Comme probablement beaucoup d'entre vous, j'ai grandi avec le shoot'em up.

Sur MSX d'abord, avec Nemesis (Gradius) et ses suites, mais aussi River Raid, Bosconian et le Knightmare de Konami, puis sur Amiga avec une flopée de titres tels que SWIV, Agony, Battle Squadron, Project-X, Z-Out ou encore Xenon 2.

Mais au début des années 90, avec l’arrivée de Doom, Duke Nukem 3D, Quake… et l’avènement du First Person Shooter en général, le shmup s’est fait plus rare sur mon assiette vidéoludique.

Alors bien sûr, un shmup pointait occasionnellement le bout de son cockpit pour m’emporter une nouvelle fois dans un tango endiablé avec le game over. Des jeux tels que Einhänder sur PS1, Ikagura sur Dreamcast, Gradius V sur PS2, Sine Mora sur Xbox 360 ou Resogun sur PS4… Mais ils constituaient l’exception, et petit à petit, j’ai pris mes distances avec le genre. On s’est en quelque sorte perdu de vue.

Et aujourd’hui, il revient en force, tel un boss blessé lançant une dernière et ultime attaque frontale.

Les 3 éléments au coeur du gameplay des shoot'em ups - tirer, détruire et esquiver - permettent de créer un très haut niveau d'interactivité entre le joueur et les ennemis. Cette interaction est l'essence même du charme primitif du jeu vidéo, et je pense que c'est la raison pour laquelle le shoot'em up ne perdra jamais son pouvoir d'attraction, quelque soit l'époque.

Junichi Terayama, qui s’est fait une spécialité du shmup (ou STG en japonais, pour シューティングゲーム / shooting game), sait de quoi il parle.

S'il a longtemps créé des jeux parallèlement à un autre emploi, aujourd'hui il se dédit à 100% au développement de shoot'em up. Un travail / passion auquel il peut consacrer de nombreuses heures (et nuits) lorsqu'il est sur une bonne lancée, mais dont il parvient aussi à se détacher pour se ressourcer, faire de la muscu, lire, dessiner ou s'occuper de ses chats.

Et lui aussi a grandi avec le genre. Sa découverte du jeu vidéo s’est ainsi faite avec Xevious sur Famicom, un classique de Namco d’abord sorti en 1983 en arcade, avant d’être porté sur la plupart des micro-ordinateurs et consoles du moment (dont la Famicom / NES en 84).

Junichi n’a plus lâché le genre après. Né en 1975, il a connu son âge d’or et joué à la plupart des grands classiques, tels Gradius et Star Soldier. Sa culture shmup s’est avant tout faite sur consoles de salon, et non en arcade. La Famicom, la Megadrive et la PC Engine ont formé sa triforce, et les jeux qu’il a découverts à l’époque sont ceux qui l’inspirent toujours aujourd’hui.

Lorsque l'on découvre les créations de Terarin Games, l'influence des classiques de la PC Engine saute littéralement aux yeux. ImageFight (1988 / Irem), Gunhed (1989 / Compile) ou encore Super Star Soldier (1990 / Kaneko) reviennent souvent dans les influences revendiquées par Junichi.

Blazing Lazers, le nom occidental de Gunhed, n'est pas sans rappeler celui du dernier jeu de Junichi, Blaze of Storm. Idem pour Raging Blasters, une autre de ses créations. Et visuellement, ces titres partagent le même amour des charpentes métalliques suspendues dans l'espace, aux couleurs vives contrastant avec le noir intersidéral ; des mecha (YES !) ; du scrolling vertical ; et des armes aux effets radicalement différents qui flottent à l’écran sous la forme de bonus à saisir (ou éviter).

C’est avec Raging Blasters que j’ai commencé à m’intéresser aux shoot’em up de Junichi (un jeu dont je parle abondamment dans le podcast #65). Et c’est justement à cause du feeling “rétro eighties“ qu’ils dégageaient, que je me suis penché sur sa ludographie. Parce qu’aujourd’hui, alors que j’ai replongé “manette la première” dans un océan de shmup (rétro ET moderne), je me suis vite retrouvé noyé sous les boulettes… La scène indie ne manque en effet jamais une occasion de professer son amour pour les danmaku de Cave (où l’on slalome entre les projectiles).

L’idée était donc de retrouver un shmup plus… plus zen en fait ! Moins étouffant. Histoire de pouvoir reprendre mon souffle entre deux parties de Mushihimesama 😅

Ayant joué à de nombreux shoot’em up entre les années 1980 et le début des années 1990, ma préférence va au shoot’em up de style classique. J’apprécie tout particulièrement le subtil bras de fer tactique qui se met en place avec les ennemis. Par exemple, lorsqu’un ennemi apparaît, il faut très vite décider s’il vaut mieux l’abattre avant qu’il n’attaque, ou esquiver ses tirs si c’est possible. On peut aussi attirer son attention pour soudainement changer de direction afin de mieux riposter. Et puis face à un boss, on peut décider de rendre le combat moins risqué en détruisant d’abord certaines de ses parties.

Autrement dit, j’adore quand un shoot’em up m’oblige à sans cesse prendre des décisions. La liberté d’approche est essentielle. Je n’aime pas trop quand un jeu repose avant tout sur des mécaniques “puzzle”, qui obligent le joueur à suivre un chemin idéal ou à utiliser une arme imposée… J’ai alors la sensation que mes actions sont programmées ou limitées. Ceci dit, que ce soit un shoot’em up classique ou un danmaku, tant qu’il offre une grande liberté d’action et une grande interactivité, je suis heureux.

Les jeux de Junichi comme Blaze of Storm et Raging Blasters visent un large public, et sont conçus de manière à pouvoir être appréciés par les débutant(e)s. Leur niveau de difficulté est par exemple modéré ; ils sont souvent jouables à deux en coop’ ; et retrouvent la lisibilité des jeux 8-bit des années 80, où les écrans ne pouvaient pas être surchargés de boulettes et de détails dans les décors pour ne pas ramer à mort.

Mais ils proposent aussi, comme de nombreux autres shoot’em up japonais, un mode particulier appelé Caravan. Ce dernier s’apparente à un Time Attack où l’objectif est de réaliser le meilleur score possible…

Un extrait de 30s du mode Caravan (limité à 5 minutes) du Blaze of Storm de Junichi Terayama sur Switch.

Cette option de jeu incroyablement addictive est ancrée dans la culture japonaise.

Le mode “Caravan” fait référence à des événements IRL de Score Attack organisés par l’éditeur Hudson au Japon (^{du milieu des années 80 à la fin des années 90}). Les jeux utilisés étaient généralement des shoot’em up comme Star Force et Star Soldier (^{sur Famicom}). À l’époque, Takahashi Meijin, une figure emblématique chez Hudson, était extrêmement populaire auprès des enfants, qui rêvaient tous de devenir aussi bons que lui au shoot’em up et s’entraînaient avec dévotion.

Takahashi Meijin est une légende du jeu vidéo japonais, connu pour pouvoir appuyer 16 fois de suite en une seconde sur un bouton de tir ! Un “super pouvoir” qui en a fait un Maître (meijin en japonais) du jeu vidéo sur l’archipel. Avec son allure débonnaire, il est vite devenu l’ambassadeur de ces “caravanes” où de jeunes passionnés s’affrontaient sur des versions modifiées des jeux, dont les parties duraient entre 2 et 5 minutes. Et tout ça pour obtenir le meilleur score et gagner des lots (sans oublier la gloire à la récré).

J’aurais ADORÉ que de tels événements existent en France dans les années 80 !

Il me semble que c’est à partir de Super Star Soldier que le mode Caravan a commencé à être directement inclus dans les versions commerciales des jeux. Personnellement, j’ai beaucoup joué au mode Caravan de Super Star Soldier. Mais j’étais déjà au collège à cette époque et très pris par les études et les activités extra-scolaires, du coup je n’ai jamais participé aux événements Caravan eux-mêmes.

L'une des forces du shoot'em up réside dans le sentiment d'accomplissement qu'il procure lorsque l'on gagne en maîtrise. Mais avec ce mode Caravan, nos progrès sont quantifiables, ce qui donne envie de se dépasser. Et les jeux modernes permettent d'intégrer un système de classement en ligne pour se mesurer à des joueurs du monde entier, ce qui les rend encore plus captivants.

Je vous confirme que le plaisir de grimper doucement dans les classements en ligne a sévèrement prolongé la durée de vie de Blaze of Storm (et Raging Blasters) ! Et si vous parvenez à convaincre des ami(e)s de joindre cette compétition asynchrone, il sera alors très difficile de quitter la caravane…

En me rabibochant avec le genre, j’ai pris conscience de la richesse de l’offre actuelle.

Les shmup sont partout, au Japon comme ailleurs, que ce soit via la scène indépendante ou sous la forme de ressorties dans des compilations ; les chaînes rétro Switch ; ou la gamme Arcade Archives et autres versions HD Boosted. Mais c’est un genre qui reste malgré tout “niche” et ne peut prétendre concurrencer son descendant spirituel : le FPS à la Call of Duty.

Ce bras de fer perdu dans les années 90 / 2000 n’empêche pas le shoot’em up de brièvement mais régulièrement capter la lumière des spotlights.

On l’a récemment aperçu dans le dernier Nintendo Direct par exemple, avec l’annonce du remake prochain d’un des piliers de la scène indie japonaise : Touhou Koumakyou ~ The Embodiment of Scarlet Devil, ou sur des salons spécialisés dans le jeu indépendant comme le BitSummit. Junichi participe ainsi régulièrement au Digital Games Expo et au Tokyo Game Dungeon, où il a récemment présenté une démo de la suite de Raging Blasters, sur laquelle il travaille en ce moment pour une sortie en 2027.

Lorsqu’il cherche à découvrir les dernières nouveautés, Junichi considère que la méthode la plus efficace reste d’essayer les démos disponibles pendant des évènements en ligne tels que la Steam Next Fest (ou le Festival Steam de la Balistique qui se tient en ce moment jusqu’au 15 juin !), malgré une classification du genre souvent aussi obscure que chaotique.

Mais les salons physiques restent importants. Grâce à eux Junichi a eu l’occasion de croiser et d’échanger avec d’autres développeurs japonais spécialisés dans le genre. Il a ainsi rencontré à de multiples reprises RYO, l’un des créateurs derrière l’excellent Andro Dunos 2. Il cite également Yuichi Toyama, le programmeur du très culte Musha Aleste sorti en 1990 sur Mega Drive. Une personnalité du milieu qu’il respecte énormément et qui échange de manière simple et amicale avec des développeurs indépendants comme lui.

Mais au-delà des rencontres humaines, ce sont les jeux eux-mêmes qui l'inspirent et lui permettent de progresser en tant que créateur de shmup.

Aujourd'hui encore, je joue autant aux vieux shoot'em up qu'aux nouveaux, qu'ils soient indépendants ou issus de studios majeurs. Je pense néanmoins que les shmups récents sont plus accessibles. Grâce à de meilleurs outils de développement et l'abondance de matériel de recherches, il est possible de corriger certaines aspérités des oeuvres du passé. La scène indie est très vaste et on trouve de tout, du bon et du moins bon, du coup j'essaye toujours d'essayer les démos des jeux. Même s'il m'arrive de noter des défauts en rejouant à des vieux classiques, j'ai beaucoup appris à leur contact. Comment créer un jeu intéressant en dépit des limitations techniques de l'époque a été très instructif pour moi. Depuis que j'ai commencé à développer mes propres jeux, je note beaucoup de choses qui m'avaient échappé en rejouant à ces vieux shmups.

Je n’ai pas (encore) joué à tous les jeux de Junichi Terayama. Mais Raging Blasters et Blaze of Storm ont été amplement suffisants pour constater l’amour que ce développeur indépendant porte au genre. En travaillant régulièrement avec le compositeur HIROKKEY, il est parvenu à créer des shoot’em up reproduisant l’expérience et les sensations des grands classiques verticaux de la fin des années 80, tout en les rendant plus accessibles et généreux. Je ne peux ici que souligner une fois de plus l’impact positif du mode Caravan (11ème sur Blaze of Storm, je vous attends… 😎).

Mais le plus simple est encore de vous faire votre propre idée en téléchargeant la démo gratuite de Blaze of Storm sur Switch ou Steam !

PS : Un grand MERCI à Junichi Terayama (Terarin Games) pour avoir accepté de répondre à mes questions par email. Ses réponses ont été traduites du japonais. Toutes les images et vidéos de Blaze of Storm, Raging Blasters, ESP Ra. De., Mushihimesama, GG Aleste 3, Xevious (chaîne rétro Famicom), Musha Aleste (chaîne rétro Mega Drive) et Crimzon Clover ont été capturées par mes soins à partir de versions commerciales des jeux sur Switch. Les captures de Raging Blasters 2 sont issues de sa page Steam ; celle de Blazing Lazers d’une vidéo de la chaîne YouTube NintendoComplete ; le flyer japonais de Xevious du site The Arcade Flyer Archive ; les images de Takahashi Meijin du site officiel japonais de Star Gagnant.

Jouer à Mina the Hollower a fait resurgir une réplique culte du western de Sergio Leone Le Bon, la Brute et le Truand…

Lorsque Blondin, joué par Clint Eastwood, fait face à Tuco dans le cimetière :

Tu vois, le monde se divise en deux catégories : ceux qui ont un pistolet chargé et ceux qui creusent. Toi, tu creuses.

Nous, par le truchement de Mina, allons creuser ! Ou plutôt “muloter” pour reprendre le mot choisi par l’équipe de traduction française de Words of Magic (qui a fait un travail fantastique, la VF est incroyable). Et c’est autour de cette mécanique que l’ensemble des pièces qui composent ce jeu s’articulent pour finalement tourner avec l’étrange élégance du pendule à coucou.

C’est un GIF, donc ça saccade ! Le jeu tourne bien sûr en 60fps sur Switch et même en 120fps dans son édition Switch 2.

Mais pour celles et ceux qui n’ont encore jamais entendu parler de Mina the Hollower, une présentation s’impose. En développement depuis six longues années, Mina, qui vient tout juste de sortir, est le petit dernier du studio Yacht Club Games, à l’origine de l’excellent jeu de plates-formes / action Shovel Knight, inspiré de jeux NES tels que Zelda 2, DuckTales, Mega Man et Super Mario Bros. 3.

Si Shovel Knight est un peu le Mario de Yacht Club, alors Mina the Hollower est son Zelda.

Pour en savoir plus sur la genèse de Mina, je vous invite à regarder le reportage de Game Informer diffusé fin 2022 sur YouTube (36mn).

On est donc face à un jeu d’aventure / action vu de dessus, adoptant le look rétro et la palette de couleurs limitée d’un jeu Game Boy Color. Et comme dans un Zelda, on explore, on discute, on récupère des objets que l’on peut équiper, et on combat (cinq armes totalement différentes peuvent être utilisées, sans parler des armes d’appoint provisoires, façon Castlevania).

Mais Mina the Hollower s’offre un gros twist : en maintenant le bouton saut enfoncé, on plonge dans le sol pour littéralement “nager sous terre” pendant une poignée de secondes, telle une taupe qui aurait mangé un Sonic (ou l’un des calmars multicolores de Splatoon). Car cette technique augmente nettement la vitesse de déplacement de Mina, même si le plongeon en lui-même impose un temps de latence / de suspension dans les airs auquel il faudra s’accoutumer.

Pour reprendre les mots du manuel, que vous pouvez trouver dans les options de jeu (ce dernier étant plein de bons conseils, je vous encourage vivement à le lire) :

Le mulotage est la clé. Enfouissez-vous non seulement pour échapper aux attaques ennemies, mais aussi pour vous déplacer plus vite, sauter plus loin et découvrir des secrets.

Cette action irrigue le coeur du gameplay de Mina the Hollower. Sans elle, le nouveau titre de Yacht Club serait un “simple” hommage aux Zelda 2D. Avec elle, il parvient à se réapproprier et à réinventer une formule vieille de 40 ans !

Je vais me permettre ici de reprendre un post sur le réseau social Bluesky du game designer japonais NamaTakahashi (à qui l’on doit les brillants jeux indépendants ElecHead et Öoo), à propos de Mina the Hollower :

Le jeu parvient à faire énormément de choses avec une seule action : creuser.

Sauter, esquiver, explorer, flanquer les ennemis, se déplacer rapidement, transporter des objets, activer des mécanismes, et plus encore. J’adore les jeux qui osent tout miser sur une seule et unique mécanique centrale.

Il est toujours possible de sauter normalement avec le bouton B, mais en le maintenant appuyé, on plonge dans le sol pour s'y enfoncer et creuser un court instant à la vitesse de l'éclair. En fait, on peut même sauter plus loin lorsqu’on s’éjecte du sol (on franchit deux cases, au lieu d’une seule avec un saut “normal” sans mulotage) !

Le mulotage se présente donc comme une "extension du saut", et c'est assez fou à quel point ce simple ajout change tout.

En dotant le saut d’une dimension supplémentaire, Yacht Club ose complexifier l’une des mécaniques les plus fondamentales du jeu vidéo, que l’on a utilisé des centaines de milliers de fois (millions ?) au point de l’imprimer à jamais dans notre mémoire musculaire. Sauter dans un jeu vidéo est aussi naturel que de tourner une poignée de porte. On le fait sans même y penser. Modifier un tant soit peu une telle action n’est donc pas anodin, et reviendrait presque à demander à un droitier d’apprendre à écrire avec la main gauche…

Le fait que le jeu adopte une vue aérienne n’arrange rien, cette perspective se prêtant moins bien aux séquences de platforming (ce n’est pas pour rien si le saut est absent de la plupart des Zelda 2D).

Et bien entendu, les niveaux sont littéralement farcis de trous et autres précipices, de manière à tirer partie de sa mécanique centrale.

Oui, Mina the Hollower est d’abord un jeu de plates-formes avant d’être un jeu d’exploration / combat ! Et c’est sans doute ça qui le rend aussi unique et original.

Les développeurs ont heureusement créé tout un arsenal de techniques afin d’aider joueuses et joueurs à mieux “lire l’environnement” et les assister dans leur capacité à réussir ce saut à deux visages.

• Mina commence à transpirer et se déplace plus lentement lorsqu’elle est à fleur de précipice et sur le point de tomber

• Une ombre indique sa position dans les airs (mais aussi celle des ennemis et objets volants), et scintille lorsqu’elle passe au dessus d’un danger (comme un trou)

• On reste dans les airs (hangtime) un chouille plus longtemps lorsque l’on franchit un obstacle (comme un trou…)

• Enfin, si on s’approche trop près d’un trou et que l’on est techniquement déjà en train de tomber, on dispose tout de même d’une fraction de seconde pour sauter !

Ces petits coups de pouce et indices visuels distillés aux joueurs, soulignent à quel point les designers ont du cravacher pour rendre naturels le saut et le mulotage qui lui est associé. Et le fait que l'on puisse plonger pour ressortir immédiatement en lâchant le bouton Saut, ou au contraire décider de rester sous terre un certain temps (quelques secondes) avant d'être automatiquement "éjecté", est aussi un point de friction que Yacht Club a du gérer et travailler.

L’équipe de développement a visiblement été submergée par les problèmes induits par le mulotage, au point de devoir repousser la date de sortie de leur jeu, mettant ainsi en péril la santé financière du studio. Même si d’autres facteurs ont joué, comme le Covid, la décision initiale de couper les effectifs en deux pour travailler sur deux projets en parallèle (Mina et Shovel Knight 3D), ou le manque d’expérience en termes de management de certains membres de l’équipe… Problèmes que le journaliste américain Jason Schreier met en lumière dans une passionnante vidéo YouTube de 26mn.

Mais le mulotage, aussi difficile fut-il à maîtriser, a fini par payer en enrichissant tous les domaines du jeu.

Le combat en ressort par exemple (nettement) plus nerveux et varié que dans n'importe quel jeu Zelda. Le mulotage étant autant une stratégie d'esquive, un dash et une manière de se repositionner tactiquement, qu'une option d'attaque si on équipe les bons accessoires (appelés "colifichets" en VF, un mot délicieusement désuet 🥰). Notre traînée peut ainsi devenir acide, à moins que l'on ne décide d'envoyer une impulsion électrique sous un ennemi !

Mais c’est le level design qui profite le plus de cette mécanique. Non seulement chaque environnement propose de nouveaux challenges et obstacles façonnés pour et autour d’elle, mais en plus chaque écran regorge de secrets ! Il est ainsi possible de se glisser sous de nombreux bâtiments, de déterrer des bonus, de découvrir des grottes, de plonger dans des égouts, de se cacher, de filer à toute berzingue dans des canalisations, de manipuler des objets en se glissant sous eux…

On a la sensation que chaque zone est composée de multiples couches à explorer.

Yacht Club s’est aussi évertué à créer moult revêtements et types de sol afin de toujours forcer joueuses et joueurs à s’adapter. Des plaques de verre sous lesquelles on peut se glisser, des buissons qui servent de trampolines, des tapis roulants métalliques “anti-mulotage” et j’en passe !

J’ai été épaté par la “profondeur” du jeu. Un mot passe-partout, souvent utilisé dans les critiques JV, mais qui prend ici un sens des plus concrets.

Au-delà de la mécanique dite du mulotage, Mina the Hollower, en s’inspirant des jeux avec lesquels beaucoup d’entre nous ont grandi, comme Link’s Awakening, Oracle of Seasons, Castlevania II: Simon’s Quest ou encore Mole Mania, m’a parfois donné l’impression qu’il recréait ces jeux 8-bit, non pas comme ils étaient, mais tels que je les imaginais à l’époque, une manette NES ou un joystick MSX entre les mains...

Plus interactif, plus vaste, plus surprenant, encore plus… oui, profond !

L’ambiance victorienne du jeu, un peu “sale”, qui noircit au charbon l’idée même d’une ambiance bucolique ; ses personnages patibulaires aux intentions jamais claires ; son humour noir et décalé ; sa belle VF ; ses incroyables musiques ; la flamboyance baroque de ses couleurs, malgré leur nombre volontairement limité ; sa capacité à nous surprendre sans cesse, par son inventivité ainsi que sa velléité à oser des choses… Comme ce clown qui apparaît au moment où on s’y attend le moins pour nous hurler dessus avant de nous raconter une bonne grosse blague Carambar… Et si on parvient à ne pas lui filer un coup par pur réflexe de survie, il nous récompense !

Il y a tant de choses à dire sur cette merveille de jeu, y compris sur sa gestion de la difficulté (on est à des années lumières d’un Hollow Knight: Silksong, pas d’inquiétude) ; ses emprunts aux Souls & autres Elden Ring de FromSoftware ; et l’incroyable liberté offerte par son monde ouvert. Mais vous l’aurez compris, l’idée ici n’est pas de faire une critique exhaustive. Je vous reparlerai de Mina, de vive voix, dans le prochain podcast Pixel Bento, une fois que j’aurais (fort probablement) terminé à 100% le jeu et tenté son apparemment très novateur (lui aussi !) New Game +.

En attendant, vous savez ce qu’il vous reste à faire…

Parce que vous voyez, le monde se divise en deux catégories : ceux qui n’ont pas acheté Mina the Hollower et ceux qui creusent. Moi, je creuse 😬

PS : Toutes les images et vidéos illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale de Mina the Hollower sur Switch 2 (ainsi que celle de The Legend of Zelda Link’s Awakening, réalisée à partir de la version accessible sur la chaîne Switch Online Game Boy Color). Le visuel d’intro est tiré des fonds d’écran obtenu en cadeau pour ma participation au financement participatif du jeu sur Kickstarter. La photo du renard qui mulote, elle, est issue de la page wikipedia consacrée au mulotage.

Limiter cette sélection a 6 jeux n’a pas été facile…

Après un premier article écrit “à chaud” à l’issue de la première journée du salon, qui se focalisait sur le très attendu City of None, le nouveau titre du co-créateur de Celeste, je vous invite à m’accompagner à nouveau dans les allées du BitSummit pour partir à la découverte d’une poignée de jeux indépendants auxquels j’ai pu jouer, et dont il a été bien difficile de me détacher !

On commence avec Sushi Lick, dont l’improbabilité et l’impertinence du pitch m’a beaucoup fait rire.

Dans ce dernier, on contrôle en vue subjective le client d’un kaitenzushi, soit l’un de ces restaurants où les sushi circulent sur des tapis roulants. Mais ce client est un influenceur de la pire engeance, dont l’objectif est de faire un max de vues sur les réseaux sociaux en se filmant en train de lécher les sushi qui lui passent sous le nez sans se faire prendre… la « langue dans le sac » 😅

Parce qu’un chef ultra suspicieux vous surveille d’un coin de l’oeil pour immédiatement se rapprocher - couteau à la main ! - afin de vous saisir la langue s’il vous attrape sur le fait… Vous avez pour vous une “arme du crime” pour le moins exceptionnelle : une langue tentaculaire que vous pouvez déplier et replier (tel un lézard) à l’aide de la molette de la souris. Vous pouvez ainsi lécher du sushi à l’autre bout du tapis roulant !

