin pixel art, ou autrement dit une mosaïque représentant un objet du quotidien, ou un perso / bonus / monstre de l’univers Mario. 👇

Mais le mieux est encore d’essayer par vous-mêmes !

Que ce soit en téléchargeant l’une des démos jouables sur Switch, ou en cliquant sur l’image ci-dessous pour essayer une grille promotionnelle et jouer directement dans votre navigateur sur le site Jupiter.2 👇

Je pense que l’un des attraits de Picross, pour moi en tout cas, provient de la surprise du dessin qui se dévoile sous nos yeux et que l’on révèle à la fin, avec parfois une petite animation à la clé comme dans Mario’s Super Picross sur Super Famicom (une suite uniquement sortie au Japon).

En jouant à Mario’s Picross, j’espère toujours découvrir une illustration ayant un rapport avec Nintendo (Yoshi !), la culture japonaise (Sumo !) et non une banale cuillère, ou pire encore, un type dans sa baignoire.

Et ça, le studio Jupiter l’a bien compris puisqu’il a multiplié depuis une petite dizaine d’années les collaborations avec des éditeurs autres que Nintendo, comme Sega, Namco, SNK, Capcom et maintenant Konami, mais aussi avec des franchises telles que Sanrio (Hello Kitty, etc.), Doraemon ou encore la YouTubeuse virtuelle Juufuutei Raden !

Pour les collab’ JV, vous aurez noté que les partenaires choisis sont des “seniors” possédant de riches catalogues de licences 8 et 16-bit. Le jeu rétro et son esthétique pixel art se prêtent en effet à merveille à l’exercice Picross. Ces éditions spéciales portent ainsi des noms comme : Namco Legendary Edition, SNK Classics & Neo Geo Edition ou carrément Konami Antiques Editions !

Pour revenir sur le titre de cet article, je me rends bien compte que ces choix d’adjectifs surannés et ce fort penchant pour le retrogaming ne jouent pas en ma faveur… Quand l’éditeur du jeu surfe à ce point sur la nostalgie, il apparaît assez évident que le public visé ne soit pas de la première jeunesse, si j’ose dire 😅

La formule Picross a bien évolué depuis 1995 et sa première itération sous le parrainage de Mario. Avec la série "S" (pour Switch), qui fait suite à la série "e" de la 3DS, les grilles de puzzle ont gagné en couleurs, en modes (Time Attack, Tutoriel, etc.), en nombre de joueurs (jusqu'à 4 en même temps dorénavant), en taille aussi. Certaines grilles peuvent ainsi monter jusqu'à 30x30 cases, voire 40x30, et d'autres se réinventent en pièces de puzzle pour venir former des illustrations de taille XXL.

Bref, s’il navigue sur les eaux - ô combien lucratives - de l’océan nostalgie, Picross a également su évoluer au-delà de la frontière papier et ses limitations, pour réellement tirer partie des possibilités offertes par le jeu vidéo.

D’autres expériences ont également été tentées par le passé, comme celle de l’excellent Picross 3D de HAL Laboratory et Nintendo, sorti sur DS en 2009. Dans ce dernier il n’était plus question de colorier une grille pour faire apparaître un dessin, mais bien de s’emparer d’un burin afin de tailler dans une masse de cubes 3D et en extraire une sculpture. Un peu comme si l’on désossait un Rubik’s Cube qui contiendrait un objet caché !

Mais comme une grille de sudoku ou une feuille de mots croisés, Picross a un as dans sa poche. Celui du temps. 5 petites minutes suffisent à remplir sa grille et dévoiler sa “surprise” comme on ouvrirait un “oeuf” de gachapon ou de Kinder. Pas de stress non plus, à moins que l’on joue en mode Time Attack, tout est affaire de logique, tout en faisant appel à notre capacité innée à croiser des données.

Picross, quand on y réfléchit un chouille (ok, beaucoup), c’est un peu le metroidvania des chiffres. Un jeu où l'on explore une grille en la balayant de son regard, et où l'on opère des allers et retours une fois équipé de nouvelles données pour pouvoir continuer à avancer… Elle tient plutôt bien la route cette métaphore non ? 😬

Picross, c’est tout à la fois Tetris, Unpacking et Marie Kondo… On empile et on range des chiffres pour remplir des étagères, en créant à l’aide de ses déductions mathématiques un dessin d’une élégance toute pixel art. Sauf, évidemment, quand on s’aperçoit avec amertume qu’il s’agissait en fait d’un type dans son bain…

Le monde est ainsi. Plein de contradictions et de jeunes petits vieux.