Mais il faudra néanmoins lécher avec précaution, en gardant toujours dans votre champ de vision le chef (ou LES chefs) qui tente(nt) de vous choper, tout en évitant les pièges tendus sur le tapis roulant : tapettes à souris, poulpes qui vous aspergent d’encre, etc.

Histoire de souffler un peu, vous pouvez profiter des distractions offertes par l’arrivée de vrais clients (qui obligent le chef à vous tourner le dos), pour passer en mode “tabéhōdai“ (all you can eat) et TOUT lécher comme un gros sauvage.

Le principe du jeu étant inspiré d’un scandale qui a défrayé la chronique au Japon, l’équipe de développement a tenu à glisser un avertissement sur la page Steam de Sushi Lick :

Ce jeu est une oeuvre de fiction, une expérience parodique. Ne reproduisez pas ce comportement dans la vraie vie. Respectez la nourriture, les standards d’hygiène, et la décence dans l’espace public (sérieusement, ne faites pas ça). 🤣

Castle in the Darkness II, ses auteurs insistent bien sur ce point, n’est pas aussi punitif que Hollow Knight: Silksong !

Ce metroidvania cherche en effet à minimiser les allers et retours, pour finalement se rapprocher un peu plus d’un Ghouls ‘n Ghosts.

Développé par intermittence pendant plus de 10 ans (!) par Matt Kapp, qui a récemment sorti l’excellent Lovish, auquel j’avais consacré un article, et Simon Parzer (programmeur sur The Binding of Isaac: Rebirth), ce jeu d’action / aventure fait suite au Castle in the Darkness édité en 2015 par Nicalis.

Cette suite était présentée par ses auteurs au sous-sol du Miyako Messe, dans l’espace rencontres / business du BitSummit, et non pas parmi les exposants. J’avais donc pris rendez-vous avec Matt pour essayer dans un grand hall bourdonnant de conversations le début de son jeu, pour lequel il cherchait à trouver un éditeur.

Dès son intro et les premières minutes de jeu, les intentions sont claires. Castle in the Darkness II s’inspire visuellement des J-RPG 16-bit de Square Soft sortis dans les années 90, qui ont fait (entre autres) le bonheur des fans de la Super Nintendo. On y incarne un mercenaire appelé Zeni, au moment où le train qui l’emmenait vers sa ville natale de Lumia est attaqué par des monstres sortis d’un étrange brouillard. Après une lutte héroïque sur le toit des wagons, il finit par tomber pour voir, désespéré, le train disparaître avec son terrible équipage vers le lieu où il a grandi.

Très agréable à prendre en main, le jeu permet d’utiliser un bouclier, de multiples attaques (on en débloque déjà pas mal durant la première heure de jeu), de réaliser des roulades et d’expérimenter avec un système de jobs pour créer des builds uniques et tirer avantage de certaines magies. Le monde est découpé en plusieurs “cartes” entre lesquelles il sera facile (et rapide !) de voyager, sachant que chaque zone comporte des passages cachés ainsi que des chemins alternatifs, voire des PNJ que l’on pourra aider (l’un d’eux me trottent encore dans la tête… mais je n’en dirais pas plus !).

S’il est prévu pour 2027, de l’aveu même de ses auteurs, Castle in the Darkness II est pour ainsi dire déjà terminé ! J’espère pouvoir y rejouer sur le stand d’un éditeur lors du prochain Tokyo Game Show…

Merci à Matt pour m’avoir envoyé le nouveau trailer de son jeu, également visible sur la page Steam de Castle in the Darkness II.

J’adore le travail du studio doinksoft…

J’ai même écrit un article sur l’un de leurs jeux, Gato Roboto, intitulé Un Chat dans un mecha. Ils ont depuis sorti deux autres titres : l’excellent shoot’em up coopératif Demon Throttle, qui possède la particularité de n’être sorti qu’en boîte (impossible de le télécharger !), et l’intriguant metroidvania Gunbrella, qui trône au sommet de ma pile of shame…

Après avoir sorti Gunbrella en 2023, la petite équipe décide de souffler un peu et de développer un jeu… plus simple et “immédiat” ! Un jeu de plates-formes / action donc, à l’ancienne, sans exploration, mais avec des éléments de roguelite (pièces craftées à la main mais s’enchaînant de façon aléatoire), qui se focalise sur le jeu en coopération.

En gros, ils ont développé un jeu pour moi ! C’est en tout cas la sensation que j’ai eu en le prenant en main :p

Dark Scrolls, puisque c’est son nom, est né de l’envie de développer un titre avec lequel l’équipe de développement pourrait jouer ensemble, et s’amuser pendant toute la production. Et cette priorité au “fun sans prise de tête” saute immédiatement aux yeux !

On peut incarner un héros choisi parmi une troupe bigarrée composée, entre autres, d’un chien et d’un barbare (une dizaine de persos ont été confirmés). Ils se jouent bien sûr tous différemment et disposent chacun d’attaques spéciales uniques. On saute, on hacke et on slashe dans tous les sens, on tape du boss, et on absorbe toutes les pièces lâchées par les ennemis pour acheter de nouvelles attaques, que l’on pourra “enchaîner” pour gagner en puissance et progresser toujours plus loin, sachant que de nombreux chemins et choix s’offriront à nous.

Ce n’est pas compliqué, Dark Scrolls est l’un des jeux que j’attends le plus cette année. Il devait sortir fin Mai, mais doinksoft et Devolver Digital ont préféré décaler sa date de sortie au 22 juin, pour ne pas rentrer en concurrence avec un autre jeu indépendant au look pixel art : le très attendu Mina the Hollower, nouveau jeu du studio (et amis de doinksoft) Yacht Club, à qui l’on doit le très culte Shovel Knight !

C’est ça aussi le monde du jeu indé : l’esprit de camaraderie !

Un jeu avec un look et une jouabilité à la Rayman Legends où l’on joue un malheureux gobelin immortel qui avance en se faisant pulvériser ou couper en deux ?

Oui, Deaths of Peck vous propose bien de mourir encore et encore afin de profiter de vos différents « états » post-mortem ! Vous êtes coupé en deux ? Parfait pour réaliser un double saut ou emprunter un passage étroit ! Réduit en bouillie ? Idéal pour se propulser de clou en clou tel le plus élastique des slimes !

Comme dans Rayman Legends, l’objectif de ce jeu de plates-formes est de sauver des créatures enfermées dans des cages (ici vos potes gobelins enlevés par des orcs affamés) en explorant des niveaux remplis de pièges, d’enchaînements d’obstacles à la difficulté plutôt relevée, et de passages secrets.

Le style graphique “bande dessinée”, l’originalité du pitch et des mécaniques de jeu, ses animations gentiment gore, ainsi que la nervosité de sa jouabilité m’ont donné une furieuse envie de suivre ce Deaths of Peck. Un titre pour le moment sans date de sortie précise, développé par l’animateur JuanPe Arroyo !

Cette histoire de gobelin immortel m’a rappelé une vieille BD publiée dans les années 90 dans les pages du magazine Casus Belli, appelée Les Aventures de Kroc le Bô… Vous la connaissez ? On y suivait un autre malheureux gobelin, rejeté par les siens parce que “trop beau” (sa maman était une Muse) et immortel puisque doté d’un point de vie indestructible ! Souvenir souvenir…

Vous le savez si vous écoutez le podcast Pixel Bento ! En ce moment je suis dans ma période shoot'em up…

Alors quand j'ai vu des écrans se remplir de boulettes sur deux bouts de table, autant vous dire que je me suis vite installé !

Inspiré, entre autres, de l’incroyable ESP Ra.De., un danmaku (ces jeux où l’écran peut se REMPLIR de balles) développé par Cave et sorti en arcade en 1998, Kaguya met lui aussi en scène des étudiantes japonaises capables de voler. On ne dirige pas un vaisseau donc, ou un mecha, mais Akari Mikado et son amie d’enfance Akane Hiiragi, toutes les deux fans absolues de robots géants qui manipulent grâce à la télékinésie (je suppose) d’énormes canons qu’elles font tourner autour d’elles.

Kaguya se distingue ainsi par la possibilité d’orienter ses tirs autour de soi, en plus de pouvoir lâcher les habituelles bombes capables de nettoyer l’écran, le tout dans une superbe 3D typique des consoles 32-bit et plus généralement de la fin des années 90.

Que l’on joue en solo ou à deux, Akari et Akane ne cessent de se parler, leurs portraits étant toujours présents à l’écran. Beaucoup de dialogues donc, et encore plus de boulettes, même si le développeur nous promet un やさしめ弾幕STG (yasashime danmaku STG), soit un “gentil shmup façon bullet hell“ ! 😂

<Strect> est également un shoot’em up vertical, mais il propose quant à lui une approche totalement différente, plus… eighties ! Des graphismes 2D donc, ainsi qu’un écran “en longueur”, plus étroit, en mode “tate“, comme les bornes d’arcade Cave ou Toaplan.

Le jeu se distingue avant tout par son scrolling sinueux et ses décors totalement destructibles, puisque l’on peut shooter des “points d’attache” pour faire sombrer dans l’espace les immenses plates-formes qui servent de bases aux ennemis.

Le développeur solo de <Strect>, まよねえ (mayonee), s’est occupé de tout sur le jeu (graphisme, son, programmation) - mise à part les musiques - et il espère le terminer en 2027. Il semble également très ouvert aux feedbacks puisqu’il a mis une démo gratuite à disposition de tout le monde sur sa page itch.io.

Perso, j’ai adoré le feeling du jeu. Et je suis absolument RAVI d’avoir pu tester ces deux shoot’em up sur le BitSummit !

Pour en savoir ENCORE PLUS sur cette superbe édition 2026 du BitSummit, ne ratez surtout par le prochain podcast Pixel Bento, mais aussi le 101% spécial réalisé pour fêter les 19 ans de Nolife.

Il sera diffusé sur Origami ainsi que la chaîne Twitch de Nolife lundi 1er juin prochain, à partir de 19h !

PS: Toutes les photos illustrant cette newsletter ont été prises par mes soins, tandis que les images et vidéos des jeux sont issues de leurs sites officiels ou de leurs pages Steam, dont les liens se trouvent dans les passages dédiés.

De retour au BitSummit ❤️ pour dévorer du pixel à pleines dents et faire suffisamment de provisions pour de multiples Bento ! En voici une première bouchée…

En apprenant via le compte Bluesky de Noel Berry - co-créateur de Celeste (aux côtés de ​​Maddy Thorson) - qu’il allait venir au BitSummit pour présenter sur un coin de table son prochain jeu, autant vous dire que j’ai pris soin de foncer direct l’essayer aussitôt arrivé sur le salon !

Officiellement annoncé depuis à peine un mois, City of None a tout pour plaire aux amoureuses et aux amoureux de pixels et de jeux d’exploration craftés avec amour.

Après avoir trépigné d'impatience en regardant quelqu'un y jouer (un petit malin m’avait devancé…), j'ai ENFIN pu le prendre moi-même en mains 20 petites minutes (le temps chronométré de la démo).

Et le plaisir était là, indéniable.

City of None est exactement le jeu que j'attendais, un mélange de plates-formes (aux contrôles précis), d'action (épée à la main), d'aventure (interactions avec des PNJ…), de puzzle aussi (oui, il y aura bien des blocs à pousser, mais pas que !), avec une énorme dimension "exploration".

Ce monde m’a immédiatement fait songer à celui de Hollow Knight (sans doute l’une des raisons de mon attirance immédiate). Là aussi, on y dirige une silhouette plus qu’un personnage, qui se déplace dans des grottes humides et les ruines d’une cité au coeur desquelles évoluent de mystérieuses créatures (déchues ? corrompues ?) souvent bien mal intentionnées. Entre les murs de cette cité, que l’on réveille parfois en agitant des cloches, se cachent aussi, par bonheur, de potentiels alliés…

Un monde étrange, à la beauté pixelisée des plus singulières.

J’ai bien sûr profité de sa présence à Kyoto pour poser une poignée de questions à Noel Berry, qui nous révèle sa principale inspiration et le désir qui a propulsé ce nouveau projet, développé conjointement avec son frère Liam.

Mon frère et moi avons toujours souhaité faire un jeu dans la veine de Cave Story. Ce titre est un peu la raison pour laquelle j’ai commencé à vouloir créer des jeux vidéo. Je l’adore vraiment… énormément en fait. Depuis toujours, enfin… depuis notre adolescence, Liam et moi avons rêvé de créer un jeu de plates-formes / exploration. Un jeu avec du combat, mais surtout beaucoup d’exploration. Alors si City of None ne ressemble finalement pas tant que ça à Cave Story, il reste malgré l’étincelle de départ. C’est la réalisation du jeu que j’ai toujours voulu faire.

Comme tout bon jeu d’aventure, City of None laisse une belle autonomie aux joueuses et aux joueurs pour leur permettre de comprendre et s’approprier à leur rythme les mécaniques de jeu, à force de tâtonnements et d’expérimentations. Une approche qui m’a rappelé d’autres titres qui accordent une importance toute particulière aux puzzles, comme ElecHead et Öoo du développeur NamaTakahashi, dont la simple évocation à tout de suite illuminé le visage de Noel.

J’aime beaucoup son travail, il est très bon ! J’ai joué (à Öoo) dès qu’il est sorti ! Je l’ai beaucoup apprécié, je trouve son design excellent. Je suis impatient de savoir ce qu’il va faire après, parce que ses deux derniers jeux sont vraiment soignés.

Mais City of None, tient à préciser Noel, se rapproche finalement bien plus d’un jeu d’aventure à la The Legend of Zelda que d’un “knowledge-vania“ où l’on découvre au fil de sa partie des “pouvoirs” que l’on a toujours possédé. La progression reposera en effet beaucoup sur l’obtention d’objets particuliers, qui débloqueront de nouvelles possibilités en termes de navigation. Sachez simplement que l’on peut sauter de mur en mur (wall-jump) dès le départ et qu’il devrait être possible d’utiliser certaines techniques (secrètes ?) dédiées aux speedrunners !

City of None surprend aussi par le minimalisme atypique de ses graphismes. Car la direction artistique du jeu, aussi avare soit-elle en couleurs, s’avère étonnamment vibrante et éblouit par ses effets de lumière impromptus. La palette de couleurs peut ainsi changer du tout au tout en quelques secondes, comme si l’on levait un rideau de pixels pour révéler un nouveau décor.

L’effet est assez saisissant.

Je me considère plus comme un programmeur, mais j'aime énormément le pixel art. Alors quand j'ai commencé à travailler sur ce jeu j'ai choisi un style qui me permettrait de m'exprimer pleinement, mais aussi d'explorer en minimisant les risques, tout en m’offrant l’opportunité de m'améliorer encore… En termes de limitations j'ai décidé de n'utiliser que quatre couleurs, parce que je considère que la contrainte favorise l'expression créative.

Ce pixel art “quatre couleurs” m'a permis de créer un espace de création vraiment fun… Et à cause de la façon dont la programmation fonctionne avec les lumières et les shaders, j'ai pu facilement commencer à ajouter des couches de lumières et de dégradés. Et c’est le fait que je n'utilise que quatre couleurs qui permet d’obtenir des variations et des effets aussi dynamiques.

Bon, il est plus que temps d'aller dormir quelques heures afin d’être suffisamment au taquet demain pour une nouvelle (grosse) journée de BitSummit !

Cette newsletter n'était qu'un petit amuse-bouche sorti tout chaud du four kyotoïte et plein d'autres choses (et de surprises) sont prévues dans les prochains jours et semaines qui viennent.

PS : Toutes les images illustrant cet article sont issues du site officiel de City of None. Le screenshot de Cave Story est quant à lui tiré de sa page wikipédia et l’interview de Noel Berry a été réalisée aujourd’hui sur le BitSummit et traduite de l’anglais par mes soins. Un grand merci à lui pour sa disponibilité et sa gentillesse ! Merci aussi à Axel - l’ingénieur son du podcast Pixel Bento - pour son aide précieuse sur le BitSummit.

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

• Pixel Bento.fr (pour télécharger l’épisode)

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Lorsque j’ai appris qu’Antistar allait passer à Tokyo pour un tournoi Mario Kart, je dois l’avouer, il ne m’est pas venu une seconde à l’esprit que cette compétition allait se dérouler sur Super Famicom !

Et c’est du côté d’Akihabara - le fameux “quartier électrique” - que Nicolas et moi avons été à la rencontre de ces compétiteurs du rétro, de ces globe-trotters du pixel 16-bit, à l’occasion de la JSMKC, un tournoi sur plusieurs jours réunissant des joueurs du monde entier autour d’une même passion : Super Mario Kart ! On remercie tous les français, et toute la communauté autour du jeu, pour leur accueil chaleureux 😊

Voici une petite vidéo d’Antistar en mode duel lors de la matinée du 3ème jour de la compétition 👇

Un petit extrait de l’interview d’Antistar que vous pouvez retrouver en intégralité dans le podcast 👇

Et enfin le stream sur YouTube de la journée complète dédiée aux matchs 1 contre 1. Vous devriez pouvoir nous apercevoir Nicolas et moi durant la première partie du stream, en train de nous émerveiller du niveau de jeu, avant que l’on ne parte pour aller enregistrer l’épisode #65 de Pixel bento👇

Un reportage dédié à l’événement devrait être aussi diffusé prochainement sur les chaînes Twitch et YouTube d’Antistar, et sans doute aussi dans l’émission Les Nintenbros de Ken Bogard, à laquelle il participe régulièrement !

Oui, cet épisode sera encore plus rétro que d’habitude, et fait un peu office de New Game + au MATSU de l’épisode #64, où l’on s’interrogeait sur l’avenir de la next gen !

Quelle époque tout de même… Toutes les consoles modernes voient leur prix augmenter, alors que la Neo Geo s’apprête à ressortir à “petit” prix, aux côtés du Virtual Boy Nintendo (en mode “accessoire” Switch) et d’une nuée de consoles FPGA !

Si on vous avait dit ça il y a quelques années, vous y auriez cru ? Hé ben moi non plus.

Pour en savoir plus sur la réapparition de la Neo Geo et les problèmes que cette dernière (et tout ce qui touche à SNK en général) soulèvent aujourd’hui d’un point de vue éthique, je vous encourage à lire ce formidable article (en anglais) de Time Extension, que Marc et moi mentionnons dans le podcast.

Un article qui fait le point sans tenter d’en marquer, et expose les faits pour nous permettre de prendre une décision de manière informée. Pour les francophones, le journaliste Gautoz avait aussi analysé (dans la Mardinale d’Origami) la situation, dans le cadre du rachat d’Electronic Arts derrière lequel on trouve également le fond d'investissement public d'Arabie Saoudite du Prince MBS, accusé d’avoir commandité l’assassinat du journaliste Jamal Khashoggi en 2018.

Oui, aussi pénible que cela puisse être, les enjeux politiques et la quête du soft power rongent, comme bien d’autres choses (les médias, les réseaux sociaux, les maisons d’édition…), l’industrie du jeu vidéo.

Le mieux, comme toujours, est de rester informé(e)s pour mieux comprendre et décider en conséquence.

Il n’est pas pour autant inévitable de sombrer dans la déprime ! On peut tout à fait célébrer l’incroyable catalogue de jeux SNK sortis dans les années 90/2000 pour nous offrir des classiques absolus tels que Metal Slug, Garou: Mark of the Wolves, The King of Fighters, Twinkle Star Sprites ou encore Pulstar !

Et on peut une nouvelle fois compter sur Origami, et tout particulièrement la dernière de Super Vieux Jeux, pour nous redonner le sourire avec un invité fan absolu de la Neo Geo : Alex Pilot ! 👇

On passe de SNK à Capcom, mais on reste dans le rétro avec les tournois de Street Fighter 2X et Street Fighter III 3rd Strike, qui se tiennent régulièrement dans la salle d’arcade Game Newton à Tokyo. La vidéo ci-dessous est la dernière à avoir été publiée au moment où j’écris ces lignes et il s’agit du dernier tournoi du MANIAX 2025-2026 SEASON Vol.11.

3rd Strike est la parfaite illustration du jeu pixel art qui devient toujours plus beau avec le temps qui passe ♥️👇

Alex Pilot nous a une nouvelle fois régalé d’un nouveau reportage dans Pixel Bento ♥️

Ce dernier est cette fois-ci consacré à la sortie japonaise (le 30 janvier 2026, bien après sa sortie en France) du formidable long-métrage animé français : Mars Express.

Voici le reportage en images, avec l’interview du réalisateur Jérémie Périn👇

On passe maintenant aux TAKE, soit nos chroniques individuelles, avec comme souvent la trilogie : jeu vidéo / manga / anime !

Marc nous fait découvrir la série animée Tojima Wants to Be a Kamen Rider, basée sur le manga de Yokusaru Shibata. On y suit Tanzaburo Tojima, fan de Kamen Rider depuis sa tendre enfance, qui décide la quarantaine passée de devenir le super-héros qu’il a toujours rêvé d’être.

Et si vous voulez en savoir (beaucoup) plus sur Kamen Rider - le personnage, les séries TV, les jeux, mais aussi le superbe film Shin Kamen Rider réalisé en 2023 par Hideaki Anno - foncez écouter l’épisode 35 de Pixel Bento !

De mon côté je vous parle de jeu vidéo indépendant japonais, et tout particulièrement de shoot’em up avec l’excellent et très accessible Raging Blasters de Terarin.

Un jeu sorti mi-2022 sur Switch dans une version retravaillée (par rapport à la version PC), toujours jouable à deux et dotée d’un mode Caravan (ultra) addictif, où il faut tenter de réaliser le meilleur score possible en moins de 3 minutes ! Je partage ci-dessus ma place dans le classement en ligne (Top 20 et non plus Top 30 comme je le dis dans le podcast :p), au cas où vous voudriez l’utiliser comme objectif à battre (et me pousser à faire encore mieux) !

Je suis depuis passé sur le dernier jeu de Terarin, Blaze of Storm, sorti sur PC et Switch cette année, qui vient lui aussi avec un mode Caravan dans sa besace (5mn cette fois-ci), dont il est difficile de se détacher !

Enfin, voici quelques photos de Raging Blasters 2 récemment partagées dans un thread Bluesky. Une suite qui sortira en 2027, découverte et testée lors du Tokyo Game Dungeon aux côtés de nombreux autres jeux indépendants 👇

Dorohedoro est le manga (et l’anime) dont nous parle Nicolas ce mois-ci. Une oeuvre créée par la mangaka Q Hayashida, où l’on suit un type amnésique transformé en un monstre à tête de caiman, qui dévore (presque) tout sur son chemin pour tenter de retrouver sa mémoire et survivre dans un monde post-apocalyptique en proie à des sorciers d’une autre dimension…

Si vous pensez que ce pitch, c’est du grand n’importe quoi, attendez d’écouter le résumé bien plus complet de Nico dans le podcast ! 🤣

C’est gore, très gore… Le manga comme l’anime, qui a été confié au studio MAPPA, à qui l’on doit déjà les remarquables Jujutsu Kaisen et Chainsaw Man. La série Dorohedoro a accueilli sa seconde saison le mois dernier, en avril 2026.

Voilà, c’est fini pour cette newsletter dédiée à l’épisode #65 du podcast Pixel Bento !

N’hésitez pas à laisser vos commentaires et remarques ci-dessous, dont on partage chaque mois des extraits dans la rubrique “Courrier des Auditrices et des Auditeurs” du podcast ☺️

Et comme toujours, merci d’être toujours plus nombreuses et nombreux à nous écouter (à me lire aussi) et nous écrire !

PS : Un IMMENSE merci à Alex Pilot et Antistar pour avoir accepté de participer à ce podcast (et cette newsletter) ! Toutes les photos, vidéos et captures d’écran illustrant cet article ont été prises par mes soins, à l’exception de l’image de la nouvelle Neo Geo, issue de son site officiel, et de la photo de Takahashi Meijin, prise par un quidam avec mon téléphone (ou celui de Marc ?). Les captures de Raging Blasters ont été réalisées à partir d’une version commerciale sur Switch 2.

Imaginez un peu… Il fut un temps où le casse-briques a été l'un des genres les plus populaires de l'industrie du jeu vidéo, au même titre que le roguelite, le Souls-like ou les shooters aujourd’hui !

Honnêtement, je ne sais pas trop ce que peut penser un enfant, un ado ou un jeune adulte né après le bug de l’an 2000, d’un jeu vidéo au principe aussi… daté.

On contrôle les mouvements latéraux d’une raquette, pour renvoyer une balle qui ne cesse de gagner en vélocité, afin de détruire un mur de briques situé à l’autre bout de l’écran. Et si on rate la balle, on perd une vie. Bête comme chou. Mais à sa sortie en 1976, Breakout, le papa du casse-briques, n’était rien moins qu’un coup de génie. Orchestré qui plus est par le duo de “Steve” : Jobs / Wozniak, avant qu’ils ne fondent Apple la même année !

Il existe donc, dans l’absolu, un lien direct entre l’iPhone et le casse-briques 😬

Comme l’iPhone, Breakout doit en grande partie son succès à l’élégance de son design. S’il n’est au final qu’une évolution de Pong focalisée sur le jeu solo (la version originale, sortie en 1972, n’était jouable qu’en versus), il a créé un genre et posé les bases du shoot’em up.

Space Invaders, sorti en 1978, aurait ainsi été inspiré par Breakout ! Les briques ayant été avantageusement remplacées par des formations d’extraterrestres aux designs pixelisés devenus cultes.

Le concept du casse-briques est attribué à Nolan Bushnell, fondateur d’Atari, alors qu'il cherchait à trouver une nouvelle idée de jeu d'arcade, aussi juteuse financièrement que le fut Pong pour sa compagnie. Il en confia ensuite la réalisation technique à un Steve Jobs de 19 ans, qui mandata son pote Steve Wozniak (il fera tout sur le jeu), en lui cachant au passage la rondelette somme qu'il se faisait sur son dos !1

Ceci dit, et sans doute comme beaucoup d'entre vous, je n'ai pas grandi avec Breakout, mais avec Arkanoid.

Développée par le géant de l’arcade japonais Taito (Space Invaders, Bubble Bobble, Darius, etc.), cette version sortie en 1986 a réinventé Breakout au point de lui voler la vedette et devenir LE jeu emblème du casse-briques.

Il a ainsi introduit une tonne de nouveautés. À commencer par la plus accessoire d’entre toutes : un scénario ! On apprend ainsi que la raquette contrôlée n’en est pas une, mais un vaisseau spatial appelé VAUS. Après une attaque contre son vaisseau mère, un pilote s’enfuit à bord du VAUS pour se retrouver enfermé dans une dimension parallèle. Et c’est à l’aide de sa balle d’énergie qu’il devra abattre les murs de son improbable prison pour finalement faire face à un boss !

Un boss que je n’ai jamais croisé personnellement, la difficulté du jeu étant légendaire. Et ce malgré les “trainers“ (options de triche) des versions MSX et Amiga “non officielles” auxquelles j’ai pu jouer à la fin des années 80 !

Sachez en tout cas qu’il apparaît au stage 33 (36 sur NES), et comme vous avez pu le voir ci-dessus, il s’appelle DOH et ressemble à un… Moaï ! Soit l’une de ces statues de l’île de Pâques qui avaient décidément la cote dans les années 80 et les salles d’arcade japonaises (Gradius !).

Qui dit boss, dit ennemis, et si ces derniers ne représentent aucun danger pour votre vaisseau / raquette, ils se déplacent de façon imprévisible à l'écran et peuvent dévier votre balle de façon toute aussi imprévisible. Mais le plus gros apport d'Arkanoid reste incontestablement l'apparition de bonus (7 en tout) qui prennent la forme de pilules aléatoirement libérées par certaines des briques détruites.

Pour profiter de l’effet de ces pilules, il faudra bien sûr les “avaler", en les attrapant avec sa raquette. Parmi les pouvoirs que l'on peut obtenir, on notera celui qui agrandit la raquette (E) ou lui accorde la possibilité de tirer (L) ! Ce dernier étant sans doute mon préféré, puisqu'en permettant de shooter les briques, il fait soudainement basculer Arkanoid du casse-briques au shmup à la Space Invaders, bouclant ainsi la boucle initiée par Breakout.2

Le dernier ajout clé d’Arkanoid au genre du casse-briques est finalement la manière dont il agence les briques. Certains stages ressemblent ainsi à de véritables labyrinthes, et nécessitent autant de précision et de stratégie, que de réflexe. Tout particulièrement lorsque les briques dorées - indestructibles - font leur apparition.

Mais ce qui rend Arkanoid et tous les casse-briques aussi addictifs, c’est bien sûr la physique de la balle.

Si le casse-briques est un descendant de Pong, il apparaît assez évident qu'il doit tout autant, sinon plus, au flipper.

Et c’est là que se situe la sauce secrète d’Arkanoid, dans la délicieuse imprédictibilité de sa balle. Non seulement elle prend de la vitesse au fil des secondes qui passent, mais elle rebondit sur la raquette pour voir sa trajectoire profondément affectée par l’angle avec lequel on la renvoie.

Il faudra donc apprivoiser sa nature capricieuse, surtout lorsqu’un mur indestructible protège les briques à détruire, que l’on ne peut atteindre qu’en parvenant à faire passer sa balle par un étroit passage… Un peu à la manière de Luke lorsqu’il détruit l’Étoile noire à la fin du premier Star Wars, qui fêtera d’ailleurs ses 50 ans l’année prochaine. Vu que cet article s’inscrit dans la rubrique “Coup de vieux”, autant en rajouter un peu !

Si vous voulez voir quelqu’un jouer à Arkanoid (sur NES) comme s’il maîtrisait la Force, ce speedrun de 2024 est sans doute ce qui s’en rapproche le plus !

Arkanoid appartient ainsi à une grande famille de vieux jeux vidéo qui ont cherché, très tôt, à reproduire la sensation de manipuler une balle, de Pong à Pinball Dreams, en passant par Marble Madness et Shufflepuck Café. Tous ces jeux, mais aussi Star Wars, appartiennent à mon enfance. Et je n’oublierais jamais ma rencontre fortuite avec la borne d’arcade Arkanoid, lors d’un trajet en ferry pour l’Angleterre, à l’occasion d’un voyage scolaire, bien avant que les travaux de l’Eurotunnel n’aient débuté…

Et Arkanoid est aussi un jeu qui affiche un penchant marqué pour des périphériques autres qu'une manette ou le combo stick / boutons. Sa borne d'arcade vient ainsi équipée d'un spinner, soit d'une grosse molette que l'on tourne à gauche ou à droite pour déplacer sa raquette. J’ai ainsi joué à son adaptation sur MSX avec un trackball, et à la version Amiga à la souris. On ne peut donc que saluer la possibilité de jouer au récent portage Switch 2 d’Arcade Archives 2 Arkanoid, avec le Joy-Con droit en mode souris.

Voilà, j’espère que vous avez apprécié ce petit détour rétro, et si vous voulez en savoir plus sur les (nombreux) anniversaires vidéo-ludiques que l’on célèbre en 2026, foncez écouter l’épisode 62 du podcast Pixel Bento que j’enregistre chaque mois avec mes amis Marc, Nicolas et Axel !

Petit cadeau pour conclure cette newsletter ; une vidéo d’un concert philharmonique que vous avez peut-être déjà vu si vous me suivez sur Bluesky ! 👇

Et n’hésitez pas à partager dans les commentaires votre découverte d’Arkanoid ou du casse-briques en général 😊

Est-ce que cet article n’aurait été au final qu’une excuse pour vous repartager cette vidéo ? Je vous laisse juge :p

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été capturées sur Switch 2 à partir des versions commerciales de Atari 50: The Anniversary Celebration, ainsi que Arcade Archives 2 Arkanoid, sorti le 7 mai 2026 chez Hamster Corporation. Les flyers japonais de Arkanoid et sa suite sont issus du site The Arcade Flyer Archive.

Un film basé sur un jeu vidéo — un média qui a longtemps cherché à émuler son "grand écran de frère" — peut-il être jugé sur les mêmes critères qu'un film "normal" ?

Le cinéma ayant toujours aimé se reposer sur des succès confirmés pour porter sur grand écran, sans trop se mouiller les fesses, des histoires ayant déjà trouvé leur public (adaptation de bestsellers, remake de films étrangers, biopic de célébrités, etc.), il était évident que le jeu vidéo allait finir par attirer l'attention des studios.

Après bien des errements et chutes dans les escaliers, il semblerait qu'ils aient enfin trouvé la bonne formule. Le premier film Mario a ainsi rapporté 1,36 milliards au box office mondial, pour se hisser gaillardement à la 20ème place des plus grands succès de tous les temps. Oui, Super Mario Bros., le film a rapporté plus d'argent (en salles) que Jurassic Park, Star Wars : Épisode VIII, , Skyfall (le plus gros succès de la franchise James Bond), Fast & Furious 8, Les Minions ou La Reine des neiges. Joli carton pour un film dont le héros porte la plus eighties des moustaches !

Si Hollywood pourrait ENFIN avoir trouvé "la formule à succès" (la poule aux pixels ?) pour adapter des jeux vidéo, c'est d'abord parce que les gens qui font ces films ont changé. Les deux adaptations de Mario respirent le fanboyisme assumé et l'amour des franchises Nintendo. Nulle trace ici du mépris mêlé de condescendance qui a défini les adaptations de jeu vidéo dans les années 90.

Le public aussi a évolué. Il a fait sienne une culture du jeu vidéo désormais solidement ancrée dans les habitudes de loisirs de multiples générations. Je dirais (au pifomètre) que si vous avez entre 4 et 60 ans, il y a de fortes chances pour que, aux choix…

1. vous soyiez fan de jeu vidéo

2. ayiez un à-priori plutôt positif sur ce dernier

3. possédiez AU MINIMUM un (sans doute dix) goodies Mario quelque part chez vous !

Si Super Mario Galaxy Le Film, depuis sa sortie début avril, n’a toujours pas dépassé le milliard au box office mondial, il reste actuellement le plus gros succès de l’année 2026 avec plus de 840 millions de dollars engrangés. Un carton donc, quoique moindre que son prédécesseur, et surtout un accueil critique nettement plus froid, pour ne pas dire glacial. Voici un court extrait du papier de Télérama sur le film :

Au programme : un long métrage superbement animé et des doublages réussis malgré un scénario qui tient en deux lignes.

Dans son intégralité, la critique de Télérama est plutôt nuancée et semble avoir été écrite par quelqu’un qui connaît les jeux. Celle du journal anglais The Guardian en revanche, taille un nouveau costume à Mario, piétine sa casquette et lui rase la moustache à la serpe :

Bien sûr que c’est destiné aux petits enfants, mais ça n’avait pas besoin de ressembler à ce point au plus fade des économiseurs d’écran, avec encore plus de ce même look kitsch et pâle “euro-copie” que dans le premier film. Et, à nouveau, la pauvreté en termes de répliques vraiment drôles laisse pantois. (...) rien de plus qu’une variation peu inspirée du scénario du film précédent, une aventure générique, dont l’un des éléments clés de l’intrigue - l’attirance supposée de Mario pour la Princesse Peach - ne suscite absolument aucun intérêt.

Dur. Et ce ne sont que deux exemples parmi beaucoup d’autres, le film ayant un “Metascore” de 37 sur 100, soit 10 points de moins que le film Monster Hunter (😱) de Paul W.S. Anderson et 2 minuscules points de plus que l’universellement conspué Super Mario Bros. de 1993 !

La raison de ce mépris assez généralisé me semble pourtant assez suspecte.

Toutes les critiques s’accordent sur un point et focalisent leurs commentaires les plus acérés sur un défaut jugé aussi majeur que rédhibitoire : le scénario de Super Mario Galaxy Le Film tient sur l’étiquette d’une carte microSD.

Ce qui m'amène à me poser — et par la magie de cet article, à VOUS poser — la question à 120 étoiles : heu… vous attendiez vraiment une "bonne histoire" d'une adaptation de Mario ?

Non parce que jusque là, ça n’a jamais été le point fort de la franchise… On pourrait même dire que les jeux Mario ont toujours fait de l’indigence de leurs scénarios une règle d’or. “Mama mia“ est sans doute la réplique la plus émotionnellement chargée jamais prononcée par Mario dans l’un des jeux dont il est le héros.

Personnellement, j’avoue ne pas attendre, ni même désirer d’ailleurs, une “bonne histoire” d’un film Mario (contrairement à un The Last of Us par exemple).

Alors bien entendu, un bon scénario aurait été un plus indéniable, et certaines des intentions des scénaristes du studio Illumination font méchamment chou blanc. La réhabilitation de Bowser, ses regrets de père absent, et plus globalement sa relation avec son fils ne fonctionnent jamais, ce qui est problématique. La réinvention de Fox McCloud (le renard de Star Fox) en tant que simili Han Solo m’apparaît, au mieux, comme paresseuse ; et Luigi, toujours dans l’ombre de Mario, semble plus accessoire que jamais.

Mais le couple Mario / Peach est à mon sens plutôt mignon, Peach elle-même étant encore plus badass que dans le film original. Yoshi, teasé à la fin du premier film, vole la vedette aux têtes d’affiche dans toutes les scènes où il apparaît, et je trouve l’idée de créer une rivalité de sidekick “trop-gnon” entre lui et Toad, excellente (quoique sous-exploitée).

Perso, et je suis curieux de savoir si cela est votre cas aussi, j’attends plutôt d’une adaptation d’un jeu de plates-formes comme Super Mario Bros. : des personnages aux interactions (certes) étoffées, mais surtout des scènes célébrant leurs mouvements et le gameplay même des jeux dont ils sont issus.

Au même titre que je vais voir un film d’action (de Commando à John Wick, en passant par Police Story) pour ses explosions, gunfights, chorégraphies de combat et autres cascades, je me déplace pour un film Mario afin d’être rassasié de sauts, triple sauts, bonds sur la tête des ennemis et autres transformations.

Et cette suite ne m’a pas laissé sur ma faim, bien au contraire. Tout ici est prétexte à placer les personnages dans des situations rocambolesques rendant hommage aux jeux vidéo, et tout particulièrement aux deux Super Mario Galaxy de la Wii (récemment ressortis sur Switch). Ennemis, objets, décors, bonus, personnages secondaires, c’est un festival. Et cette suite déborde de la même énergie cinétique que celle déployée dans un speedrun des jeux de plates-formes référencés !

Tout va vite, malgré un petit ventre mou (en termes de rythme) au milieu du film, et les easter eggs pleuvent telles des étoiles filantes.

Est-ce que sans histoire, une telle adaptation ne se résume pas finalement à un mercantile "présentoir" de jeux, un B-roll d'extraits de classiques Nintendo ?

Je ne pense pas, même si je peux entendre la critique. Parce que faute de nous accrocher par son histoire, Super Mario Galaxy Le Film fait preuve de suffisamment d'inventivité pour enchaîner les clins d'oeil sans se luxer la paupière, ni nous fourrer son gros doigt marketing dans l'oeil. Si son intrigue n'est qu'un prétexte à faire vibrer celles et ceux qui ont grandi avec ces jeux, le film soigne son hommage.

Il a su capter par son rythme, son design et une désarmante sincérité, ce que l'on a toujours aimé dans les Mario : le simple plaisir du mouvement, la sensation d'exploration et la surprise de la découverte.

Faute de nous émouvoir et de nous transporter comme savent régulièrement le faire les longs-métrages animés Pixar (les films Mario sont à des années lumières d’un Vice Versa 2 ou d’un Alerte Rouge, pour prendre deux exemples récents), je suis à peu près certain que ce film fera passer un bon moment à celles et ceux qui ont aimé ces jeux.

Plus important encore, la mise en scène ainsi que le montage de Super Mario Galaxy, le film rendent hommage à leur gameplay sans le singer, comme avait pu le faire le film DOOM par exemple… ou pire encore : le film Monster Hunter (😱).

L’idée de cet article n’est aucunement de minimiser l’importance d’une “bonne histoire” au cinéma, mais plutôt de m’interroger sur nos attentes réelles, lorsque le projet est d'adapter un jeu vidéo. Si Super Mario Galaxy, le film n'est pas un grand film, c'est – à mon humble avis – une solide "adaptation" d'un jeu vidéo et un film familial tout à fait sympathique.

Est-ce qu’une “bonne histoire” aurait rendu ce film Mario meilleur ?

Bien entendu, il suffit de regarder une série comme Arcane (basée sur le jeu de stratégie multijoueur League of Legends) pour se rendre à cette évidence. Mais était-elle nécessaire à sa réussite et notre plaisir de spectateur / joueur ? Son absence justifie-t-elle la sauvagerie de la critique ? Je ne pense pas non... Et vous ?

PS: Toutes les images (à l’exception des photos, prises par mes soins) de Super Mario Galaxy Le Film, sont issues de son site Internet ainsi que son compte X japonais.

I fell in love with Derelict Star, a game I discovered completely by chance on the social network Bluesky.

Sometimes, you feel the urge to learn more about a video game you’ve spent a long time with, one that challenged you and pushed you to the brink of insanity! Derelict Star is such a game, in a genre I love (metroidvania) and a subgenre I love even more (“knowledge-vania”).

So I reached out to its solo developer with a bunch of questions!

This newsletter is the very first I’ve ever published in English, as I always write my weekly articles in French. It’s a testament to how much I love this game. So after writing and sending a lengthy newsletter dedicated to Derelict Star, I decided to publish the complete, unedited interview, along with my original questions.

I hope you’ll enjoy it and that it will help bring recognition (even just a little bit!) to a truly excellent game and a great game designer. I cannot thank gate (aka John Williams) enough for the thoroughness and generosity of his answers.

How would you define Derelict Star and would you agree with people (myself included) describing it as a “knowledge-vania”? A subgenre where I would also place games like ElecHead or FEZ, two titles I really love and that may have influenced your game a little bit?

Derelict Star somewhat defies categorization on purpose. I tend to like games that explore or combine ideas in new ways, so I pretty intentionally make choices that buck trends. That said, I do agree that it has a lot of “knowledge-vania” flavor. Before this game I made a few free puzzle games that also attempted to teach the player lessons through gameplay, so it’s a mode of game design communication that I’ve already practiced and become familiar with.

For the two games you mentioned -- I am a fan of both but they’re not my main inspirations. I do really love Outer Wilds so that game is likely a more significant source of inspiration. For FEZ I only played the surface game and not the post-game so I’m not sure how that compares or contrasts to mine. For ElecHead, I appreciate the design but it’s slightly too buttoned-up for me. I like games to be a little messier than the experience I got from ElecHead. Perhaps it’s because I’m a similar designer, but I was able to guess most of what was going to happen in ElecHead so it was less exciting for me.

Derelict Star seems to share quite a few common points with Super Mario World ROM hacks, especially the Kaizo Mario genre. There are the keys, the focus on platforming above a sea of death traps, and especially the use of momentum or “P-Speed” in Mario’s language! Are you a Kaizo player? Have you ever tried building levels in Mario Maker or Lunar Magic? What is your relationship with the Kaizo Mario genre?

I did make levels in both Mario Maker 1 & 2. That is actually where I learned I really enjoyed level design. I tried to take under-used elements and mechanics in those games and make weird puzzle levels that would teach them to the player. For example, in Mario Maker 2 I made a whole level based on crouching and rolling in the 3D World tileset. Before Mario Maker I thought of myself as mostly a programmer, but Mario Maker taught me I was a level designer too.

I actually just started playing Super Mario World Kaizo hacks during the pandemic. I had caught COVID and had a hard time doing much outside of sitting, and playing really hard Kaizo levels was pretty good at distracting me from my illness because it took the entirety of my attention to play well. After a frustrating few days, I really started to appreciate the design and creativity on display in the Kaizo community. It felt like a step up from Mario Maker in terms of ideas and player expression.

Taming the character’s momentum and understanding how to use it in different environment, each with its own set of special rules, is (for me at least) the key feature of Derelict Star. How hard was it to nail that jump?! And did you continue tweaking it even after starting to build levels? It feels like the jump had to be perfected first, because Level Design is tailored to it… What was the moment during production when you knew you had found the right “feel” for the jump?

For a game to be good, I believe you want to nail the fundamentals of how it plays. So when I started work on the game, I only focused on the fundamental physics. It took about a week of programming and tweaking numbers until I was happy with how the character controlled.

From my experience making puzzle levels in Mario Maker, I knew I wanted a very predictable jump height. When you’re making puzzles, if a jump is technically possible then you have to account for it in the puzzle design. This is part of what makes making puzzle levels in Mario Maker so hard -- it’s never clear to the player if a specific jump is possible or if they just messed up the execution of it.

I wanted my jumps to be “easy” and obvious for on-grid platforming, so I very intentionally picked jump heights that would give the player a few more pixels of room so that their jumps didn’t have to be perfect. There were certain tile height breakpoints I wanted the player to be able to easily achieve based on their speed (completely still, walking, or running). These breakpoints make it a lot easier for a player to reason about any particular jump.

I would say it was at the end of that first week when I felt I had found the right “feel” for the jump. I still made little tweaks throughout the development process (especially when implementing new features, like moving platforms or ceiling slime) but the core feel of the game was nailed down very very early, basically before any levels were made. I made a little playground to test the physics, wrote the physics, and those physics are very very similar to the final product’s physics.

I love platformers, Super Mario World is one of my favorite games of all time and personally I don’t need a story, an open-world, upgrades, powers or anything to enjoy this old genre. BUT, for many players, a “classic” platformer is not enough anymore. I had the opportunity to interview BZZZT’s developer, Karel Matejka, a few years ago and he told me this: “Platformers are still evolving. It is very hard to attract today’s players with retro-vibe experiences. Platformers need something fresh and deeper to be successful among players. That’s why Metroidvanias are still so popular. The majority of Metroidvanias still bring new ways to control the game, and the exploration aspect of this genre is very tempting. On the other hand, I see lower interest in classic arcade platformers these days. Maybe it’s the right time to come up with some new Metroidvania!”

Would you agree with him? And what made you choose an open-world structure? Also, why did you decide to make an exploration / platformer game without any upgrades? It seems like a much more challenging approach to the genre (in terms of level design)!

I’m not terribly interested in what’s popular, potentially to my detriment. Derelict Star is my first commercial game, and I made it because it’s the type of game I would want to play. I thought I might as well try to make exactly what I want, and if that doesn’t work monetarily then at least I tried and will feel satisfied creatively, and I can pivot to something else afterwards.

I chose an open world structure because I want to challenge the player, but I don’t want to overwhelm them. In a linear game, if a player comes across an obstacle they can’t overcome, then they’re forced to quit the game. The open world softens that difficulty, and players can pick and choose what challenges they tackle in what order, and if they’re stuck they can just move on to something else. The open world is a way of providing a dynamic difficulty setting that the player has some active control over.

I made a platformer without any upgrades because I’m very interested in games where your skill as a player improves. I grew up on NES games, arcade games, and traditional roguelikes, so I am in love with the feeling of seeing something that initially feels impossible, and then slowly getting better until suddenly it’s possible. Upgrades just complicate and dilute that feeling. I want the player to feel accomplished, and any upgrades or meta-progression might undermine that.

I personally think that Derelict Star is a VERY difficult game. And you clearly are a very skilled player since you 100% your game in about 6 hours, which is incredible. What was your mindset when designing the levels? How did you approach and balance difficulty?

Balance is mostly all just intuition for me. As previously stated, I love the feeling of mastery in games and I want to communicate that feeling to other players who maybe have not experienced it yet. For example, most Kaizo hacks are aimed at experts, and even the “easy” ones that Kaizo players recommend to beginners have quite difficult sections that can discourage players from continuing.

I wanted to design a game that could ease a beginner player into these challenges without totally overwhelming them. In some ways this is an impossible task, because every player is different. So during testing I added the “assist” and “help/hint” menus to try to bridge the gap when my design fails in some way for the player.

In terms of challenges -- sometimes I approach level design “backwards”. I make the hardest puzzle/section I can with the tools I have, which might be the final challenge in an area. I then work backwards from that, and figure out ways to introduce the ideas and skills necessary for that final challenge. How can I isolate individual parts for the player to learn separately? What aspects of the challenge can I tweak to make it more forgiving?

Did you do a lot of playtesting? Some developers prefer live playtesting events (like Sri Kankanahalli, Neon Inferno’s creative director, who lives in NY). Were you able to showcase your game at any in-person events during development?

The large majority of playtesting was online with a handful of people. The most useful playtesting was from testers who would record their playthrough with commentary, and I would watch it back and take notes on what they liked, what they struggled with, and anything that didn’t work the way I wanted it to.

I did have a few friends playtest some specific areas in person and those sessions were helpful too. Notably, I had my sister -- whose video game experience is mostly just Animal Crossing -- test the “Slimb Climb” area and she was actually able to complete it within an hour with no prompting from me. This was a very encouraging result, because it did mean it was possible for relative beginners to learn if they had enough patience and determination.