Et vous ? C'est quoi votre "jeu de petite vieille ou de petit vieux" ?

N’hésitez pas à les partager dans les commentaires ci-dessous 😊

PS: Toutes les images de Mario’s Picross ont été capturées par mes soins sur la chaîne rétro Game Boy du service Switch Online. Les jaquettes et extraits des livres de Non Ishida et Tetsuya Nishio, ainsi que les jaquettes des jeux O-chan no Oekaki rojjiku et Mario’s Picross, sont tirées des sites japonais Amazon et Yahoo!フリマ. Enfin, les images des titres Picross 3D et de Picross S Capcom Classics Edition sont issues du site japonais de Nintendo.

Je dois bien admettre que les jeux “d’horreur”, ce n’est plus trop mon truc. Comme les films d’ailleurs…

Alors je ne sais pas trop pourquoi. L’âge peut être ? Le fait qu’il suffise de jeter un oeil distrait à l’actualité pour faire le plein de terreur pour deux vies et vider aussi sec sa jauge de sanité ?

En revanche, je suis toujours aussi sensible au mélange horreur / humour.

Mon affinité pour les splatter movies (les films qui tâchent !) avec un gros penchant pour le burlesque peut aisément être retracée à deux classiques : Evil Dead II de Sam Raimi en 1987 et le Braindead de Peter Jackson en 92. Deux films d’horreur aussi hilarants, qu’incroyablement gore, qui font un usage absolument immodéré de faux sang (mélange de colorant alimentaire et de sirop de maïs) pour littéralement doucher ses actrices et ses acteurs (façon Carrie), sans oublier de nous faire décoller de nos fauteuils de cinéma à la faveur d’un jump scare.

Rien que pour la scène de Braindead où le héros réduit en bouillie une horde de zombis à l’aide d’une tondeuse à gazon (!), Peter Jackson aurait utilisé 300 litres de faux sang !

C'est un peu la sensation que j'ai eu en jouant à Resident Evil Requiem, celle d'une équipe de développement ayant sous la main des barils de faux sang et la détermination de les vider jusqu'à la dernière goutte sur la tête de ses "joueurs / acteurs" !

Je me suis donc fait doucher par Requiem. Et j’en suis ressorti d’autant plus “trempé” que cela faisait bien (trop) longtemps que je n’avais pas joué à un Resident Evil.

En fait, je n’avais plus donné sa chance à la série depuis 2012 et la sortie de Revelations sur 3DS. J’ai ainsi abordé Requiem armé d’une batterie de vieux souvenirs et remonté à bloc par le truchement de l’enthousiasme communicatif de mes amis fans de la saga Capcom.

Au moment où j’écris ces lignes, je n’ai toujours pas fini le jeu. Pourquoi ? Tout simplement parce que je vais à 2 à l’heure.

Moi qui est passé 60% de mon temps de jeu dans Alien: Isolation caché à l’intérieur de casiers, je peux vous ASSURER que je ne coure pas dans Requiem vu les horreurs qui traînent dans ses couloirs !

Mais là où Resident Evil Requiem m’a refait basculer dans le camp des fans hardcore de la série, c’est en redécouvrant avec délice son amour pour l’absurde, le second degré et l’outrance la plus absolue dans son approche de l’horreur. On parle tout de même d’un jeu avec des coffres magiques où les objets se téléportent d’un endroit à un autre comme par magie, et où il est tout a fait normal (et bien vu) de se soigner en mélangeant trois fougères en pot.

Dans ce nouveau volet, on pourra également croiser la route d'une tronçonneuse animée d'une vie propre !

Non contente d'être logiquement encline au friendly damage lorsqu'elle manipulée par des zombis aux mouvements un tantinet désarticulés, une fois tombée sur le sol - encore accrochée à un bras coupé ou non - elle exécutera une gigue tout aussi dangereuse et imprévisible. Le jeu ne rechigne jamais à mettre à profit une opportunité de gag visuel s'il peut conduire à quelques bonnes giclées de sang !