How did you decide that collecting 9 cells would be a good number to “finish” the game and give players a sense of closure?

This was also mostly intuition/vibes. I made the decision after designing all 13 batteries, and I tried to pick a threshold where a slightly above average player would still feel challenged. I want to respect my players and instill a sense of accomplishment -- if too much of the game is optional they’ll suspect they’re missing some part of the experience -- but ultimately I want them to play exactly as much as they want to. There’s no “perfect” place to put it because it varies greatly from player to player, so I just picked one.

I personally feel that the game’s difficulty can sometimes be quite harsh and may occasionally get in the way of the player’s sense of accomplishment. (…)

Why did you decide to add this “extra” difficult segment at the end of an already difficult section tied to a puzzle [Editor’s note:I cut the example from the question to avoid spoilers]? More broadly, when and how do you decide that a section is “difficult enough”? How do you balance the player’s sense of accomplishment with pacing the difficulty? If that makes sense…

I think I tend to value negative emotions and antagonism more than the average developer. To me, interacting with an antagonistic game tells me so much more about the developer than a strictly pleasant one does. A player interacting with a system that is playful and tricks them feels like a direct dialogue between the player and developer, more so than normal design allows. I really value that communication and want that human element to shine through in my design. The player starts to be able to imagine the personality of the person that made the game.

I also don’t like when video games feel rote and predictable, and games start to feel that way when the designer starts following a bunch of invisible rules for what makes a game “good” and “fair”. Video games are sort of inherently unfair -- the code always hides more rules than the game explicitly communicates to you. I’ve heard Dark Souls described as “tough but fair” but that game actively tricks you and often kills you in surprising ways that you could not foresee.

When designing games you make 1000s and 1000s of decisions, and the only way I know how to make that many decisions is with intuition. I do what feels right to me at the moment. Sometimes I’m wrong, and I learn that when people test the game. But I’d never want to completely flatten that variance out of my game. The outside world is messy, and my game design is messy in a way that hopefully reflects the world around me.

Difficulty is just one of the tools I use to surprise the player and I’d never want my design to be so predictable that I ruin that surprise. I don’t use it everywhere because for it to work you want the player to trust you, and deploying it too much ruins the surprise anyway.

Why did you choose to use the terminal to share messages about mental health (I really loved those by the way)?

I’ve struggled with anxiety my entire life, and even though I’m always learning more techniques and ways to deal with it, I suspect I’ll never feel completely free of it. I hadn’t seen my particular brand of “sarcastic self-awareness” depicted before, but that was a mode my younger self operated in a lot of the time. My anxiety made me hyper-aware of myself, which meant I was often very aware of most of the negative effects that anxiety had on my life, but that awareness gave me no ability to fix any of my problems.

It took me a while to learn that that’s a very toxic mindset to be in, and it’s self-reinforcing. Being critical of myself just made my problems worse, and the only way out of that spiral was to be more kind and accepting of myself.

For me that mindset is something I can fall into easily when making things, including this game. So in some ways it’s a reflection of my worst thoughts I could have had while making it, and I thought it also might mirror a particular type of player who’s hard on themselves when they can’t beat a platforming puzzle. So I liked that duality of it, both reflecting a version of me as the developer, and a version of me as a player. I’m telling myself and the other people playing that “it’s okay to fail” and to accept themselves where they are, rather than where they’d like to be.

And finally, could you tell us a bit about yourself? Are you a full-time developer? Where are you from? What pronouns do you prefer?

Sure. My name is John. I use he/him pronouns. I grew up in the rural midwest in the United States and I still live there today. I worked in a corporate environment for about 12 years as a programmer making iPad apps and websites. Eventually the corporate life really wore me down (boredom + stress is a TERRIBLE combination for someone who deals with anxiety) so I quit and gave myself some space to feel out what I really wanted to do. I live very frugally and the cost of living is pretty low in the rural midwest so I had saved up enough money that I had enough of a cushion to do what I wanted for a few years. I learned Godot about 2 years ago, and Derelict Start took about 1 year to develop full-time. I did literally everything for the game -- the graphics, sounds, programming, design, etc, so it took a while for me to get comfortable in some of the skills I felt I was worse at.

Thank you so much for reading this interview and a thousand thanks to Derelict Star’s developer, John Williams, who took the time to answer my questions with such detail and honesty.

PS: Derelict Star’s screenshots were captured on Steam Deck from a commercial version of the game.

Je ne vais pas y aller par quatre chemins. Derelict Star est une petite merveille.

Il m’arrive rarement de tomber sur un jeu qui m’accroche au point d’en rêver la nuit. Qui m’accapare tellement l’esprit, que je le mitraille de screenshots, tel un paparazzi du pixel, pour toujours avoir sur moi des bouts d’écran1. Surtout quand ces derniers renferment une “énigme” dont je n’ai pas encore percé le secret ! Je peux ainsi produire une capture d’écran à tout moment, afin de l’observer tel un Kasparov du pauvre fixant son échiquier.

Le plus étonnant, c’est que je l’ai découvert totalement par hasard. Sur un réseau social en fait - Bluesky - lorsque son développeur solo, gate (alias John Williams), a annoncé sa sortie sur Steam et itch.io début avril. Un jeu indépendant de plus, comme il en sort des dizaines chaque jour, perdu sur Steam comme l’est son héros dans l’espace. Et pourtant, cette improbable découverte, tel un diamant pris dans la lumière, m’a ébloui.

UPDATE : Une fois n’est pas coutume, j’ai également publié (sans l’envoyer sous forme de newsletter) l’interview complète originale, en anglais, du développeur solo John Williams. Vous pouvez la consulter en cliquant sur le lien ci-dessous 👇☺️

Derelict Star est ainsi l’histoire d’une rencontre.

Une rencontre avec un jeu “sorti de nulle part”, mais aussi avec son créateur, qui a accepté de répondre à mes questions avec autant d’honnêteté que de générosité. Mais laissons-le se présenter…

Mon nom est John. J’ai grandi dans le Midwest rural des Etats-Unis où je vis toujours aujourd’hui. J’ai travaillé en entreprise pendant 12 ans environ, en tant que programmeur, pour créer des applications iPad et des sites Internet. Cette vie d’entreprise a fini par m’user profondément (ennui + stress est un combo TERRIBLE pour quelqu’un qui soufre d’anxiété), alors j’ai démissionné pour m’accorder un peu de temps afin de songer à ce que je voulais vraiment faire. Je vis assez frugalement et le coût de la vie est plutôt bas dans le Midwest rural, alors j’avais pu mettre assez d’argent de côté pour faire ce que je voulais durant quelques années.

J’ai appris à utiliser Godot2 pendant deux ans, et le développement de Derelict Star m’a pris un an à plein temps. J’ai littéralement tout fait sur le jeu : les graphismes, les bruitages, la programmation, le design, etc. Ça m’a donc pris un certain temps pour me sentir à l’aise avec quelques-unes des compétences que je maitrisais le moins.

En apprenant qui se cachait derrière ce jeu, le parcours de son développeur, ainsi que le dévouement qui fut nécessaire sa création, je vous avoue ne pas avoir été surpris. Tout dans Derelict Star respire la passion. On sent qu’il s’agit d’un projet personnel, créé avec autant d’attention que de délicatesse. Si l’on peut aisément ranger ce titre dans la catégorie “jeu de plates-formes à l’ancienne”, c’est aussi (et avant tout) un metroidvania, soit un savant mélange de plates-formes ET d’exploration.

Derelict Star nous met en effet dans la combinaison étanche d'un astronaute littéralement perdu dans l'espace. Il se retrouve contraint de rechercher des capsules d'énergie sur un énorme cargo spatial échoué et abandonné, afin de pouvoir faire redécoller son propre vaisseau. Pourquoi êtes-vous ainsi en perdition ? On ne sait pas trop, mais l'IA de votre vaisseau cherche assez clairement à vous faire porter le chapeau !

Quitte à énerver un peu plus celles et ceux qui détestent le mot-valise “metroidvania”3, je vais en rajouter une couche en précisant qu’il appartient même à une sous-catégorie du metroidvania, connue sous le nom de… knowledge-vania. Ou MetroidBRAINia (😅) pour faire bonne mesure et enfoncer le clou dans ladite valise !

Là où le metroidvania repose sur l’obtention de nouvelles capacités et/ou d’équipements ouvrant des chemins jusque-là inaccessibles (comme dans Super Metroid ou Castlevania: Symphony of the Night), le knowledge-vania, lui, ne repose que sur votre expérience et “connaissance” du jeu. Point d’upgrades ici, ni même de combat d’ailleurs, vous avez “juste” votre jetpack et la capacité de sauter pour flotter d’un endroit à un autre.

Derelict Star résiste quelque part à toute catégorisation, et c’est volontaire. J’ai tendance à apprécier les jeux qui explorent ou mélangent des idées de façon inédite. Alors j’ai intentionnellement fait des choix qui bousculaient les tendances.

Ceci dit, j’admets qu’il possède une certaine saveur à la “knowledge-vania”. Avant ce jeu, j’ai créé plusieurs puzzle games gratuits qui s’efforçaient également de donner des leçons aux joueurs à travers le gameplay. J’avais donc déjà pratiqué ce mode de communication via le game design, pour me familiariser avec.

Ce mot - communication - est absolument clé.

Le game design étant aussi la façon dont un jeu communique les règles qui régissent sa jouabilité, sa limpidité est primordiale afin que joueuses et joueurs puissent progresser sans frustration. D’autant plus lorsque le jeu choisit de se draper de mystère ! Cette découverte par la pratique et l’expérience est la base même du knowledge-vania, où l’idée est de vous aiguiller vers le bon chemin, sans pour autant le baliser de panneaux de direction.

C'est un sous-genre que j'adore personnellement, dans lequel je range des titres tels que ElecHead, Öoo, FEZ, Celeste aussi, et dans une certaine mesure le récent jeu indé et chouchou de la critique (à juste titre !) : Animal Well. John, lui, cite plutôt Outer Wilds comme ayant été une source d'inspiration.

Dans Derelict Star, tout repose sur le contrôle de son personnage, soit la prise de vitesse, l’envol (on est équipé d’un jetpack !) et la gestion de son momentum… Une étape absolument cruciale dans la conception du jeu, qui a nécessité bien plus de tests et de réflexion que l’on pourrait l’imaginer.

Pour qu’un jeu soit bon, je suis convaincu qu’il est nécessaire de parfaire le coeur de sa jouabilité. Alors quand j’ai commencé à travailler sur le jeu, je me suis uniquement focalisé sur la physique du saut. Ça m’a pris une semaine de programmation et de chiffres à affiner pour que je sois enfin satisfait du contrôle du personnage.

Après avoir créé des niveaux tortueux dans Mario Maker, je savais d’expérience que je voulais une hauteur de saut très prévisible. Quand tu crées des puzzles (séries d’obstacles), si un saut est techniquement possible, alors tu peux le prendre en compte dans ton “puzzle design”. C’est ce qui rend la création de niveaux à puzzle si difficile dans Mario Maker, ce n’est jamais clair pour le joueur si un saut particulier est possible ou s’il a juste foiré son exécution.

Je voulais que mes sauts soient “faciles” et évidents pour un jeu de plates-formes aux mouvements alignés sur une grille. J’ai ainsi intentionnellement choisi des hauteurs de saut qui donneraient quelques pixels de rab aux joueurs, de manière à ce que les sauts n’aient pas besoin d’être parfaits. Il y avait certains paliers de hauteur que je voulais que le joueur puisse aisément atteindre en fonction de leur vitesse (à l’arrêt, en marchant, ou en courant). Ces paliers facilitent grandement la compréhension et la maîtrise de n’importe quel saut pour les joueurs.

Je dirais que c’est à la fin de cette première semaine d’expérimentations, que j’ai senti que j’avais trouvé le bon “feeling” pour le saut. J’ai encore opéré quelques modifications tout au long du développement (tout particulièrement lors de l’implémentation de nouvelles fonctionnalités comme les plates-formes mouvantes ou les plafonds de slime), mais la sensation de contrôle du personnage a été finalisée très très tôt, avant qu’aucun niveau n’ait été créé en fait. J’ai créé une petite “salle de gym” pour tester la physique et la programmer. Cette physique est très similaire à celle qui est actuellement dans le jeu.

Tout dans le jeu est affaire de précision, de réflexion (les puzzles tournant autour de vos capacités de mouvements et votre capacité à “lire” l’environnement) et… de patience ! Vous avez peut-être noté que John mentionne Mario Maker ? Et vous aurez également probablement remarqué que je fais référence à plusieurs reprises à la difficulté (plus que) corsée du jeu… Hé bien parlons-en !

Parce que Derelict Star s’inspire beaucoup du Kaizo Mario, soit ces réinventions de vieux Mario (comme Super Mario World) en mode ULTRA difficile, créées avec l’idée de challenger (et de torturer) les joueuses et joueurs qui s’y frotteraient.

J’avais même consacré un article au Kaizo Mario, qui est pour moi - à défaut d’avoir la patience de m’y confronter manette en main - le plus savoureux des spectacles.

La difficulté dans le jeu vidéo en général est un sujet qui divise, pour de bonnes et de mauvaises raisons. L’approche punitive de celle-ci, en partie liée à l’héritage arcade du média JV, s’est diluée au fil du temps, à force de mécaniques issues du RPG (constant gain en puissance mitigeant la difficulté), de l’apparition des mondes ouverts, ou encore de la disparition progressive du concept même de “vies limitées”.

Mais la difficulté a redoré son image ces dernières années, avec le succès des jeux à la Dark Souls par exemple ; ou la propension d’un grand nombre de jeux indépendants (Hollow Knight, Crimzon Clover World EXplosion, Cyber Shadow…) à émuler les classiques du passé, y compris dans leur approche de la difficulté ; sans oublier la popularité grandissante du Kaizo Mario à la marge de YouTube et Twitch.

John va maintenant nous parler de l’influence de Mario Maker et du Kaizo Mario sur Derelict Star, ainsi que les raisons qui l’ont poussé à proposer un jeu aussi intransigeant dans sa difficulté.

J’ai en effet créé des niveaux avec à la fois Super Mario Maker 1 et 2. C’est d’ailleurs comme ça que j’ai compris que j’appréciais vraiment le level design. J’ai essayé d’utiliser des éléments et mécaniques sous-exploitées de ces jeux pour ensuite les enseigner aux joueurs à travers des niveaux plein de puzzles bizarres. Dans Mario Maker 2 par exemple, j’ai fait tout un niveau basé sur les mécaniques de roulade et d’accroupissement dans les décors de Super Mario 3D World. Avant Mario Maker je me voyais avant tout comme un programmeur, mais grâce à lui j’ai aussi appris que j’étais un level designer.

Pour les Kaizo hacks de Super Mario World, je m’y suis vraiment mis pendant la pandémie. J’avais attrapé le COVID et je ne pouvais plus faire grand chose en dehors de rester assis. Jouer à des niveaux de Kaizo Mario vraiment difficiles s’est avéré être une distraction bienvenue, parce qu’ils nécessitaient mon entière concentration pour être terminés. Après plusieurs jours d’intense frustration, j’ai commencé à vraiment apprécier le design et la créativité dont faisait montre la communauté Kaizo. C’est un cran au-dessus de Mario Maker en termes d’idées et de liberté d’expression du joueur.

Derelict Star est un jeu qui ne fait pas de cadeau.

S’il ne se hisse pas au niveau de la crème des Kaizo Mario en termes de difficulté, il aborde le jeu de plates-formes avec le même amour masochiste du challenge qui pique. Une difficulté définie par son exigence de précision (au pixel près), son allégeance absolue au Die & Retry (respawn immédiat après un échec, à la Super Meat Boy), et une intransigeance qui pourrait faire voler quelques manettes. Vous avez trouvez Silksong difficile ? Le cosmonaute de Derelict Star va vous faire regretter la souplesse et la versatilité de Hornet !

Ici, pas d’upgrades, d’armes à aiguiser, d’amulettes à équiper… Juste un bouton pour sauter et le même équipement du début à la fin : une combinaison pour se téléporter au dernier checkpoint (en cas de mort imminente) et un Jetpack pour bondir au ralenti tel un cabri de l’espace. Trouver le juste équilibre entre challenge et frustration, faire en sorte que le joueur est envie de s'accrocher, qu'il sente qu'il peut y arriver, a nécessité bien des ajustements…

J'ai créé un jeu de plates-formes sans aucune amélioration (sans upgrade) parce que les jeux qui m'intéressent le plus, sont ceux où l’on améliore ses compétences en tant que joueur et non son équipement. J'ai grandi avec les jeux NES, l'arcade, et les roguelikes traditionnels, ce qui explique que j'adore cette sensation de maîtrise, lorsque quelque chose semble au départ impossible, pour s'améliorer petit à petit, jusqu'à ce que soudainement ça devienne possible. Les améliorations ont tendance à compliquer et diluer ce feeling. Je veux que le joueur ressente un véritable sentiment d'accomplissement, et toute amélioration ou méta-progression risque de le compromettre.

L'équilibrage est essentiellement affaire d'intuition pour moi. Comme je l'ai précisé auparavant, j'adore la sensation de maîtrise dans les jeux et j'ai envie de la faire ressentir à d'autres joueurs qui ne l'ont peut être pas encore expérimentée. Par exemple la plupart des Kaizo Mario visent les experts, et mêmes les "faciles", ceux que les spécialistes du Kaizo recommandent aux débutants, comportent des sections plutôt ardues qui peuvent décourager les joueurs de continuer. J'ai voulu créer un jeu qui pourrait amener un débutant à apprécier ces challenges sans qu'il se sente dépassé. D'une certaine façon, c'est un objectif impossible à atteindre, parce que chaque joueur est différent. Alors durant la phase de test j'ai ajouté les menus "assistance" et "aide/indices" pour combler le gap lorsque mon design échoue.

Si Derelict Star est difficile, il fait beaucoup pour rester accessible.

Les objets les plus difficiles à obtenir dans le jeu (des gemmes appelées q-bit) sont ainsi 100% facultatives. Vous n’avez pas besoin d’en récolter une seule pour finir le jeu et faire redécoller votre vaisseau. Et le jeu est très clair sur ce point, ce sont des challenges bonus pour celles et ceux qui - comme moi - tomberont amoureux du jeu (avec un Succès Steam à la clé tout de même). Votre seul impératif est de récupérer les 9 cellules d’énergie nécessaires à votre décollage, et le monde ouvert de Derelict Star vous en propose 13 !

Donc si l’une d’elle vous résiste, vous pouvez partir explorer ailleurs.

J’ai choisi une structure en monde ouvert parce que je souhaite challenger le joueur sans le noyer. Dans un jeu linéaire, si un joueur butte sur un obstacle, il est forcé d’abandonner. Le monde ouvert adoucie cette difficulté, et les joueurs peuvent choisir les challenges qu’ils souhaitent relever et dans quel ordre. S’ils sont coincés, ils peuvent continuer à jouer en allant ailleurs. Un monde ouvert est une façon de proposer une difficulté dynamique sur laquelle le joueur possède un contrôle direct.

Mais plongeons un peu plus loin dans le cheminement mental et les raisons pour lesquelles certains développeurs, comme John sur Derelict Star, n’hésitent pas à proposer un jeu réglé dès le départ sur le mode Hard. Cette partie de l’interview m’a réellement poussé à réfléchir autrement à la notion de difficulté dans le jeu vidéo…

Je pense que j’ai tendance à valoriser les émotions négatives et l’antagonisme bien plus que la plupart des développeurs. Pour moi, interagir avec un jeu antagoniste en dit plus sur son développeur qu’un jeu “accueillant”. Interagir avec un système qui cherche à vous piéger et s’amuse avec vous crée un véritable dialogue (asynchrone) entre le joueur et le développeur, davantage que ne le permet un design “normal”. Je chéris vraiment cette communication et je souhaite que cet élément humain illumine mon design. Le joueur commence alors à être capable d’imaginer la personnalité de la personne qui a fait le jeu.

Je n’aime pas non plus quand les jeux deviennent mécaniques et prévisibles, et ils commencent à le devenir lorsque le concepteur se met à suivre tout un tas de règles invisibles censées définir ce qui rend un jeu “bon” et “juste”. Mais les jeux vidéos sont fondamentalement injustes, le code camoufle toujours plus de règles qu’il ne vous en communique explicitement. J’ai entendu Dark Souls décrit comme étant “dur mais juste”, mais ce jeu cherche tout le temps à vous piéger et vous tue souvent de façon imprévisible.

Quand on crée des jeux, on prend des milliers et des milliers de décisions, et la seule façon que je connaisse pour en prendre autant, c’est avec mon intuition. Je fais ce qui me semble approprié sur le moment. Parfois je me trompe, et je l’apprends lorsque les gens testent le jeu. Mais je ne souhaite pas atténuer cette sensation dans mes jeux. Le monde extérieur est compliqué, et mon game design est compliqué d’une façon qui, je l’espère, reflète le monde autour de moi.

La difficulté est simplement un outil que j’utilise pour surprendre le joueur, et je ne veux pas que mon design devienne prévisible au point de ruiner cette surprise. Je ne l’utilise pas partout parce que pour qu’il fonctionne, il est nécessaire que le joueur vous fasse confiance. Et puis l’utiliser trop souvent ruinerait aussi la surprise.

En jouant à Derelict Star, j’ai réellement eu la sensation d’apprendre à connaître son créateur. Lorsque je pestais sur une série de sauts particulièrement difficile, j’ai pensé à ces joueurs de Kaizo Mario qui maudissent (avec le sourire) son développeur (qu’ils connaissent la plupart du temps, voire mentionnent par son nom, lorsqu’il n’est pas dans le chat de leur stream !), tout en s’extasiant sur l’ingéniosité et l’inventivité dont il a fait preuve pour les challenger (ou les tuer).

Derelict Star est un jeu qui m’a parlé.

Y compris lorsque ses terminaux, entre deux blagues liés à votre crash et au teasing de l’IA du vaisseau, sont utilisés par John pour faire passer de touchants ou troublants messages sur la santé mentale… Des messages qui parleront à beaucoup d’entre nous.

J’ai lutté avec l’anxiété toute ma vie, et même si j’apprends toujours de nouvelles techniques et façons de la gérer, je crains que je ne pourrais jamais complètement m’en débarrasser. Je n’avais pas vu ce trait de personnalité - ma sarcastique lucidité - dépeint auparavant, mais c’est un mode que mon moi plus jeune a souvent adopté. Mon anxiété me rendait hyper conscient de moi-même, ce qui signifie que j’étais parfaitement lucide quant aux effets négatifs qu’elle avait sur ma vie, sans que cette lucidité ne m’offre la moindre solution. Ça m’a pris un moment pour saisir à quel point cet état d’esprit était incroyablement toxique, et qu’il s’auto-alimentait. Être à ce point critique avec moi ne faisait que renforcer mes problèmes, et la seule façon de me sortir de cette spirale était de m’accepter tel que je suis et d’être plus indulgent avec moi-même.

Il est facile pour moi de retomber dans cet état d’esprit lorsque je crée des choses, y compris ce jeu. Alors d’une certaine façon, c’est une réflexion des pires pensées que j’ai pu avoir en le faisant, et je pense aussi qu’il reflète celles d’un certain type de joueurs, qui sont particulièrement durs avec eux-mêmes lorsqu’ils ne parviennent pas à progresser. J’aime cette dualité, qui reflète à la fois qui je suis en tant que développeur, et qui je suis en tant que joueur. Je me dis, ainsi qu’aux autres joueurs, que “ce n’est pas grave d’échouer” et qu’il faut s’accepter tels que nous sommes, plutôt que tels que nous aimerions être.

Je n’ai rien de plus à ajouter. Si ce n’est que Derelict Star est un jeu qui m’a plu à tellement de niveaux, que je suis TRÈS heureux de le partager aujourd’hui avec vous grâce à cette newsletter.

J’espère sincèrement qu’il va pouvoir trouver son public, et que nous serons nombreuses et nombreux à faire décoller cette merveille perdue dans l’espace (des jeux Steam / itch.io).

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été prises par mes soins, sur ma Steam Deck, via une version commerciale de Derelict Star. Les images de Outer Wilds et Super Mario Maker 2 sont tirées de leurs sites officiels, et celles de Grand Poo World 2 de SMW Central et de la vidéo du speedrun de MitchFlowerPower lors de la Summer Games Done Quick 2019. Un IMMENSE merci, aussi, à gate / John pour avoir répondu à mes questions avec une telle générosité. Son interview a été traduite de l’anglais par mes soins.

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

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Et si l’avenir du jeu vidéo, c’était le rétro ?

Parce qu’à la vitesse où vont les choses, on ne sait pas trop quand la prochaine génération de consoles va arriver, ni à quel prix ! 😭 Avec une industrie de l’IA qui dévore les composants nécessaires à la fabrication de nos machines tel un ogre affamé ; des fabricants de processeurs qui vendent des promesses graphiques aux allures de cauchemar (vous avez du entendre parler de l’epic fail médiatique de l’annonce du DLLS 5 !) ; et le prix des PS5 qui explose une seconde fois… on se dit qu’on est bien mal barré.

En fait, pour être tout à fait honnête, on ne sait même pas si on a vraiment envie (ou besoin) d’une nouvelle génération de consoles ! C’est le sujet de notre MATSU - la portion la plus calorique en pixels du podcast - où toute l’équipe fait le point sur la next gen et s’interroge sur ses envies quant à l’avenir de notre média.

Une petite faim pour un reportage plein d’amour et de rétro ?

Alex Pilot à la réalisation, Jojo au montage, Axel au mix… La chaîne TV Nolife renaît de ses cendres un bref instant pour Pixel Bento et Nolife Z (un rendez-vous mensuel à ne pas manquer sur Twitch) !

Un immense merci à Alex pour avoir une nouvelle fois accepté de diffuser - en audio dans le podcast, et en vidéo dans cette newsletter - l’un de ses reportages. Celui-ci a été tourné fin février à Meaux, lors du festival Retro Gaming Play 👇

Petit point sur la campagne Kickstarter (présentée dans le reportage 👆) de Frédérick Raynal, légendaire développeur français de classiques tels que Alone in the Dark et Little Big Adventure !

Le financement participatif du remake sur Mega Drive de son "vieux" casse-briques PopCorn (accompagné de son périphérique dédié) a levé - au moment où j'écris ces lignes - 40 000 euros sur les 60 000 nécessaires à sa concrétisation. Si vous souhaitez en savoir plus sur ce projet, cliquez-ici, il reste une quinzaine de jours pour le soutenir.

Dans les coulisses de la création des anime Ghost in the Shell

L'arrivée imminente (en juillet) de la nouvelle série Ghost in the Shell, mais aussi le fait que le long-métrage de Mamoru Oshii ait fêté ses 30 ans fin 2025, a une nouvelle fois propulsé cette franchise culte sous les projecteurs.

Une énorme exposition consacrée à l’auteur du manga, Masamune Shirow, a ainsi ouvert ses portes en 2025 - je lui avais dédié un article intitulé Le cyberpunk s’invite à Tokyo ! - et tout récemment ce sont les nombreuses adaptations anime qui étaient à l’honneur au Japon de fin janvier à début avril.

Il est maintenant temps de s’intéresser à nos TAKE !

C'est Nicolas qui ouvre le bal avec Resident Evil Requiem, jeu dont j'ai déjà pu parler dans cette newsletter en le rapprochant d'un certain type de cinéma, plutôt porté sur l'hémoglobine !

Dans le podcast, c'est toute l'équipe qui craft des avis aussi tranchés que peuvent l'être des zombis face à un Léon adepte de la machette ! On évite au maximum de spoiler le jeu, tout en soulignant le remarquable travail de Capcom sur un titre qui se réapproprie les piliers d'une franchise mythique ayant connu des hauts et des bas.

Marc enchaîne avec Mushishi (蟲師, alias "Le Maître des Insectes"), et tout particulièrement la série animée diffusée de 2005 à 2006. Basée sur l'oeuvre illustrée et scénarisée par la mangaka Yuki Urushibara, on y suit les pérégrinations de Ginko, qui a la particularité de percevoir les mushi. Contrairement à ce que le kanji 蟲 pourrait laisser penser, ce ne sont pas des insectes, mais des créatures surnaturelles capables d'impacter tragiquement la vie des humains à leur proximité. Une série dont Marc nous parle avec passion et émotion.

Enfin, de mon côté, j'ai finalement craqué et acheté Ninja Warriors: Once Again après avoir tant aimé l'incroyable remake de Kage, alias Shadow of the Ninja: Reborn, bijou de gameplay auquel j'ai consacré une newsletter en 2024.

Ninja Warriors: Once Again est sorti en 2019. Mais tel un ninja, il restait tapi dans un coin de ma mémoire, prêt à surgir à la moindre éclaircie sur mon planning. Beat'em all aux personnages variés et à la jouabilité exigeante, il se démarque aussi par ses superbes graphismes au pixel art 16-bit, devenus la signature de TENGO Project.

On doit à cette équipe de vétérans ayant débuté dans les années 80, d'autres réussites telles que Pocky & Rocky Reshrined (2022) et WILD GUNS Reloaded (2016).

Le classique méconnu que je mentionne dans le podcast comme étant le titre que j'adorerais voir remaké par cette équipe, s'appelle Shatterhand ! Cliquez-ici pour voir une vidéo du streamer américain Grand POOBear en train de découvrir le jeu sur NES.

Cette newsletter dédiée à l’épisode 64 du podcast Pixel Bento touche à sa fin !

Merci à toutes et à tous de l’avoir lu jusqu’au bout, de nous écouter aussi, et de régulièrement participer en laissant de savoureux commentaires en fin de newsletter, dont je partage régulièrement des extraits dans le podcast 😊

C’est toujours un plaisir de vous lire, alors n’hésitez pas !

Et pour conclure, voici deux vidéos sur des sujets abordés par Marc en toute fin de podcast : l’histoire invraisemblable d’une bande originale Resident Evil qui a fait jaser, et celle des studios qui ont contribué (très tôt) à créer la légende de la Mega Drive !

PS : Un immense merci à Marc et Alex pour leurs photos ! L’image de Mushisi est issue du site IMDB, celle de Ninja Warriors: Once Again de sa page Steam ; la capture d’écran de Resident Evil: Requiem ayant été réalisée par mes soins sur PS5, à partir d’une version fournie par l’éditeur.

Un lieu comme ce petit coin de forêt du côté de Nikkō, à trois heures de Tokyo, découvert avec mon épouse il y a quelques années…

Cet endroit, appelé Kanmangafuchi (les gorges de Kanman), où nous sommes retournés récemment, est un petit chemin le long de la rivière Otani, bordé par plus de 70 statues Jizō. Le lieu est isolé, et nécessite pour y accéder de s’éloigner du centre névralgique de Nikkō, et de traverser quelques zones d’habitation peu fréquentées.

Et ce sont bien sûr les statues Jizō qui lui confèrent sa magie.

Alignées le long du chemin qui suit le cours de la rivière en contrebas, ces statues de pierre ne passent pas inaperçues. Elles ont en effet la tête couverte d’un bonnet de laine rouge (le plus souvent) et d’un tablier de la même couleur. Taillées à l’image du bodhisattva1 Jizō Bosatsu, on les associe au Japon à la protection des voyageurs et des enfants.

Ces statues dégagent une énergie assez unique. Leurs visages sont tous différents, malgré d’évidentes similitudes et le fait qu’elles exhalent une même sérénité communicatrice.

On se sent bien parmi elles, apaisé. Légèrement courbées vers l’avant, les yeux fermés, le visage détendu, rien ne semble pouvoir les affecter, pas même le passage du temps. À leurs bonnets et tabliers rouges s’ajoutent ainsi des robes de mousse aux multiples tons de vert, qui recouvrent leurs socles pour remonter, parfois, jusqu’à leurs épaules, comme pour les préserver du froid.

Ce manteau de mousse leur confère un supplément de majesté, en les ancrant dans le cadre naturel qui les accueille. Et le stress que l'on transportait avec nous, tel un indésirable sac à dos, ne résiste guère longtemps au calme de ces paupières, que l'on sait dissimuler des yeux exempts de jugement.

Tout, dans le visage de ces statues, semble nous encourager à prendre une grande inspiration, à s'arrêter un instant, pour un moment de méditation dont on ne peut que ressortir allégé(e)s. Comme le vert de leur manteau de mousse, le gris de la pierre n'est pas uniforme, mais se trouve enrichi par les mouchetures blanchâtres du lichen. Le passage du temps, même ignoré, s'imprime ainsi sur leur visage comme sur le nôtre, sans que cela ne les perturbe le moins du monde.

Les lèvres apportent un doux relief à ces visages, autrement impassibles, par leur expressivité. Tantôt souriantes, parfois pensives, ou légèrement pincées, ce sont elles qui contribuent à donner à ces sculptures leur individualité. Il est difficile de résister à l’envie de les observer de longues minutes pour tenter d’y déchiffrer un message. Peut-être une pensée ou un conseil qu’elles chercheraient à nous transmettre ?

Mais le plus incroyable c’est qu’elles sont capables d’exprimer et de provoquer une émotion sans l’aide… d’un visage ou même d’une tête.

Car c’est nous, finalement, qui octroyons un sens aux lieux qui nous touchent, ou ce supplément d’âme qui nous poussent à s’y arrêter un instant, même si c’est pour les mitrailler de photos comme des maniaques… (Pour les partager ! Et les garder à proximité 😅)

Certains lieux nous sont chers pour des raisons plus personnelles, parce qu’on les associe à des souvenirs chers. Comme ce petit coin du parc Shinjuku Gyoen dans le film d’animation 5 Centimètres par seconde de Makoto Shinkai. Il suffit parfois que l’on investisse ce lieu de notre vécu, pour le rendre « magique ». Il n’a même pas besoin d’être beau, spécial, ou d’héberger 70 statues Jinzō.

Comme tant de monuments au Japon, ces statues ont été emportées par un cataclysme naturel (ici une inondation) en 1902, pour être reconstruites bien des années plus tard, en 1973.

Je suis heureux que cet endroit ait été reconstruit pour offrir un petit moment de répit aux voyageuses et voyageurs de passage, leur offrant l’opportunité de reprendre leur souffle en constatant que le monde peut aussi se montrer beau et rassurant.

Voilà, c’était l’un des lieux qui me font du bien, comme celui (qui abritait aussi plein de statues, 500 au lieu de 70 !) que j’avais partagé dans cette même newsletter en 2023.

N’hésitez pas à partager l’un des vôtres en commentaire, si vous le souhaitez bien sûr. Ou pensez-y un instant, avant d’essayer d’y retourner prochainement, pour faire le plein de bonnes ondes ☺️

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins.

Les interviews réalisées par e-mail possèdent la silencieuse incertitude de la pêche à la ligne…

Tu lances tes questions sans jamais vraiment savoir si elles vont “accrocher”, ou si les réponses remontées seront minuscules ou suffisantes pour concocter le plat que tu imaginais.

Lorsque j’ai envoyé mes questions à Sri, le directeur créatif (mais aussi game designer et programmeur) de l’excellent Neon Inferno, j’étais nerveux. En pleine fringale d’infos après avoir terminé le jeu avec mon épouse, j’avais très envie d’en savoir plus sur la manière dont cet étonnant run and gun fut développé. Et j’étais vraiment curieux, pour ne pas dire fébrile (tant j’ai aimé le jeu), de connaître les réponses à certaines de mes questions.

Neon Inferno avait TOUT pour me plaire. Un jeu au pixel art éblouissant et au gameplay nerveux, jouable en “coop’-canapé”, pour reprendre l’expression définissant ces softs que l’on peut apprécier à deux sur le même écran, comme Cuphead par exemple, ou Huntdown pour rester dans le genre run and gun. Un jeu, aussi, au parfum délicieusement années 80, comme l’attestent les références de Sri Kankanahalli.

Je joue au run and gun depuis mon enfance. Le premier que j’ai pu faire… C’est assez difficile de s’en rappeler mais je pense que ça a du être Mega Man 2, via l’émulation sur PC, lorsque j’avais 9 ou 10 ans. J’ai découvert la série grâce un vieux fan-comic appelé Bob & George, qui a été quelque peu oublié depuis, mais fut très populaire sur Internet à l’époque.

Les Mega Man ont été mes premiers run and gun (j’ai joué à tous les volets de la série principale, plus ceux de la série X jusqu’à X4, et aux deux premiers Zero) et à partir de là j’ai découvert Contra, Shinobi, Metal Slug et beaucoup d’autres.

Ce qui distingue les run and gun, c’est le fait qu’ils sont les plus cools et les plus cinématographiques du genre action 2D. Ils sont peut-être moins intenses que les shoot’em up et les jeux de baston, mais ils compensent avec un meilleur world-building, un scope plus large et une mise en scène plus travaillée.

Là, je ne peux qu’être d’accord. Il est bien plus facile de parler des décors, des séquences d’action et des personnages d’un Metal Slug, que d’un Street Fighter 2 ou d’un Dodonpachi.

Neon Inferno m’a d’ailleurs surpris par sa capacité à créer un feeling cinématographique, tout particulièrement dans sa façon d’introduire des séquences d’action à la chorégraphie soigneusement travaillée, comme pour être aisément capturée par une caméra (ou ici, l’oeil d’une joueuse ou d’un joueur !).

Des séquences mémorables, inoubliables même, lorsque l’on parle de classiques du 7ème art tels que Piège de Cristal, Terminator 2 ou Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin ! Neon Inferno utilise ainsi des décors devenus passages obligés du film d’action, comme ces séquences dans une boîte de nuit bondée ou sur les toits d’une ville. En fait, on a l’impression que Sri et son équipe ont approché le level design du jeu comme le ferait un réalisateur de film d’action.

C’est le meilleur compliment que j’ai jamais reçu. Je suis un énorme cinéphile, alors les conventions des films d’action et des films noirs étaient toujours dans un coin de ma tête lorsque je concevais les niveaux de Neon Inferno. Mais bien sûr, le jeu vidéo d’action est un tout autre animal que le film d’action. L’action dans un jeu vidéo, tout particulièrement lorsqu’il est en 2D, doit être à ce point sans répit qu’elle en deviendrait ridicule dans un film. John McClane tue une douzaine de personnes dans Piège de Cristal, ce qui doit correspondre, je pense, aux 30 premières secondes de Neon Inferno. L’une des règles de notre level design était de ne jamais ennuyer les joueurs en les maintenant à un endroit pendant trop longtemps. Toujours être en mouvement, toujours introduire de nouvelles choses. Il y a quelques décors incroyables au sein desquels j’aurais adoré passer plus de temps… Comme la piste de danse du nightclub, inspirée par Collatéral ; ou l’opéra, de Mission Impossible: Rogue Nation ; ou les voitures volantes, de Minority Report. Mais m’attarder trop longtemps dans ces décors aurait pesé sur le rythme du jeu.

Une autre règle de level design fut de garder les environnements aussi réalistes que possible, en tenant compte des contraintes du genre. Ça signifie que l’on a écarté de nombreuses conventions du jeu de plates-formes, comme ces surfaces qui flottent dans les airs, un design de niveau arbitraire ou des bonus à collecter. Chaque élément visuel devait être un minimum plausible et justifié. On voulait que le jeu nous donne le sentiment d’évoluer dans une ville, ou au moins un paysage urbain. Nous ne sommes pas complètement parvenus à atteindre cet objectif, on a du faire des concessions à plusieurs endroits, mais je pense néanmoins que cela a contribué au feeling cinématographique que tu as souligné.

Neon Inferno possède une autre particularité, celle de mixer l’approche classique du run and gun - j’avance et je shoote - avec celle du gallery shooter à la Cabal / Virtua Cop - où l’on tire “dans le fond”, les ennemis apparaissant dans les décors comme ces ballons en mouvement que l’on dégomme dans les fêtes foraines ! Sri précise avoir joué avec l’idée de mixer ces deux mécaniques de jeu “arcade” après la sortie de son premier projet, Steel Assault, fin 2021.

L’idée était de proposer un jeu avec des environnements encore plus interactifs et destructibles, et c’est grâce aux conseils d’un ami et après avoir terminé le Wild Guns de Natsume, que Sri s’est convaincu de son bien-fondé. Mais s’assurer que ces deux dimensions de tir (2D et 3D, ou axes x/y et z) soient facilement différentiables et correctement communiquées aux joueuses et aux joueurs, a requis un soin tout particulier.

La chose la plus importante (et ça va sembler évident) est que les ennemis “dans le fond” soient plus petits que ceux du premier plan, et positionnés plus loin dans le décor, loin de la caméra. En pratique, cela signifie que chaque scène devait être conçue en ayant tout le temps cette notion de profondeur à l’esprit, un peu comme si l’on créait un décor en 3D et non en 2D. Par exemple, si l’on concevait une pièce, alors elle devait être assez large, sinon les sprites en arrière-plan ne pouvaient pas apparaître avec la taille requise. Si la géométrie des lieux était claire pour le joueur, et si les ennemis “du fond” étaient correctement positionnés tout en aillant la bonne taille, alors le joueur faisait naturellement la différence entre le premier et le second plan.

Neon Inferno a également profité d'une approche centrée sur les graphismes, ce qui a pu aider dans la définition claire de ces deux plans. Tous les éléments graphiques requis pour une scène étaient ainsi été créés, avant qu'elle soit programmée. L'équipe a utilisé très peu de "grey-box prototyping", qui consiste à créer une séquence de jeu avec des éléments provisoires, les personnages et objets du décors étant généralement représentés par de simples blocs. Une méthode qui a forcément conduit à un peu de travail perdu, mais pas trop d'après Sri !

Le fait de programmer les scènes avec des éléments graphiques détaillés a sans doute aiguillonné l'équipe a poussé encore plus loin le réalisme, à l'image de ces ennemis qui chutent dans les escaliers une fois abattus (comme le feraient les cascadeurs d'un film d'action !). Sri et les animateurs ont en effet jugé que ça semblait bizarre s'ils s’écroulaient sur place sans rouler jusqu’en bas des marches !

Afin de bien équilibrer le jeu et s’assurer de sa lisibilité tout autant que de sa jouabilité, Sri s’est également arrangé pour tester Neon Inferno “en live“ au moins une fois par mois, et même une fois toutes les deux semaines.

Mais comment cela a-t-il été possible pour un jeu développé par une petite équipe éclatée aux quatre coins du monde ?

Si Sri vit à New-York, le talentueux directeur artistique du jeu, Christopher Anry (alias Kryssalian), vit en France ; les animateurs / artistes du pixel Mário Santos et Ben Adendorff habitent respectivement au Brésil et en Afrique du Sud ; tandis que les musiques ont été composées par Joseph Bailey en Angleterre et Gonzalo Varela en Uruguay. Sans oublier les illustrateurs japonais Jun Tsukasa, Hiroko Itatani et Yaa !

Une équipe internationale, pour un développement qui s’est entièrement déroulé en remote sur Discord (essentiellement via des discussions chat).

Mais New-York est une grande ville, pleine d’opportunités pour tester un jeu en cours de développement.

J’ai pris le jeu avec moi pour le faire “playtester” dans la région de New-York. Il y a des événements qui se tiennent chaque mois dans la salle d’arcade Wonderville par exemple, et dans une autre appelée BrookLAN. Et puis le NYU Game Center (l’Université de NY) accueille des playtests hebdomadaires pendant le semestre. Les développeurs locaux peuvent venir et faire tester leurs jeux gratuitement ou pour une petite participation. J’ai aussi travaillé avec des testeurs en ligne, qui ont tendance à être plus hardcore que le public des événements précités. On a donc pu bénéficier d’une grande variété de perspectives durant le développement.

Neon Inferno est un jeu ambitieux. On a déjà vu qu’il intégrait un panel d’attaque varié, comme le changement d’axe avec le tir en profondeur. Mais il ne s’arrête pas là !

On ainsi un double saut ; une roulade ; la possibilité de se suspendre à des éléments du décor ; des attaques spéciales à usage unique que l’on achète en boutique ; mais aussi et surtout une mécanique de parade avec bullet time intégré, pour renvoyer un projectile ennemi (ceux de couleur verte) dans la direction que l’on souhaite. Une mécanique inspirée de Mega Man Zero et Hard Corps: Uprising.

Au départ on voulait ajouter des sauts d’esquive en slow motion à la Max Payne, mais nous ne sommes jamais vraiment parvenus à les faire fonctionner. Alors on a intégré la possibilité de ralentir de temps à la mécanique de parade.

Et puis Neo Inferno peut se jouer à deux, ne l’oublions pas !

C’était crucial pour nous ! J’aurais cependant aimé que l’on puisse intégrer le coop’ en ligne au lancement du jeu. Ceci dit, rien n’est impossible, et on pourrait avoir quelque chose à montrer dans pas longtemps.

Avec toutes ces options et possibilités, les playtests étaient en effet une nécessité. Mais j’ai aussi noté dans les crédits la présence d’un certain Boghog parmi les testeurs ! Un nom connu des fans de shoot’em up puisqu’il a été game designer sur le superbe Gunvein sorti en 2021 par le studio allemand NGDEV. Il est aussi connu pour ses vidéos YouTube décryptant certains genres emblématiques de l’arcade, comme le beat’em all, le shmup et… le run and gun bien sûr.

Boghog nous a donné énormément d’excellents retours tôt dans le développement. Il nous a envoyé un document long de six pages qui nous a aidé sur des points comme la visibilité des balles et des projectiles, la façon d’annoncer une attaque, le hit-stun, et bien d’autres. Mais aussi sur des aspects plus nuancés liés aux contrôles et au level design.

Chaque genre possède ses joueurs ultra-hardcore qui sentent dans leurs tripes quand quelque chose ne va pas, mais très peu savent comment communiquer pourquoi ça ne fonctionne pas et ce qu’il faut faire pour y remédier. Si peu qu’il y a un dicton chez les développeurs qui dit : “Les joueurs ont presque toujours raison quand ils trouvent un problème, mais n’ont quasiment jamais la bonne solution pour le corriger”. Alors si vous trouvez un joueur comme Boghog, qui peut mettre le doigt à la fois sur les problèmes et les solutions, cette personne vaut son pesant d’or.

Voilà, ce sont toutes ces petites questions, auxquelles Sri a gentiment accepté de répondre, qui titillaient ma curiosité après avoir terminé Neon Inferno (en mode Normal et Difficile s’il vous plaît ! :p).

Un jeu qui possède aussi ses petits défauts, comme ces passages en scrolling forcé où les sauts de nos personnages semblent nous échapper quelque peu… On notera aussi qu’il se termine assez vite (on peut finir le mode Normal en 3/4h sans soucis), puisqu’il possède la durée de vie et la courbe de difficulté typiques des jeux d’arcade des années 80/90. Mais comme ces derniers, c’est un run and gun que l’on refait avec plaisir pour tenter de s’améliorer et se lancer ses propres défis, comme le finir sans utiliser de continue (à l’ancienne, en 1CC - One Credit Clear !).

Là, c’est aussi le feeling ciné du jeu qui ressort. Il est facile de se prendre pour un cascadeur tentant d’exécuter sa chorégraphie à la perfection afin de créer la séquence d’action la pluie fluide et la plus classe possible ! Mieux comprendre, grâce à cette interview, le sentiment d’être sur le tournage d’un film dans les années 80, que j’ai pu ressentir en jouant à Neon Inferno, fut un vrai plaisir.

Mais quid de la question qui donne son titre à cet article ?

Pourquoi diable le jeu vidéo, et particulièrement les jeux pixel art, portent les couleurs néon avec un telle élégance ?

Je pense que le pixel art se prête naturellement aux couleurs saturées et aux contrastes marqués, une esthétique que l’éclairage néon vient toujours joliment complémenter. Et puis il y a sans doute aussi un lien entre le halo diffus du néon et celui, tout aussi flou, des écrans des vieilles télés cathodiques. Enfin, les pixels comme le néon évoquent tous les deux les années 80 et 90, et c’est certainement pour ça qu’ils vont si bien ensemble.

Sri a tout à fait raison. Le jeu vidéo et les tubes cathodiques vivent en symbiose depuis si longtemps qu’ils ont fini par former un duo dépendant l’un de l’autre, qui affiche (littéralement) une indéniable harmonie. Un peu comme ce petit oiseau appelé pic-boeuf, inséparable partenaire d’un certain nombre de grands ruminants, comme le buffle ou la girafe. Ces petits oiseaux sont ici les pixels, suspendus à nos gros postes TV des années 80 !

La couleur néon est aussi celle d’une certaine idée du futur, qui passe par la domination des écrans. Comme dans Blade Runner, ils peuvent être démesurés pour s’emparer des façades des immeubles ; ou sources de propagande secrète (They Live) ; éclatés dans des rues au parfum de rébellion (Akira, Brazil) ; lorsqu’ils ne forment pas le cadre même d’un certain futur numérique (Tron).

Et quand on se dit que l’avenir du jeu vidéo sera peut-être rétro (aura-t-on vraiment une autre génération de consoles “next gen” ?), on se dit que les couleurs néon n’ont jamais été autant d’actualité.