C’est aussi un jeu où ses deux héros ne pouvaient pas être plus différents l’un de l’autre. Grace est une jeune recrue du FBI, victime d’un trauma alors qu’elle était adolescente, qui survit tant bien que mal, en mode furtif, en endossant le rôle d’un MacGyver à la sauce Dracula !

Tandis que Léon - le fameux, héros emblématique de la série apparu dans Resident Evil 2 sur PlayStation - est un baroudeur de l’horreur, aussi à l’aise avec une machette, une version surboostée du “.44 Magnum” de l’Inspecteur Harry, que la tronçonneuse de Ash. Un survivant, comme Grace, le coup de pied retourné et les blagues de quinqua en prime !

Passer de l’un à l’autre, revient à basculer de Massacre à la Tronçonneuse à Evil Dead II. Non content de changer de perspective (vue subjective pour Grace, vue à la 3ème personne pour Léon, même si le choix final vous revient), Requiem s’amuse à régulièrement briser le rythme et le ton du jeu. Je pense que la réaction (épidermique) qui définit le mieux notre expérience en tant que joueuse ou que joueur, est celle du “ah ouais quand même !!“ lâché suite à une séquence joyeusement gore, entre la surprise matinée de dégoût et l’amusement complice.

On passe ainsi régulièrement du calme olympien d’un Léon à la lisière de la psychopathie, qui aiguise sa machette entre deux saucissonnages de zombis, au stress communicatif de Grace. Saluons ici l’incroyable performance des actrices, le visage d’Angela Sant’Albano comme les voix des doubleuses (Shihori Kanjiya pour la version japonaise) étant dignes d’une Jamie Lee Curtis dans Halloween !

Avec Resident Evil Requiem, Capcom s’impose comme un véritable funambule de l’épouvante. Entre deux grands éclats de rire dégoûté, on se surprend à serrer les fesses sur son canapé, ce 9ème volet jouant habilement des codes de la série, mais aussi de son tempo et de son ambiance sonore, pour nous maintenir en tension.

Et par son approche décomplexée de l’horreur, à la limite de la parodie, il s’affirme comme un descendant des oeuvres de jeunesse de Sam Raimi et Peter Jackson. Tout aussi “graphique” - dans le sens “bien bien sanglant” - qu’un Evil Dead II, il n’hésite pas à multiplier les coups de coudes complices aux joueuses et aux joueurs, et fait montre d’une même maestria dans sa réalisation et son utilisation des décors.

On retrouve même le côté bravache et si délicieusement 1er degré des films d’action des années 80, grâce aux séquences d’action over the top de l’ami Léon, qui revêt une nouvelle fois le costume de héros qui lui va si bien, sans jamais perdre son humour et sa “coolattitude”.

C'est la raison pour laquelle je me retrouve aujourd'hui, 30 ans après ma découverte du premier Resident Evil en 96, à me dire que je devrais peut-être jouer au 7 et au 8… après avoir terminé une seconde fois ce formidable Requiem !

Le chemin parcouru par l’industrie du jeu vidéo - alors même que ses équipes créatives sont aujourd’hui poignardées dans le dos par le capitalisme - a de quoi laisser pantois… Resident Evil est sorti la même année que Super Mario 64, Quake et Crash Bandicoot, lorsque les équipes de développement se démenaient tant que bien que mal pour tenter d’apprivoiser la 3D. Et nous voilà 30 ans plus tard, à retenir notre souffle dans des environnements photo-réalistes, au contrôle de personnages dont les yeux semblent habités par de véritables émotions.

Maintenant je n'ai qu'une hâte : enregistrer au plus vite le prochain podcast Pixel Bento pour parler de Resident Evil Requiem en détails avec mes amis Marc et Nicolas. Préparez-vous pour un Bento saupoudré de T-Virus !

N'hésitez pas à partager vos souvenirs de la série Resident Evil dans les commentaires ci-dessous 😊

PS : Toutes ces images ont été capturées par mes soins à partir d'un code PS5 de Resident Evil Requiem fourni par Capcom. Le visuel de Evil Dead II est tiré de sa page IMDB.