PS: Toutes les images de Neon Inferno illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale PlayStation 5. Les images de Gunvein, Steel Assault, Bob & George, et Wild Guns Reloaded sont tirées de leurs sites officiels ou de leurs pages Steam, tout comme les illustrations de Jun Tsukasa. Le décor de Neon Inferno réalisé par Christopher Anry (Kryssalian) provient de son compte Bluesky. Et bien entendu, un immense merci à Sri Kankanahalli pour avoir pris le temps de répondre à mes nombreuses questions via e-mail au cours des mois de mars et avril.

Lorsque j’ai vu passer dans la newsletter quotidienne de Koub la bande-annonce de Picross S Konami Antiques, qui sort le 30 avril prochain sur Switch, ma réaction a été un : “Ooooooooh“ satisfait, aussi immédiat qu’incontrôlé, qui m’a proprement terrifié.

Que s’est-il passé dans ma vie de joueur (ma vie tout court ?) pour que l’annonce d’un nouveau jeu Picross provoque une telle réaction pavlovienne ?

Parce qu’il est évident que Picross appartient à la même famille que ces jeux pour enfants où l’on relie des points numérotés afin de révéler un dessin représentant généralement un animal (une oie la plupart du temps) ou un personnage populaire (Pikachu généralement). À la différence prêt, qu’ici c’est à nous de déduire les numéros, ce qui n’est pas sans rappeler le sudoku, soit un autre “jeu de magazine télé” pour celles et ceux qui ont connu l’époque des Télé Poche et autres Télé 7 Jours avec leurs pages BD & Jeux (après vérification, et aussi fou que cela puisse paraître à l’heure d’Internet et du smartphone, je m’aperçois qu’ils existent toujours !).

Vous l’aurez compris, quand on commence à parler “programme télé”, “magazines de jeux” et “sudoku“, il est assez évident que l’on est plus proche de la génération Minitel que TikTok…

Mais il n’en reste pas moins que si vous me proposiez - là tout de suite - de jouer à Crimson Desert ou n’importe quel Picross, je choisis “n’importe quel Picross“ sans une once d’hésitation. Pour ma défense, Picross est un jeu brillant et un “genre” plus riche qu’il n’y paraît. Si, si.

Si l’on se réfère à sa page Wikipédia japonaise, il aurait été inventé à la fin des années 80 par deux personnes : Non Ishida et Tetsuya Nishio, indépendamment l’une de l’autre ! Ces deux spécialistes du puzzle ont publié leurs créations dans la presse, puis dans des livres dédiés, sous les noms de Nonogram (ののぐらむ) pour la créatrice Non Ishida et de “Logique d’image“ (traduction littérale de Oekaki rojikku / お絵かきロジック) pour Tetsuya Nishio.

Et ce n’est qu’en 1995, sous l’impulsion de Nintendo, de Ape Inc. (le studio derrière Mother, aujourd’hui rattaché à la Pokémon Company sous le nom de Creatures Inc.) et surtout du jeune studio kyotoïte Jupiter (fondé en 92), qu’il prendra le nom de “Picross“ (Picture + Crossword) pour la sortie de Mario’s Picross sur Game Boy1.

On notera que quelques mois après la sortie de Mario’s Picross, en septembre 1995, Sunsoft sortira aussi son propre jeu à base de grilles aux bords chiffrés, sur PlayStation d’abord et uniquement au Japon, sous le nom de O-chan no Oekaki rojikku.

Jouer à Mario’s Picross, comme je l’ai fait avec une indéniable avidité ces dernières années sur les chaînes rétro Game Boy et Super Famicom du service Switch Online (mais aussi sur DS et 3DS), pour une bille en maths comme moi, est aberrant. Parce que l’on compte en jouant à Picross, on compte beaucoup…

Pour celles et ceux qui ne connaissent pas le principe du jeu, ce n’est pas compliqué.

Vous avez des grilles de tailles variables, qu’il faut “remplir” en fonction des indices chiffrés situés à la verticale et l’horizontale de celles-ci. Un 7 et un 5 à côté d’une ligne horizontale signifient que sur les 15 cases qui la composent, 7 puis 5 (avec au moins un espace vide) de ces cases sont “remplies”. Il faut donc les noircir d’un coup de crayon ou d’un coup de burin dans le cas de la version Game Boy.

Et lorsque toutes les cases sont noircies, elles forment un dessin pixel art, ou autrement dit une mosaïque représentant un objet du quotidien, ou un perso / bonus / monstre de l’univers Mario. 👇

Mais le mieux est encore d’essayer par vous-mêmes !

Que ce soit en téléchargeant l’une des démos jouables sur Switch, ou en cliquant sur l’image ci-dessous pour essayer une grille promotionnelle et jouer directement dans votre navigateur sur le site Jupiter.2 👇

Je pense que l’un des attraits de Picross, pour moi en tout cas, provient de la surprise du dessin qui se dévoile sous nos yeux et que l’on révèle à la fin, avec parfois une petite animation à la clé comme dans Mario’s Super Picross sur Super Famicom (une suite uniquement sortie au Japon).

En jouant à Mario’s Picross, j’espère toujours découvrir une illustration ayant un rapport avec Nintendo (Yoshi !), la culture japonaise (Sumo !) et non une banale cuillère, ou pire encore, un type dans sa baignoire.

Et ça, le studio Jupiter l’a bien compris puisqu’il a multiplié depuis une petite dizaine d’années les collaborations avec des éditeurs autres que Nintendo, comme Sega, Namco, SNK, Capcom et maintenant Konami, mais aussi avec des franchises telles que Sanrio (Hello Kitty, etc.), Doraemon ou encore la YouTubeuse virtuelle Juufuutei Raden !

Pour les collab’ JV, vous aurez noté que les partenaires choisis sont des “seniors” possédant de riches catalogues de licences 8 et 16-bit. Le jeu rétro et son esthétique pixel art se prêtent en effet à merveille à l’exercice Picross. Ces éditions spéciales portent ainsi des noms comme : Namco Legendary Edition, SNK Classics & Neo Geo Edition ou carrément Konami Antiques Editions !

Pour revenir sur le titre de cet article, je me rends bien compte que ces choix d’adjectifs surannés et ce fort penchant pour le retrogaming ne jouent pas en ma faveur… Quand l’éditeur du jeu surfe à ce point sur la nostalgie, il apparaît assez évident que le public visé ne soit pas de la première jeunesse, si j’ose dire 😅

La formule Picross a bien évolué depuis 1995 et sa première itération sous le parrainage de Mario. Avec la série "S" (pour Switch), qui fait suite à la série "e" de la 3DS, les grilles de puzzle ont gagné en couleurs, en modes (Time Attack, Tutoriel, etc.), en nombre de joueurs (jusqu'à 4 en même temps dorénavant), en taille aussi. Certaines grilles peuvent ainsi monter jusqu'à 30x30 cases, voire 40x30, et d'autres se réinventent en pièces de puzzle pour venir former des illustrations de taille XXL.

Bref, s’il navigue sur les eaux - ô combien lucratives - de l’océan nostalgie, Picross a également su évoluer au-delà de la frontière papier et ses limitations, pour réellement tirer partie des possibilités offertes par le jeu vidéo.

D’autres expériences ont également été tentées par le passé, comme celle de l’excellent Picross 3D de HAL Laboratory et Nintendo, sorti sur DS en 2009. Dans ce dernier il n’était plus question de colorier une grille pour faire apparaître un dessin, mais bien de s’emparer d’un burin afin de tailler dans une masse de cubes 3D et en extraire une sculpture. Un peu comme si l’on désossait un Rubik’s Cube qui contiendrait un objet caché !

Mais comme une grille de sudoku ou une feuille de mots croisés, Picross a un as dans sa poche. Celui du temps. 5 petites minutes suffisent à remplir sa grille et dévoiler sa “surprise” comme on ouvrirait un “oeuf” de gachapon ou de Kinder. Pas de stress non plus, à moins que l’on joue en mode Time Attack, tout est affaire de logique, tout en faisant appel à notre capacité innée à croiser des données.

Picross, quand on y réfléchit un chouille (ok, beaucoup), c’est un peu le metroidvania des chiffres. Un jeu où l'on explore une grille en la balayant de son regard, et où l'on opère des allers et retours une fois équipé de nouvelles données pour pouvoir continuer à avancer… Elle tient plutôt bien la route cette métaphore non ? 😬

Picross, c’est tout à la fois Tetris, Unpacking et Marie Kondo… On empile et on range des chiffres pour remplir des étagères, en créant à l’aide de ses déductions mathématiques un dessin d’une élégance toute pixel art. Sauf, évidemment, quand on s’aperçoit avec amertume qu’il s’agissait en fait d’un type dans son bain…

Le monde est ainsi. Plein de contradictions et de jeunes petits vieux.

Et vous ? C'est quoi votre "jeu de petite vieille ou de petit vieux" ?

N’hésitez pas à les partager dans les commentaires ci-dessous 😊

PS: Toutes les images de Mario’s Picross ont été capturées par mes soins sur la chaîne rétro Game Boy du service Switch Online. Les jaquettes et extraits des livres de Non Ishida et Tetsuya Nishio, ainsi que les jaquettes des jeux O-chan no Oekaki rojjiku et Mario’s Picross, sont tirées des sites japonais Amazon et Yahoo!フリマ. Enfin, les images des titres Picross 3D et de Picross S Capcom Classics Edition sont issues du site japonais de Nintendo.

Je dois bien admettre que les jeux “d’horreur”, ce n’est plus trop mon truc. Comme les films d’ailleurs…

Alors je ne sais pas trop pourquoi. L’âge peut être ? Le fait qu’il suffise de jeter un oeil distrait à l’actualité pour faire le plein de terreur pour deux vies et vider aussi sec sa jauge de sanité ?

En revanche, je suis toujours aussi sensible au mélange horreur / humour.

Mon affinité pour les splatter movies (les films qui tâchent !) avec un gros penchant pour le burlesque peut aisément être retracée à deux classiques : Evil Dead II de Sam Raimi en 1987 et le Braindead de Peter Jackson en 92. Deux films d’horreur aussi hilarants, qu’incroyablement gore, qui font un usage absolument immodéré de faux sang (mélange de colorant alimentaire et de sirop de maïs) pour littéralement doucher ses actrices et ses acteurs (façon Carrie), sans oublier de nous faire décoller de nos fauteuils de cinéma à la faveur d’un jump scare.

Rien que pour la scène de Braindead où le héros réduit en bouillie une horde de zombis à l’aide d’une tondeuse à gazon (!), Peter Jackson aurait utilisé 300 litres de faux sang !

C'est un peu la sensation que j'ai eu en jouant à Resident Evil Requiem, celle d'une équipe de développement ayant sous la main des barils de faux sang et la détermination de les vider jusqu'à la dernière goutte sur la tête de ses "joueurs / acteurs" !

Je me suis donc fait doucher par Requiem. Et j’en suis ressorti d’autant plus “trempé” que cela faisait bien (trop) longtemps que je n’avais pas joué à un Resident Evil.

En fait, je n’avais plus donné sa chance à la série depuis 2012 et la sortie de Revelations sur 3DS. J’ai ainsi abordé Requiem armé d’une batterie de vieux souvenirs et remonté à bloc par le truchement de l’enthousiasme communicatif de mes amis fans de la saga Capcom.

Au moment où j’écris ces lignes, je n’ai toujours pas fini le jeu. Pourquoi ? Tout simplement parce que je vais à 2 à l’heure.

Moi qui est passé 60% de mon temps de jeu dans Alien: Isolation caché à l’intérieur de casiers, je peux vous ASSURER que je ne coure pas dans Requiem vu les horreurs qui traînent dans ses couloirs !

Mais là où Resident Evil Requiem m’a refait basculer dans le camp des fans hardcore de la série, c’est en redécouvrant avec délice son amour pour l’absurde, le second degré et l’outrance la plus absolue dans son approche de l’horreur. On parle tout de même d’un jeu avec des coffres magiques où les objets se téléportent d’un endroit à un autre comme par magie, et où il est tout a fait normal (et bien vu) de se soigner en mélangeant trois fougères en pot.

Dans ce nouveau volet, on pourra également croiser la route d'une tronçonneuse animée d'une vie propre !

Non contente d'être logiquement encline au friendly damage lorsqu'elle manipulée par des zombis aux mouvements un tantinet désarticulés, une fois tombée sur le sol - encore accrochée à un bras coupé ou non - elle exécutera une gigue tout aussi dangereuse et imprévisible. Le jeu ne rechigne jamais à mettre à profit une opportunité de gag visuel s'il peut conduire à quelques bonnes giclées de sang !

C’est aussi un jeu où ses deux héros ne pouvaient pas être plus différents l’un de l’autre. Grace est une jeune recrue du FBI, victime d’un trauma alors qu’elle était adolescente, qui survit tant bien que mal, en mode furtif, en endossant le rôle d’un MacGyver à la sauce Dracula !

Tandis que Léon - le fameux, héros emblématique de la série apparu dans Resident Evil 2 sur PlayStation - est un baroudeur de l’horreur, aussi à l’aise avec une machette, une version surboostée du “.44 Magnum” de l’Inspecteur Harry, que la tronçonneuse de Ash. Un survivant, comme Grace, le coup de pied retourné et les blagues de quinqua en prime !

Passer de l’un à l’autre, revient à basculer de Massacre à la Tronçonneuse à Evil Dead II. Non content de changer de perspective (vue subjective pour Grace, vue à la 3ème personne pour Léon, même si le choix final vous revient), Requiem s’amuse à régulièrement briser le rythme et le ton du jeu. Je pense que la réaction (épidermique) qui définit le mieux notre expérience en tant que joueuse ou que joueur, est celle du “ah ouais quand même !!“ lâché suite à une séquence joyeusement gore, entre la surprise matinée de dégoût et l’amusement complice.

On passe ainsi régulièrement du calme olympien d’un Léon à la lisière de la psychopathie, qui aiguise sa machette entre deux saucissonnages de zombis, au stress communicatif de Grace. Saluons ici l’incroyable performance des actrices, le visage d’Angela Sant’Albano comme les voix des doubleuses (Shihori Kanjiya pour la version japonaise) étant dignes d’une Jamie Lee Curtis dans Halloween !

Avec Resident Evil Requiem, Capcom s’impose comme un véritable funambule de l’épouvante. Entre deux grands éclats de rire dégoûté, on se surprend à serrer les fesses sur son canapé, ce 9ème volet jouant habilement des codes de la série, mais aussi de son tempo et de son ambiance sonore, pour nous maintenir en tension.

Et par son approche décomplexée de l’horreur, à la limite de la parodie, il s’affirme comme un descendant des oeuvres de jeunesse de Sam Raimi et Peter Jackson. Tout aussi “graphique” - dans le sens “bien bien sanglant” - qu’un Evil Dead II, il n’hésite pas à multiplier les coups de coudes complices aux joueuses et aux joueurs, et fait montre d’une même maestria dans sa réalisation et son utilisation des décors.

On retrouve même le côté bravache et si délicieusement 1er degré des films d’action des années 80, grâce aux séquences d’action over the top de l’ami Léon, qui revêt une nouvelle fois le costume de héros qui lui va si bien, sans jamais perdre son humour et sa “coolattitude”.

C'est la raison pour laquelle je me retrouve aujourd'hui, 30 ans après ma découverte du premier Resident Evil en 96, à me dire que je devrais peut-être jouer au 7 et au 8… après avoir terminé une seconde fois ce formidable Requiem !

Le chemin parcouru par l’industrie du jeu vidéo - alors même que ses équipes créatives sont aujourd’hui poignardées dans le dos par le capitalisme - a de quoi laisser pantois… Resident Evil est sorti la même année que Super Mario 64, Quake et Crash Bandicoot, lorsque les équipes de développement se démenaient tant que bien que mal pour tenter d’apprivoiser la 3D. Et nous voilà 30 ans plus tard, à retenir notre souffle dans des environnements photo-réalistes, au contrôle de personnages dont les yeux semblent habités par de véritables émotions.

Maintenant je n'ai qu'une hâte : enregistrer au plus vite le prochain podcast Pixel Bento pour parler de Resident Evil Requiem en détails avec mes amis Marc et Nicolas. Préparez-vous pour un Bento saupoudré de T-Virus !

N'hésitez pas à partager vos souvenirs de la série Resident Evil dans les commentaires ci-dessous 😊

PS : Toutes ces images ont été capturées par mes soins à partir d'un code PS5 de Resident Evil Requiem fourni par Capcom. Le visuel de Evil Dead II est tiré de sa page IMDB.

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

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Metroid Prime 4: Beyond est une suite à la dérive sur un océan de mauvaises décisions…

C’est Marc qui nous parle dans ce dernier épisode du podcast Pixel Bento, avec précision et l’oeil analytique du game designer, du dernier Metroid Prime. Un titre qui a divisé à sa sortie, mais qui s’en est finalement sorti sans trop d’égratignures, même si la “note du jeu” est finalement passée sous les 80% sur Metacritic.

Comme Marc a eu la gentillesse (vraiment, est-ce bien le mot ?!) de me prêter le jeu, je vais rapidement donner mon avis perso ici, après l’avoir terminé il y a quelques jours…

J’ai toujours adoré la série Metroid et j’ai été absolument conquis par son passage à la vue subjective sur Game Cube en 2002. Retro Studios, à qui les rennes 3D de la franchise ont été confiées, est parvenu à changer de perspective sans trahir le coeur de la saga et les piliers sur lesquels elle s’est construite. Le premier Metroid Prime est un miracle, tout simplement. Et surtout : une leçon de game design.

Metroid Prime 4 est aussi une leçon… à sa façon. Une leçon sur l’importance de la phase de pré-production, soit le moment où une équipe se pose et dresse sur papier les plans de son projet avant de commencer à le développer. C’est là, précisément, que l’on est censé aboutir à la conclusion que l’ajout d’un gigantesque désert en plein milieu de sa carte est une mauvaise idée. Parce qu’un jeu Metroid ne peut réellement s’épanouir et briller que lorsque Samus est confinée dans des niveaux aussi denses qu’étriqués.

C’est grâce à ce level design labyrinthique et multi-couches que la redécouverte progressive de ses pouvoirs se prête à une exploration à la fois organique et incroyablement satisfaisante. Cette idée du désert a entraîné celle de la moto qui sert à le traverser (à moins que ce ne soit l’inverse ? Dans les deux cas, dès le départ, l’oeuf est cuit et la poule déplumée !)... Et de cette moto, symptomatique (à mon humble avis) d’une phase de pré-production précipitée, est sans doute né le premier environnement du jeu, qui a bien failli me faire arrêter d’y jouer.

Trois gigantesques tours électrifiées, qui se ressemblent comme trois gouttes d’eau, où l’on doit parvenir à “débloquer” sa moto. Des décors démesurés, si terriblement vides et dépouillés… Des arènes en fait, typiques de la franchise Halo, qui semblent ici désincarnées. Parce qu’Halo est un First Person Shooter, là où Metroid Prime est un FPA - pour reprendre l’acronyme utilisé à sa sortie - soit un jeu d’aventure à la première personne.

Dans ces tours électriques, on passe son temps à prendre des ascenseurs sans mettre à profit l’incroyable mobilité de Samus, qui constitue pourtant le sel de la saga. Tout ça pour nourrir un désert qui durant mes 18 heures de jeu restera jusqu’au bout… pénible à traverser.

Pourtant, le Metroid Prime que l’on aime parvient par moments à pointer le bout de son grappin. L’environnement de glace (La Ceinture de Glace) est exactement ce que j’attendais de cette suite : de l’exploration riche et organique, entrecoupée de combats brefs et confinés, avec une ambiance oppressante et une légère emphase sur la narration environnementale.

C’est sans doute cela qui m’a le plus agacé. Un bon Metroid Prime est là, quelque part, enterré dans le sable ! Et seule sa tête affleure par instants, comme pour reprendre son souffle. Contrôler Samus est toujours aussi agréable par exemple, et c’est d’autant plus frustrant que ses capacités de déplacement soient parfois mises de côté, et que les équipes de Retro Studios se soient perdues dans leur désert.

Je vous laisse écouter l’excellente chronique de Marc pour une liste complète des défauts (son scénario…) et qualités du jeu (sa réalisation…) ! N’hésitez pas à partager votre avis en commentaires si vous avez joué à ce Metroid Prime 4 !

Le gros morceau, la partie "de luxe" de cet épisode - notre MATSU ! - est consacré aux 40 ans de The Legend of Zelda.

L’opportunité pour toute l’équipe de partager ses souvenirs liés aux nombreux titres de la franchise et de revenir sur ce qui fait d’elle une série aussi unique et mémorable.

J’avais commencé à célébrer cet anniversaire important il y a 15 jours, avec mon article dédié aux jeux vidéo indépendants inspirés par The Legend of Zelda. En plus des témoignages des créatrices et créateurs partagés dans ce dernier, vous avez également été nombreux à commenter ! Un grand merci ! Certains de ces commentaires sont d’ailleurs cités dans le podcast.

Veuillez trouver ci-dessous l’excellent court-métrage animé mentionné par Marc, où un tout petit Link se trimballe la Master Sword pour des aventures pleines d’humour.

Sans oublier, encore un peu plus bas, les photos prises dans la préfecture de Kyoto lors de l’escapade de Marc en “territoire Zelda” !

The Hyrule Fantasy est un superbe court-métrage 2D de 2mn10, réalisé par l’animateur et storyboard artist Ousmane CISSE.

Nicolas est revenu pour son TAKE sur une série culte des années 80 : Le Collège fou fou fou !

Une série que j’ai connu, sans doute comme beaucoup d’entre vous, lors de sa diffusion en France dans le Club Dorothée. Nico nous parle de cette série mais aussi de son (triste et) récent remake, sans oublier le manga originel : ハイスクール!奇面組, alias Hai Sukūru! Kimengumi, que l’on peut littéralement traduire par “Lycée! Le club des têtes cheloues”. Tout un programme, vous en conviendrez 🤣

Quant à moi, je vous parle dans mon TAKE d’un certain Dragon Quest VII: Reimagined, après 80 heures de jeu et l’avoir terminé à quasi-100% !

Je vous avoue que la sortie de ce remake fut une véritable fête pour moi, et j’ai passé un bon moment avec lui. Du coup, j’ai déjà consacré non pas un, mais DEUX articles au jeu, avec chacun un angle unique : sa direction artistique et… ses monstres ! Akira Toriyama forever !!

Bonus lecture, pour les anglophones ! Voici un lien vers l’excellent papier de notre ami Matt, qui vit au Japon et écrit régulièrement sur son blog à propos de jeu vidéo. Comme je le mentionne dans le podcast, cet article, titré Bloodborne and fading Memories, aborde nos mémoires défaillantes et les raisons pour lesquelles certains jeux s’oublient, tandis que d’autres restent à jamais gravés dans notre esprit.

Encore une newsletter à rallonge ! Si vous lisez ces mots, merci d’avoir été jusqu’au bout et voici un sondage en prime, juste pour vous : les courageuses et les courageux !

N’hésitez pas à réagir au contenu de cet épisode #63 du podcast dans les commentaires ci-dessous !

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins à partir de versions commerciales Switch 2 des jeux Metroid Prime 4: Beyond et Dragon Quest VII: Reimagined. Idem pour la photo de The Legend of Zelda: A Link to the Past, prise sur la chaîne rétro SNES de mon abonnement Switch Online. L’image de la jaquette de Metroid Prime: Remastered est quant à elle tirée du site officiel de Nintendo Japon. Un grand merci à Marc pour le prêt de Metroid Prime 4, les photos de la région de Sonobe, et de quelques-unes de celles du Luida’s Bar !

Mais c'est une super idée de rubrique ça, non ? "Et si Tony Hawk était… ?" Un sous-marin, un pingouin, une paire de cymbales, un chapeau melon, un J-RPG ou… un train par exemple !

C’est sans doute ce que s’est dit la petite équipe espagnole derrière Denshattack!, un titre qui porte ses influences japonaises en bandoulière, puisque “densha“ signifie tout simplement “train” en japonais. Et le jeu vous permet aussi de voyager à travers les îles et régions du Japon.

C’est d’ailleurs au Japon, lors du dernier Tokyo Game Show, que j’ai découvert pour la première fois Denshattack!. La partie dédiée aux jeux indie du salon était comme d’habitude engoncée dans un bâtiment autre que celui qui accueille les stands des “gros” éditeurs, et les titres indés étaient si nombreux qu’ils débordaient littéralement dans les couloirs qui menaient aux halls ! Parmi eux, Denshattack! se distinguait par la foule de curieuses et de curieux qu’il attirait, et pour cause… Le jeu a TOUT pour taper dans l’oeil du public japonais.

Il faut savoir que le Japon entretient une relation très particulière avec ses trains.

De nombreux enfants (et grands enfants) nourrissent une passion brûlante pour ces derniers, et il n’est pas rare de voir des familles ou des groupes de fans de tous âges mitrailler les trains qui arrivent en gare, lorsqu’ils ne s’assemblent pas autour d’une vieille locomotive ou d’un train “habillé” aux couleurs d’une franchise populaire.

Mais bien sûr qu’il existe un train Pokémon ! Quelle question, franchement… 😁

Alors bien entendu, l'industrie du jeu vidéo s'est empressée de satisfaire cet appétit pour les trains, et deux propositions se sont distinguées avec le temps : la simulation Densha de Go! (電車でGO!) et la série Momotarō Dentetsu, mélange de jeu de l'oie et de Monopoly où l'on incarne le président d'une compagnie ferroviaire qui voyage à travers le Japon pour acheter des boutiques régionales et s'enrichir.

Le jeu espagnol Denshattack!, lui, n'a rien à voir avec ces deux propositions pour se positionner sur un créneau nettement plus action / arcade, avec une esthétique qui lorgne sans vergogne du côté de classiques tels que Crazy Taxi et Jet Set Radio Future.

En fait, le vrai titre de cet article aurait du être : "Et si Tony Hawk était un train qui jouait à SSX" !

On contrôle en effet une locomotive ultra boostée, pilotée par une jeune rebelle appelée Emi qui vit dans les ruines d’un monde ravagé par la crise climatique. Au coeur de ce Japon en partie submergé par les eaux et défiguré par les éboulements de terrain, des cités préservées existent toujours, mais elles sont scellées à l’intérieur d’immenses dômes de verre. Créés par une compagnie appelée Miraido, ces dômes sont reliés les uns aux autres par un système supersonique de voies ferrées.

À l’extérieur, les gens continuent à vivre et tentent de reconstruire, tandis qu’une nouvelle génération de pilotes de train (en mode Les Fous du volant !) a émergé du chaos. Leur nom ? Les denshattackers !

Avec leurs locomotives pimpées, ces têtes brûlées se livrent à des compétitions de vitesse et d’acrobaties sur ce qu’il reste des rails qui zébraient le Japon. Et Emi, qui jusque là se contentait de livrer des ramens à toute berzingue avec sa locomotive sous amphèt’, décide de chambouler ce petit monde par la seule vertu de son skill et de son esprit de compétition.

À bord de sa locomotive, on bondit ainsi de rail en rail en exécutant des roulades dans les airs ; en sautant tel un cabri au dessus des obstacles bloquant le passage ; en prenant des virages à fond la caisse à force de dérapages dignes d’un Ridge Racer ou du film Unstoppable de Tony Scott.

On traverse ce Japon en ruines avec l’énergie du saumon qui remonte un torrent et la vitesse de l’aigle qui l’attrape en piqué, et on met à profit ce terrain accidenté pour réaliser des figures acrobatiques… EXACTEMENT comme si sa locomotive était un skateboard !

On grinde sur des conduites d’eau, on fait du half-pipe dans des tunnels éventrés, on réalise des 360° en suspension dans les airs… Même les obstacles peuvent devenir d’improbables accessoires dans notre quête de sensations fortes.

Chaque parcours propose ses mini challenges optionnels et se conclue par une feuille de scores et des notes de style propres aux jeux de sport extrêmes. Vous savez, ces titres un peu fou-fou si populaires à la fin des années 90 / début des années 2000, au moment où des consoles telles que la PlayStation et la Dreamcast popularisaient la 3D dans les foyers.

Denshattack! est un héritier de ces jeux, avec un petit côté Burnout en prime (on peut frôler les obstacles pour ramasser plus de points !), tout en proposant une expérience plus “ramassée”, plus contrôlée, puisque l’on est littéralement sur des rails ! C’est quasiment un jeu de rythme en fait, et comme Moguri l’a fort justement souligné dans une récente Hebdo de l’indispensable chaîne Origami, il possède plus d’un point commun avec le superbe Thumper.

Mais Denshattack! possède aussi… comment dire… un petit grain.

De folie bien sûr. Que je trouve assez typiquement japonais d’ailleurs. Des trains qui dérapent comme des voitures et se tirent la bourre ? Vous pensiez vraiment qu’une telle proposition n’avait jamais émergé au Japon ?! En faisant des recherches pour cet article je suis ainsi tombé sur Densha de D (電車でD), qui renvoie à la fois à Densha de Go! (電車でGO!) cité plus haut, mais aussi, et surtout, à la série Initial D !

Initial D est un manga créé par Shuichi Shigeno qui a été publié entre 1995 et 2013 dans Weekly Young Magazine, avant d’être réuni en 48 (!) tomes. Je pense que l’on peut le présenter comme étant une espèce de Fast & Furious japonais avec ses courses de voitures clandestines et son amour du drift. Un manga qui connût de multiples adaptations sous la forme d’anime mais aussi de jeux vidéo, sur Saturn, PlayStation, en Arcade, etc.

Comme souvent avec les séries populaires au Japon, il a été détourné sur la scène du doujin (œuvres non officielles créées par des fans, publiées de façon indépendante, et parfois NSFW). Et l'une de ces itérations a mêlé deux kifs bien japonais : Initial D et… les trains ! Densha de D remplace ainsi les voitures par des trains, sans rien perdre de son obsession pour les dérapages et les courses échevelées ! Sortie sous la forme de doujinshi (manga amateur) avant d'être adapté en doujin soft (jeu vidéo amateur) par le collectif Jinushi Ippa sur PC, cette série est aussi réputée pour avoir donné naissance à de nombreux mèmes (d’après mes indicateurs amateurs de Bento :)).

Je ne sais pas si les développeurs de Denshattack! connaissent l'existence de ces jeux, et ça n'a finalement que peu d'importance, mais j'ai bon espoir que ce titre indépendant espagnol trouve au Japon quelques fans déjà acquis à la cause des "trains qui driftent" !

En tout cas, les retours sur les réseaux sociaux japonais semblent plutôt positifs et quelques pros du combo partagent déjà des vidéos de performances assez ébouriffantes !

En le prenant en mains - ce que vous invite à faire avec la démo du jeu ! - il est difficile de ne pas ressentir aussi la vibe “Sega de la grande époque” que dégage Denshattack!.

Crazy Taxi, Top Skater, Ollie King et d’autres jeux d’arcade où la frénésie what the fuck était reine, nous viennent à l’esprit en surfant sur une vague de nostalgie aux embruns de dopamine.

Et quand on regarde la bande-annonce du jeu final, avec ses trains mecha et autres balles de baseball géantes nous poursuivant comme Indiana Jones - et si Indy était un train ?! - on se dit que le 17 juin n'arrivera jamais trop vite !

Petite info bonus, vous pouvez déjà écouter la musique du jeu composée par Tee Lopes (Sonic Mania, Shinobi: Art of Vengeance, etc.), Andrew One, Sean Bialo et bien d'autres musiciens en cliquant ici : Denshattack! Bootleg EP.

PS: Toutes les images de Denshattack! illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir de la démo Switch 2, et les photos de trains sont les miennes. Les images des jeux de la série Densha de D sont issues du site de leurs développeurs : Jinushi Ippa, et la bande-annonce de Denshattack! est tirée du site Presse de son éditeur Fireshine Games.

The Legend of Zelda a fêté ses 40 ans ce mois-ci. 40 ans !

Et entre les flammes des bougies, si l’on se concentre un peu, il est possible de distinguer la lueur qui scintille dans les yeux d’une myriade de fans dispersé(e)s à travers le monde.

Cette série est un monument du jeu vidéo, et la Princesse Zelda sa Mona Lisa.

J’ai longuement réfléchi à la meilleure façon de la célébrer dans cette newsletter… Parce que comme pour beaucoup d’entre vous, la série Zelda m’a accompagné pendant toute ma vie de joueur et ma carrière de journaliste jeu vidéo. C’est certainement la série qui m’a le plus surpris et ravi durant ses 40 années d’existence. Là où certaines franchises survivent à l’ombre de leur gloire passée, The Legend of Zelda n’a cessé de prendre des risques et de se renouveler pour régulièrement redéfinir ce que l’on attend non pas seulement d’elle, mais du jeu vidéo en tant que média.

Comme nous avons prévu de revenir sur la franchise et son évolution, avec mes amis Marc et Nicolas, dans le prochain épisode du podcast Pixel Bento, j’ai décidé de lui rendre hommage… en rendant hommage à celles et ceux qui lui ont rendu hommage au fil des années ! Vous me suivez toujours ?

Allez, c’est parti pour une petite sélection de jeux indépendants inspirés par The Legend of Zelda ! Cette sélection est évidemment (terriblement) incomplète et personnelle, et s’articule pour l’essentiel de titres auxquels j’ai pu jouer et qui m’ont marqué.

Alors n’hésitez pas à partager les vôtres dans les commentaires en bas de cet article !

La série Nintendo a littéralement influencé des milliers de créatrices et de créateurs, et on peut même argumenter que TOUS les metroidvania auraient leur place ici ! Koji Igarashi, l’un des principaux artisans derrière le séminal Castlevania: Symphony of the Night a maintes fois cité le jeu Nintendo comme étant l’une de ses principales inspirations lorsqu’il a designé le jeu.

Mais je m’égare ! Il est plus que tant d’attaquer cette liste et une newsletter qui promet d’être longue 😬

Ne manquez pas les quatre interviews des créatrices et créateurs des jeux : UNSIGHTED, Castaway, Isles of Sea and Sky et Under the Island (qui vient tout juste de sortir) !

UNSIGHTED

Sorti en 2021, UNSIGHTED est le premier jeu de Studio Pixel Junk, un studio brésilien indépendant fondé par Fernanda Dias et Tiani Pixel. Un titre au pixel art et à l'atmosphère inspirés par Hyper Light Drifter qui emprunte certaines de ses mécaniques au Souls-like. Absolument fascinant, il nous propose de diriger une jeune guerrière synthétique condamnée à s'éteindre comme les Réplicants de Blade Runner.

Tiani a eu la gentillesse de partager avec nous ses souvenirs de Zelda et de parler de l’influence qu’a pu avoir le titre Nintendo sur UNSIGHTED.

J'ai grandi en jouant à The Legend of Zelda: A Link to the Past. Et c'est l'une des principales inspirations derrière UNSIGHTED. Non seulement le jeu lui-même, mais aussi la façon dont nous l'avons approché. Lorsque j'étais enfant, j'étais très mauvaise aux jeux vidéo. Je ne pouvais jamais les finir. Alors je regardais généralement mes frères ainés venir à bout des jeux qui me résistaient. Cependant, A Link to the Past est une toute autre histoire. Même mes frères n'arrivaient pas à finir ce jeu. Et le fait que l'on habite au Brésil, et que l'on ne parle pas l'anglais à l'époque, a rendu ce jeu quasiment impossible à terminer. J'ai fini par m'amouracher de ce titre, et j'ai continué à y jouer. Ça m'a pris plus de deux ans, mais j'ai fini par le battre. Quelque chose que même mes frères n'étaient pas parvenus à faire. Je me rappelle à quel point je me suis sentie bien à ce moment. Et après cela, je ne pouvais m'empêcher d'y rejouer encore et encore. Je suis arrivée au point que je pouvais le battre en une après-midi. Je ne le savais pas à l'époque, mais je "speedrunnais" le jeu sans même savoir ce qu’était un speedrun. Cette expérience, le fait de prendre un jeu à priori infaisable pour finalement parvenir à le maitriser totalement, est l'une des sensations que l'on veut faire ressentir à nos joueuses et nos joueurs. De nombreux éléments de UNSIGHTED sont nés de cette expérience.

Que ce soit l'histoire de ces robots ayant une durée de vie définie, où même à quel point notre level design peut être "cassé"... UNSIGHTED peut sembler intimidant au début, mais c’est une invitation à le maîtriser, de la même manière que The Legend of Zelda: A Link to the Past l’a été pour moi quand j’étais enfant. C'est ce que je pense en tout cas. Sans oublier, bien sûr, les références les plus évidentes comme les donjons, les puzzles vus de dessus, le combat, la fée qui sert de compagnon, et ainsi de suite. Je pense que ce qui rend UNSIGHTED unique est le fait que l'on est voulu évoquer la sensation de speedunner un jeu Zelda, et ce même si vous n'avez jamais essayé de speedunner un jeu avant.

(Cette interview a été réalisé via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

HYPER LIGHT DRIFTER

Hyper Light Drifter est un jeu particulièrement cher à mon coeur. Vraiment. Et pour de nombreuses raisons. C’est l’un des mes jeux indés préférés, de mes jeux préférés tout court ; l’un des plus beaux jeux auxquels j’ai pu jouer ; et un hommage touchant à The Legend of Zelda. C’est aussi le fruit d’une team de créateurs au talent dingue, emportée par la vision d’Alx Preston, dont la maladie de coeur a infusé le scénario du jeu et inspiré son personnage principal. Hyper Light Drifter a lui-même, comme Zelda avant lui, inspiré toute une génération de développeuses et de développeurs indépendant(e)s.

MINIT

Minit est un “petit” jeu. Il se finit en 60 secondes ! Enfin… vous mourrez au bout de 60 secondes. Encore et encore ! Jeu concept, porté par une direction artistique minimaliste et une idée brillante, il joue avec les “clichés” de Zelda pour décomposer son expérience et proposer une exploration chronométrée, où chaque partie / chaque vie vous servira pour la suivante. Un peu comme Un jour sans fin, ou comme un roguelike en fait ! Sauf que ce n’en est pas un. Minit ne ressemble à aucun autre jeu. Enfin… Mis à part Zelda bien sûr 😏

CASTAWAY

On reste dans les “mini-jeux” ou “jeux apéro” avec Castaway ! Un jeu indie qui se “termine” en moins d’1h avec quelques surprises cachées bien sûr. Mais ce jeu cherche avant tout à proposer une expérience ultra courte, qui va à l’essentiel, soit à : “l’essence de Zelda !”.

Son créateur, Johan Vinet, a eu la gentillesse de revenir pour nous sur son rapport à la franchise Nintendo.

C’est à 11 ans que j’ai découvert Zelda en jouant à Link’s Awakening. J’ai été fasciné par l’innocence et la naïveté de son protagoniste, induites - entre autres - par son mutisme. Tel un tableau blanc, il me permettait de m’évader dans une aventure à la fois épique, mystérieuse, profondément poétique, et - élément capital pour le préadolescent que j’étais - romantique (Aaah, Marine...). Tel un Bastien dans L’Histoire sans Fin, je m’immergeais dans cet univers onirique et découvrais pour la première fois un jeu vidéo capable de proposer un équilibre aussi fin entre action, aventure et énigmes, le tout porté par d’incroyables thèmes musicaux devenus aujourd’hui cultes.

Mon attachement à la série s’est ensuite confirmé avec A Link to the Past. Si l’aspect onirique était moins présent que dans Link’s Awakening, il gagnait en ampleur épique grâce aux capacités impressionnantes de la Super Nintendo. Bien sûr, je suis particulièrement attaché aux épisodes 2D - j’ai notamment adoré The Minish Cap et son pixel art remarquable (un des meilleurs de la GBA !) - mais je sais aussi reconnaître la qualité de certains opus 3D, comme A Link Between Worlds (excellent retour aux sources), ou encore Breath of the Wild et Tears of the Kingdom, deux œuvres extraordinaires.

(Cette interview a été réalisée en français par email)

PIPISTRELLO AND THE CURSED YOYO

Lui, je n’ai pas encore eu le temps de le faire jusqu’au bout. Mais la démo de Pipistrello and the Cursed Yoyo m’a suffit pour qu’il apparaisse dans cette liste et reste dans un coin de ma tête comme étant un jeu à faire dès que l’opportunité se présente ! Un jeu développé au Brésil par une toute petite équipe qui a fait du yoyo sa mécanique de jeu centrale pour créer un titre au pixel art ébouriffant et à la maniabilité délicieuse, qui a beaucoup fait parler !

TUNIC

Un petit renard hyper mignon en cosplay de Link ; une aventure incroyable bourrée de combats épiques (les boss piquent un peu !) ; et de multiples couches de secrets. Oui, dans ce jeu un secret peut en cacher un autre, et Tunic articule ses “secrets” autour d’un artefact du passé : le manuel de jeu ! Ce manuel papier, aujourd’hui quasi disparu, est ici la pièce centrale d’une aventure que vous n’êtes pas prêt(e)s d’oublier. Typiquement un jeu que je pourrais refaire comme je refais régulièrement A Link to the Past sur Super Nintendo.

ISLES OF SEA AND SKY

Dans Isles of Sea and Sky, on pousse des blocs. Mais on les pousse sur de nombreuses îles que l’on est libre d’explorer comme on le souhaite. Un puzzle game à monde ouvert donc, où des divinités nous octroient de nouveaux pouvoirs sans que la mécanique centrale ne se complexifie pour autant : on poussera toujours des blocs ! Et derrière son apparente simplicité se cache un jeu d’une intelligence et d’une profondeur rare. Typiquement le genre de titre qui vous fait sentir ultra malin et ultra crétin en l’espace d’une minute !

Jason Newman, l’homme derrière le studio Cicada Games, a eu l’extrême gentillesse de nous parler de son rapport à la franchise Zelda.

The Legend of Zelda a définitivement eu un gros impact sur moi et Isles of Sea and Sky. Quand j’étais gamin, mes amis et moi avons été encouragés par The Legend of Zelda a sortir et jouer dehors. Nous avons créé nos propres mondes à la Zelda, imaginé combattre des monstres, trouvé des trésors, exploré des forêts sombres et des donjons. Cette expérience issue de mon enfance est finalement devenue une énorme inspiration pour Isles of Sea and Sky, et je n’en revenais pas lorsque j’ai appris que Miyamoto lui-même a été inspiré par ses propres aventures enfantines et en pleine nature lorsqu’il a créé The Legend of Zelda.

Je me suis dis que les mécaniques, le côté ouvert et l’approche de l’exploration de The Legend of Zelda pourraient remarquablement bien s’adapter à un puzzle game. J’ai aussi voulu capturer cette sensation que j’ai toujours eu en jouant aux jeux Zelda, et à d’autres titres Nintendo comme Super Metroid : celle d’un monde gorgé de secrets et de possibilités infinies, que l’on aurait jamais cru possible en début d’aventure. J’ai voulu créer un jeu capable de donner naissance à des mythes de cours d’école, comme à l’époque où j’étais enfant lorsque nous n’avions pas encore Internet et que l’information circulait par le bouche à oreille. Les jeux étaient tellement plus mystérieux alors !

(Une interview réalisée via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

MINA THE HOLLOWER

Non, il n’est pas encore sorti. Mais pour avoir essayé sa démo sur PlayStation 5, y avoir joué lors de divers salons, et avoir suivi son développement via Kickstarter (j’ai backé le jeu en 2022), Mina the Hollower est un Zelda-like pur jus. Un titre où l’exploration est reine et s’articule autour de la possibilité de “plonger sous la terre”, telle une taupe, pour en rejaillir aussi sec ! Un jeu à la Zelda donc, mais avec un soupçon de Splatoon ! Un titre à surveiller, créer par un studio au talent fou.

RATCHETEER DX

Ratcheteer DX est prévu pour le 5 mars prochain et il est publié par Panic, un éditeur “qui a du nez”, derrière les sorties de Time Flies, Despelote, Arco ou encore Untitled Goose Game. C’est aussi le studio derrière la console portable qui se joue “à la manivelle”, la fameuse Playdate ! Et Ratcheteer DX n’est autre qu’un portage "en couleurs” d’un jeu développé en noir et blanc POUR la Playdate. Un titre intriguant aux graphismes très Game Boy Color, qui a tout de suite attraper mon regard. J’en reparlerais à coup sûr après sa sortie !

UNDER THE ISLAND

Développé par le studio allemand Slime King Games, derrière lequel se cachent Simone et Johannes Grünewald, Under the Island est un vibrant hommage à Zelda avec un petit côté A Short Hike en prime ! On y suit en effet Nia, une jeune héroïne qui vient de déménager avec ses parents sur une île, certes paradisiaque, mais très très éloignée de ses amis. Une jeune ado déracinée, téméraire aussi, qui va découvrir sur cette île bien plus qu’elle n’aurait pu l’espérer ! On notera les très jolis graphismes pixel art du jeu, dont la qualité n’a rien de surprenant vu que Simone Grünewald a travaillé en tant que directrice artistique sur la superbe série de Point & Click Deponia !

Johannes Grünewald a eu la grande gentillesse d’accepter de partager ici son amour de la série Zelda et son influence sur Under the Island.

Lorsque j'avais 8 ou 9 ans, j'ai reçu The Legend of Zelda: Link's Awakening en cadeau de Noël. Et ce n'était pas n'importe quel jeu, c'était mon premier jeu, et pas un de plus qui appartenait à mon grand frère. Les deux semaines de vacances qui ont suivi ont été très formatives pour moi. Je jouais au saut du lit, et je jouais le soir juste avant d'aller au lit. Le jeu était rempli de tellement de secrets et de puzzles qu'il m'arrivait de ne pas progresser pendant des jours, et il était nécessaire d'échanger des trucs et astuces avec des amis. J'ai toujours adoré la dimension sociale du jeu vidéo avant qu'Internet n'existe. Under the Island ne contient pas d'éléments aussi bloquants que dans Link's Awakening, mais il était très important pour moi de ne jamais insulter l'intelligence du joueur. C'est OK d'avoir un puzzle qui nécessite de vraiment réfléchir. Et dans le pire des cas, il est toujours possible de faire un tour sur le Net, où une petite mais adorable et très amicale communauté s'est déjà formée autour du jeu. J'ai vraiment l'impression d'échanger des idées avec mes amis comme durant mon enfance.

Alors bien sûr de nombreux jeux Zelda m'ont influencé après celui là, mais peu de titres m'ont façonné en tant que personne autant que Link's Awakening. J'ai peut être même versé une larme ou deux pendant les crédits de fin. Aujourd'hui, j'ai 40 ans et je joue encore régulièrement à Link's Awakening (GB). Je continue à apprécier son atmosphère unique, et j'ai la sensation de redevenir ce petit garçon qui explorait ce nouveau medium pour la première fois. C'est ce sentiment que j'aimerais aussi susciter chez les joueurs lorsqu'ils essayeront Under the Island.

(Cette interview a été réalisée via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

Je vais m’arrêter là mais j’aurais pu continuer longtemps… J’aurais pu vous parler de Turnip Boy Commits Tax Evasion et sa suite, ou encore de FEZ (oui, oui) ou de Death’s Door par exemple ! J’aurais aussi pu aborder la PLANÈTE de fan games et autres Rom hacks, avec des titres gratuits et non officiels comme The Legend of DOOM (merci Sylvain !) ou le stupéfiant roguelike The Legend of Zelda: Dungeons of Infinity.

The Legend of Zelda est une source inépuisable d’inspiration.

Comme nous avons aussi pu le voir à travers les interviews disséminées dans cet article, c’est aussi une série dont les secrets ont nourri les imaginations et posé les fondations de futures carrières dont nous profitons aujourd’hui, toutes et tous !

Un IMMENSE merci à Tiani, Jason, Johan et Johannes pour avoir accepté de participer à cet article ❤️

J’ai découvert Love Eternal à Kyoto en 2024. C’était un vendredi matin, pas loin d’une table où l’on pouvait taper (comme un homme des cavernes) sur une vieille console Famicom pour faire glitcher le jeu et bouger ainsi son personnage à l’écran.

C’était lors du BitSummit bien sûr ! Le toujours savoureux salon du jeu indépendant qui se tient chaque année à deux heures de shinkansen de Tokyo. Un salon devenu pour moi, et bon nombre d’amis, un rendez-vous annuel à ne pas manquer ; la promesse de la découverte de petits trésors indie créés un peu partout à travers le monde.

Love Eternal fait partie de ces découvertes. Au coeur de ses décors à l’imposante austérité - véritables tapisseries pixel art - où reposent des statues aux proportions démesurées, évolue une jeune fille à l’épaisse chevelure blanche. Elle bascule sans cesse du sol au plafond, en se jouant de la gravité. Dans ces abyssales cités souterraines abandonnées, elle évolue telle une acrobatique lutine ou un intrépide zébulon…

La taille minuscule de son sprite à l’écran est l’une des raisons pour lesquelles le jeu accroche immédiatement le regard.

La silhouette menue de cette héroïne vêtue d’une petite robe rouge, tout à la fois Alice et Petit Chaperon Rouge, se détache nettement sur ces étranges fresques de pixels aux couleurs ternes de pierre et de terre. C’est en partie sur ce joli contraste que la direction artistique de Love Eternal trouve son appui, et un équilibre qui vient servir une ambiance, mais aussi une histoire.

Minuscule, aussi fragile qu’agile, Maya est perdue dans des labyrinthes de pics. À leur contact, la mort est immédiate bien sûr, mais la résurrection l’est tout autant. Disciple de la formule éprouvée du die and retry, si chère au genre plates-formes et à sa sous-branche : le masocore platformer à la Super Meat Boy. On mourra ainsi encore et encore, même si le jeu échappe vite aux comparaisons et aux tiroirs dans lesquels il pourrait être rangé au premier coup d’oeil (nous y reviendrons, en restant vague pour éviter de trop spoiler).

Mais il est difficile, que ce soit en découvrant le jeu dans un salon, en essayant sa démo sur Steam, ou tout simplement en regardant sa bande-annonce, de ne pas immédiatement penser au VVVVVV de Terry Cavanagh et au Celeste de Maddy Makes Games.

L’inspiration de ces deux merveilles du jeu de plates-formes sur Love Eternal semble plus qu’évidente…

À VVVVVV il emprunte la mécanique d’inversion de la gravité, mais sans pour autant renoncer au saut “normal”, toujours bien présent.

Sa narration diluée dans l’enchaînement de séquences de sauts et/ou de “flips” à la difficulté assez relevée, mais aussi ce petit caillou rouge que l’on attrape en plein vol pour regagner le pouvoir d’inverser sa position dans l’espace sont, eux, inspirés de Celeste. Dans ce dernier, des cristaux verts flottants permettaient de regagner le pouvoir de dasher, là où les pierres rouges de Love Eternal restaurent notre capacité d’inverser (de flipper) sa position dans les airs. Car autrement, après avoir quitté le sol, il n’est possible d’inverser la gravité qu’une seule fois.

Ces mécaniques de jeu avaient également été testées et éprouvées en 2016 par le créateur du jeu lui-même.

Toby Alden - déjà accompagné de Sam Alden aux graphismes et de Wyatt Thomas à la musique - a en effet sorti Love sur itch.io il y a désormais 10 ans, un jeu que l’on peut considérer comme le brouillon de Love Eternal, ou tout du moins le terrain sur lequel il érigera ses monumentales sculptures et autres visions surréalistes.

Mais Love est un pur jeu de plates-formes, inspiré du vieux Jumper sorti en freeware en 2004 et développé sous Game Maker par Maddy Thorson (future conceptrice de Celeste), ainsi que de la série Knytt de Nifflas (le développeur indé suédois Nicklas Nygren)…

Ce n’est pas le cas de sa version étoffée.

Love Eternal se joue en effet tout autant des genres que de la gravité.

Vous avez déjà eu l’opportunité de regarder l’incroyable série télévisée The Bear ?

Dans sa saison 2, un épisode porté par un cast incroyable et la performance HA-LLU-CI-NANTE de l’actrice Jamie Lee Curtis dépeint une vision absolument terrifiante du traditionnel repas familial.

Love Eternal, lui aussi, semble décidé à faire de ce moment un catalyseur à cauchemars.

Dans une interview donnée en 2025 à la chaîne YouTube Explodist Media, Toby Alden expliquait avoir développé le scénario et façonné l’atmosphère étouffante de Love Eternal alors qu’il regardait le film Pulse de Kiyoshi Kurosawa et la saison 3 de Twin Peaks. Autant dire que l’ambiance dérangeante de ces deux oeuvres a quelque peu déteinte sur son jeu, tout comme celles d’autres influences revendiquées, telles que la série animée culte Serial Experiments Lain et certains films (bah cultes aussi) de Satoshi Kon (très certainement Perfect Blue et Paprika).

Entre deux séquences de pure plateforming, le jeu vous fera ainsi évoluer de multiples façons dans le quotidien (chambre, salle à manger, voiture, salle de classe) de Maya. Love Eternal ne se limite pas aux pirouettes aériennes au milieu de statues gargantuesques pour vous emmener là où on ne l’attend pas. Il joue ainsi avec les limites du genre et ose expérimenter, quitte à en devenir par moments assez méta !

Il convient ici de préciser que de nombreux thèmes délicats sont abordés, comme ceux de l’isolation, du poids débilitant de la pression familiale, de la difficulté de s’intégrer… Des sujets lourds, que le contexte à la fois surréaliste et horrifique du jeu parvient étonnamment à “adoucir”. Autrement dit, je trouve que Love Eternal cherche à nous faire peur plus qu’à nous perturber. En revanche, on sera tout de même amené à revisiter cette période, ô combien complexe, de l’adolescence !

Mélanger les genres comme Love Eternal le fait est une prise de risque.

Si l’on vient pour la plate-forme et que l’on se voit soudainement forcé de jouer à autre chose, pour potentiellement se retrouver “coincé” dans un genre qui nous déplaît, on est en droit d’être frustré. C’est sans doute la raison pour laquelle ce type de proposition vidéoludique est assez rare. Un exemple récent qui me vient à l’esprit est celui du formidable jeu de cartes horrifique Inscryption, dont j’avais parlé dans le numéro 42 du podcast Pixel Bento.

À mes yeux, Love Eternal s’en sort néanmoins très bien grâce à la cohérence du “package“ qu’il propose. En changeant de genre, il nourrit et donne du sens à sa proposition initiale. La partie plates-formes et ses ponctuations narratives en sortent ainsi renforcées, et le jeu fait montre d’une jolie cohérence tout en restant ouvert à l’interprétation.

Bon, j’espère que cette approche “sans spoil“ de ma critique du jeu vous a tout de même donné une idée assez précise de ce qu’il est ! Sachez que sur les 5 heures (environ) nécessaires à sa finition, je dirais que 75% sont tout de même consacrées à l’exercice plates-formes. La difficulté du jeu peut être mordante, mais la qualité de ses contrôles, ses checkpoints généreux, l’instantanéité des redémarrages et la musicalité de ses séquences de platforming (chaque caillou rouge saisi en vol est ponctué d’un bruitage agréable à l’oreille) adoucissent l’expérience.

Une expérience que j’ai beaucoup aimé et dont certaines des surprises m’ont autant désarçonné (jump scare included !) qu’amusé !

L’éditeur Ysbryd a sorti hier un nouveau trailer animé du jeu, mettant en avant son histoire👇

Les statues gigantesques, à l’étrangeté mésopotamienne, qui ponctuent le parcours de Maya m’ont étrangement rappelé le superbe livre Piranesi, de Susanna Clarke, dans lequel un personnage était, lui aussi, perdu dans un monde hors du temps rempli de statues.

PS: Toutes les images de Love Eternal illustrant cet article ont été capturées sur Steamdeck à partir d’un code du jeu fourni par l’éditeur Ysbryd Games. Les photos du BitSummit sont également de mon cru, tout comme les captures de Celeste et VVVVVV. Seules les images de Love sont tirées du site itch.io du jeu de 2016.

Dès que la petite bouille enjouée d’un Slime (toujours étrangement appelé “gluant” dans la version française) apparaît dans un Dragon Quest, je ne peux m’empêcher de sourire.

C’est un peu… Non ! C’est EXACTEMENT comme si je retrouvais un vieux pote perdu de vue. Aussi virtuelles soient-elles, ces retrouvailles ont une valeur émotionnelle tangible, et peuvent agir comme un beaume au cœur. La galerie de monstres inventée par Akira Toriyama devrait être déposée au patrimoine mondial de l’UNESCO ! Sérieusement. La définition wikipédia du patrimoine mondial est :

“ (...) un ensemble de biens culturels et naturels reconnu par l’Organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture (UNESCO) comme présentant un intérêt exceptionnel pour l’humanité (...).”

Si le Slime, le Cactak, le Kungfourmilier ou la Canniboîte ne présentent pas “un intérêt exceptionnel pour l’humanité“, alors je ne comprends plus rien.

Vu l’état désastreux dans lequel se trouve aujourd’hui notre société, et l’afflux constant d’horreurs et d’injustices auxquels nous sommes chaque jour exposé(e)s, trouver un peu de joie où l’on peut est devenu plus que nécessaire. Que ce soit le sourire d’une personne aimée ; un spectaculaire concert à la mi-temps d’une finale de football américain (l’un des plus beaux depuis le half-time show de Prince sous une pluie battante en 2007 !) ; la découverte d’une œuvre culturelle empreinte de talent et de sincérité ; la lecture d’un passage savoureux dans un livre ou une newsletter, voire dans les hilarants commentaires glissés sous un post Instagram d’une profonde stupidité, etc, etc… Bref ! Les occasions ne manquent pas, et heureusement !

Le jeu vidéo est, lui aussi, un solide pourvoyeur de bons moments. Et ses bestiaires remplis de monstres aux designs allant de l’étrange à l’adorable, en passant par le dérangeant et l’agaçant, constituent peut-être une partie quelque peu ignorée, ou tout du moins mésestimée, de l’indéniable pouvoir d’attraction du média JV. Combien de jeux sont à ce point intimement liés à leurs monstres, que les imaginer sans eux relève de l’hérésie ?

Les monstres sont les piliers des mondes vidéoludiques. Il serait ridicule de parler de world building sans accorder à ces derniers une place centrale. Et les monstres des jeux de rôle se distinguent tout particulièrement. Non contents d’être omniprésents du fait de leur rôle clé dans la mécanique de leveling inhérente au genre (ce sont des machines à XP ! C’est en les combattant que l’on gagne des points d’expérience), ils sont aussi introduits comme le seraient des acteurs sur une scène !

C’est tout particulièrement le cas des J-RPG au tour par tour, comme Dragon Quest bien sûr, mais aussi les vieux Final Fantasy. Ce sont les vraies stars de ces jeux. Si les héros vont et viennent, les monstres restent.

Il est tout simplement impensable d’imaginer un Dragon Quest sans Slime ou sans Dracky (la petite chauve-souris toute ronde), ou un jeu Donjons & Dragons sans Beholder (le gros œil volant à tentacules). Même des monstres apparus plus tard dans une série, comme le Pampa - le cactus désarticulé ! - dans Final Fantasy VI, peuvent s’imposer pour devenir emblématiques.

Il n’est donc guère surprenant que ces monstres aient rapidement vu leur statut évoluer pour devenir nos alliés ! Que les arènes soient celles de Pokémon ou de Dragon Quest, le résultat est le même : après avoir capturé nos cœurs, ils se laissent à leur tour capturer et gagnent ainsi en galon pour prendre place à nos côtés. Les séries Persona et Shin Megami Tensei viennent aussi à l’esprit. Dans cette dernière il est même nécessaire de négocier avec les créatures croisées pour les convaincre de rejoindre nos rangs !

Comment ne pas mentionner également le classique indie Undertale, qui en réinventant la place accordée aux monstres dans le jeu de rôle (ne pas les combattre EST une mécanique de jeu !) a rencontré un succès invraisemblable un peu partout à travers le monde, y compris au Japon.

Et puis ne soyons pas naïfs, les monstres sont aussi une source inépuisable de peluches et autres goodies ! Rien d’étonnant à ce qu’ils soient choyés par les éditeurs comme les véritables petites stars et poules aux œufs d’or qu’ils sont.

En plus d’être le trésor de guerre de nombreux studios japonais, je pense sincèrement que les monstres sont l’une des principales raisons pour lesquelles on aime les grandes séries de RPG, et tout particulièrement de J-RPG. Mais d’autres types de jeux possèdent aussi leurs indéboulonnables stars !

Je vais donc conclure cet article avec une série d’images capturées par mes soins, d’une poignée de monstres emblématiques du jeu vidéo récemment croisés dans des genres variés.

N’hésitez pas à partager vous aussi vos monstres préférés dans les commentaires !

Et il y en a tellement d’autres…

Merci les monstres !

PS: Toutes les images de Dragon Quest VII Reimagined illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale Switch 2 du jeu. Les images de Super Mario Bros. 3 et Super Ghouls ‘n Ghosts ont été saisies via les chaînes NES et SNES du service Switch Online. Celle de Mega Man 3 est issue de la compilation Capcom : Mega Man Legacy Collection ; celle de Castlevania Symphony of the Night, du bundle Castlevania Requiem: Symphony of the Night/Rondo of Blood ; et celles de Gradius et Salamander III de la compilation Gradius Origins. Enfin, l’image de Castlevania: Belmont’s Curse provient de la page Steam du jeu récemment annoncé et dont la sortie est prévue pour cette année.

Lorsque j’ai découvert la bande-annonce de Lovish, j’ai immédiatement su que c’était un jeu qui allait me plaire.

Un petit chevalier en armure tout droit échappé d’un jeu de plates-formes / action des années 80, qui saute et donne des coups d’épée en progressant écran par écran comme à l’époque de Bubble Bobble, Pitfall!, Solomon’s Key ou The Maze of Galious ?! Mais c’est exactement mon type de jeu ça ! Yep.

Simple, beau et plein de promesses… comme un samedi matin de 1987.

Cependant, dès l’introduction du jeu un truc inhabituel se produit… On rit ! Si Lovish est une lettre d’amour aux jeux de notre enfance, son développeur “quasi-solo” n’a pu s’empêcher de gribouiller dessus tout un tas de blagounettes !

Matt Kapp, comme beaucoup d’autres développeurs indépendants, est un enfant de la NES.

Depuis le moment où j’ai eu pour la première fois entre les mains une manette NES, j’ai toujours su que c’était ce que je voulais faire ! En fait, la plupart des gens que j’ai croisé au cours de ma vie ont eu beaucoup de mal à prendre ce projet de carrière au sérieux, et en dehors des joueurs, c’est un peu toujours le cas 😅.

À un moment donné, j’ai juste arrêté de chercher un “boulot normal” pour tout miser sur la création d’un jeu que j’aimerais faire. Ça s’est concrétisé avec Castle in the Darkness, qui m’a lui-même mené à l’opportunité de travailler sur The Binding Of Isaac: Rebirth1, pour finalement créer mon propre studio, LABS Works, et m’associer à Jon Lepage afin de développer Astalon: Les Larmes de la Terre.

Et voici maintenant Lovish (avec plein d’autres jeux sur le feu) ! Est-ce que je serais plus heureux dans un “boulot normal” avec un salaire stable ? Peut-être, mais je serais aussi probablement misérable, et je continuerais encore à faire des jeux après le boulot. J’ai donc décidé de faire l’impasse sur la misère pour me concentrer à 100% sur ce que j’aime le plus, et m’améliorer en tant que game designer, artiste et musicien !

Le dernier jeu de Matt est à l’évidence le fruit de sa passion pour les jeux rétro. Mais c’est aussi un véritable condensé d’irrévérence, d’humour un peu perché et d’auto-parodie. Une approche qui tranche avec celle qu’il avait adopté sur ses deux précédents jeux, les metroidvania sombres et sérieux : Castle in the Darkness en 2015 et Astalon: Les Larmes de la Terre en 20212.

Un cadre sérieux requiert beaucoup de réflexion, de planning et de consistance. Alors c'était plutôt sympa de faire un jeu sur lequel je n'avais pas besoin de me soucier de tout ça 😆 Hahah… Quand j'ai commencé à développer Lovish, c'était juste un projet sur le côté sur lequel je travaillais depuis ma chambre d'hôtel à chaque fois que j'étais en vadrouille avec mon groupe3. Je pense que ce cadre fun et léger m’a libéré et permis d’ajouter des éléments amusants au jeu, sans avoir à trop y réfléchir !

Très second degré, voire lunaire par moment, l’humour est LA feature inattendue de Lovish.

Pour commencer, notre héros, Sir Solomon, est un égomaniaque un peu vain dévoré par l’anxiété. Une vraie tête à claque quoi… Il commence par larguer son équipe de héros comme un gros traître, pour la jouer solo et tenter de s’assurer l’amour de la Princesse Tsuna via un casque spéciale. Le “Heaume Vidéo” lui permet en effet de projeter un rayon d’amour faisant tomber en pâmoison toute personne ou créature se trouvant pris dedans ! Bref, un vrai tocard.

Cet humour est distillé par le truchement de vignettes animées qui viennent s’intercaler de façon aléatoire entre chaque niveau. Certaines vont même jusqu’à introduire une petite interaction Rhythm Tengoku-esque, ou un combat façon vieux JRPG à la Dragon Quest, voire simplement une réponse à une question à choix multiple. On ne sait jamais sur quoi on va tomber ! Il faut donc rester attentif, afin de réagir vite, et apprendre de ses erreurs.

De l’aveu même de leur auteur, ces vignettes n’ont pourtant rien à voir avec Rhythm Tengoku. En revanche…

Les plus grosses influences des micros interludes de Lovish, ce sont des trucs comme les reels Instagram ainsi que ma capacité d’attention plus que limitée !

Ces vignettes sont également là pour introduire une hilarante galerie de personnages secondaires - plus de 100 ! -, dont certains ont été dessinés par le mangaka Ryūsuke Mita, connu pour la série heroic-fantasy Dragon Half.

Publiés à la fin des années 80 / début des années 90, ces manga mettent en scène une jeune adolescente mi-humaine mi-dragon qui trouve le moyen de tomber amoureuse d’un chasseur de dragon (c’est ballot). Très “sexy”/fan service, cette série est bien de son époque, mais s’amuse aussi de celle-ci pour tourner en dérision des clichés liés aux anime, aux jeux de rôle et au genre Sword & Sorcery, qui fut particulièrement populaire à la fin des années 80 (merci Schwarzy).

Lovish et Dragon Half possèdent ainsi plus d’un point de commun !

Matt Kap nous parle de sa rencontre avec le mangaka, aujourd’hui âgé de 58 ans, et de l’impact que son oeuvre eut sur sa carrière en tant qu’artiste et développeur de jeu.

Au moment où Castle in the Darkness est sorti, j’ai trouvé le contact de Ryūsuke et je lui ai envoyé un message. On a échangé amicalement pendant quelques temps, et j’ai fini par lui demander si participer au character design et à la création de visuels pour Astalon pourrait l’intéresser. Il a accepté, et nous avons depuis travaillé ensemble sur plusieurs jeux !

Ryūsuke a sans doute été l’une des personnes qui a eu le plus d’influence sur mon art. Quand j’étais gamin, j’ai acheté un tome de sa série de manga Darkhair Captured, et j’ai tellement aimé son style que j’ai vraiment commencé à prendre le dessin au sérieux à partir de ce moment. J’emmenais ce livre partout avec moi pour apprendre à dessiner (j’essayais en tout cas). J’ai fini par me spécialiser dans le pixel art, mais l’oeuvre de Ryūsuke fut instrumentale dans mon parcours !

Il commence généralement par m’envoyer un croquis composé de lignes griffonnées. Que je valide avant qu’il finalise le key art et me l’envoie une fois terminé. Pour Lovish spécifiquement, il a aussi fait le design de certaines vignettes de transition. Mais ses designs étaient uniquement des croquis, que j’ai ensuite transformé en pixel art.

La musique entraînante à la Mega Man, le ton humoristique et parodique, l’action ramassée en petites séquences… tout est à la fois cohérent et joyeux.

Si je devais choisir un adjectif pour parler de Lovish, je pense que ça serait : “réjouissant”.

Mais sous ses airs décontractés et son apparente simplicité se dissimule un jeu de plates-formes / action étonnamment riche, qui va jusqu’à posséder un “mini” (comme le reste) côté metroidvania ! Dans le sens où la revisite des niveaux est encouragée pour débloquer des couronnes cachées, des trésors, voire des passages secrets menant à d’autres dimensions ! Comme Pampas & Selene - que j’ai présenté dans cette newsletter - Lovish possède une grosse vibe The Maze of Galious ! Un classique de Konami sorti en 1987 sur MSX, et l’un de mes jeux favoris, qui a marqué mon enfance…

Je n’ai jamais eu de MSX, mais j’y ai joué récemment et je l’ai adoré. Il y a eu quelques excellents jeux “à la Galious” récemment, comme Mini Ghost, La Mulana et Pampas & Selene ; je les ai tous fait et énormément apprécié ! En fait, quand j’ai commencé à bosser sur Lovish, c’est exactement ce qu’il était : un jeu “à la Galious” ! Hahah… Mais mes journées commençaient vraiment à se ressembler, en travaillant sur 3 metroidvania à la fois, alors j’ai retouché Lovish pour le rendre un peu plus unique.

Pour ce qui est des autres classiques (NDLR: des autres inspirations rétro), c'est surtout un feeling que j'essaye de capturer, plutôt que des aspects spécifiques d'un game design. Avec Lovish, je voulais tout bonnement créer un jeu qui véhicule les mêmes sentiments de fun et de simplicité ressentis lors de ma découverte de ces classiques. Mais en les présentant d'une façon à la fois unique et intéressante. Beaucoup de personnes comparent Lovish à Solomon's Key dernièrement, mais je n'y ai jamais joué. Le fait que notre héros s'appelle Sir Solomon est aussi une pure coïncidence.

Une chose est certaine, l’amour des secrets qui transpire de Lovish, lui, n’est pas une coïncidence !

Et comme beaucoup d’entre nous4, Matt fait bel et bien partie des joueurs et des joueuses qui sondent tous les murs de son épée, histoire de s’assurer qu’ils ne dissimulent pas un petit bonus caché ou un passage secret (on ne sait jamais…).

Ah oui, définitivement ! Hahah… Et ce n’est pas seulement une question de secrets et d’objets cachés. Plus un jeu peut surprendre le joueur, mieux c’est. Il y a probablement encore quelques bonnes surprises dans Lovish que tu n’as pas encore découvert ! (NDLR : j’en ai trouvé pas mal déjà, mais je ne les spoilerais pas dans cet article !)

Je ne me rappelle pas vraiment d'un secret précis qui pourrait servir “d'origin story” à mon amour pour ces derniers, haha. Mais les secrets étaient partout à l'époque ! Je me souviens de trucs comme les flûtes de Super Mario Bros. 3, des jeux débloquables dans Kirby Super Star, du code Justin Bailey de Metroid, et même de choses comme les stratégies de Punch-Out!!. Plus récemment, j’ai été marqué par les personnages à débloquer dans Super Smash Bros. Brawl. Je n'avais aucune idée que des persos comme Wolf et ROB allaient soudainement me défier et devenir jouables ! Et ça se passait pendant des matchs VS en plus. Je n'avais pas encore joué au mode Émissaire Subspatial à ce moment là, alors c'était assez spécial. C'est fou que j'ai pu éviter de me faire spoiler ça ! J'aimerais tellement que les designers ajoutent ce genre de secrets à débloquer aujourd'hui, même avec le risque que tout fuite sur le Net.

Lovish donne par moments l’impression d’être l’une de ces poupées russes, emboîtées les unes dans les autres, qui semblent toujours en cacher une dernière, encore plus petite. Si son écran de sélection, avec ses niveaux bien alignés et reliés par des lignes tracées à la règle, laisse supposer une linéarité à tous crins, celle-ci ne fait pas illusion longtemps.

Même notre inventaire peut cacher quelques surprises inattendues ! J’ai aussi apprécié le fait que la maniabilité de Sir Solomon affiche une jolie souplesse. On peut gérer ses sauts avec finesse et précision, ce qui s’avérera précieux pour venir à bout de tous les secrets du jeu.

Ça m’a pris un peu moins d’un an pour finir le jeu, du début à la fin ! J’ai eu quelques retards avec la sortie ceci dit, essentiellement parce que j’ai été un peu trop ambitieux avec les portages sur consoles et qu’on ne voulait pas précipiter les choses. Mais nous nous sommes accordés le temps nécessaire, alors la production n’a pas été trop stressante et tout s’est déroulé sans accroc. Ce fut le projet le plus fun sur lequel j’ai pu bosser jusqu’à maintenant, et j’espère que les joueurs s’amuseront aussi !

Si vous avez un PC, sachez que Lovish dispose d'une démo gratuite sur Steam, histoire de le tester par vous-même. Matt Kap, vous l'aurez compris à travers son interview, travaille sur deux autres jeux en ce moment, dont la suite de Astalon. Et j'avoue que de mon côté, il fait désormais partie, lui et son studio LABS Works, des développeurs indépendants à suivre !

Et on termine cette newsletter avec la bande-annonce japonaise du jeu !

PS: Toutes les images et les vidéos de Lovish ont été capturées par mes soins à partir d’une version Switch fournie par l’éditeur. Les couvertures des manga Dragon Half et Darkhair Captured ont été dénichées sur l’internet japonais. L’interview de Matt Kap a été réalisée par email avec l’aide de Justin Pfeiffer, attaché de presse chez Dangen Entertainment. Un grand merci à eux deux !