I fell in love with Derelict Star, a game I discovered completely by chance on the social network Bluesky.

Sometimes, you feel the urge to learn more about a video game you’ve spent a long time with, one that challenged you and pushed you to the brink of insanity! Derelict Star is such a game, in a genre I love (metroidvania) and a subgenre I love even more (“knowledge-vania”).

So I reached out to its solo developer with a bunch of questions!

This newsletter is the very first I’ve ever published in English, as I always write my weekly articles in French. It’s a testament to how much I love this game. So after writing and sending a lengthy newsletter dedicated to Derelict Star, I decided to publish the complete, unedited interview, along with my original questions.

I hope you’ll enjoy it and that it will help bring recognition (even just a little bit!) to a truly excellent game and a great game designer. I cannot thank gate (aka John Williams) enough for the thoroughness and generosity of his answers.

How would you define Derelict Star and would you agree with people (myself included) describing it as a “knowledge-vania”? A subgenre where I would also place games like ElecHead or FEZ, two titles I really love and that may have influenced your game a little bit?

Derelict Star somewhat defies categorization on purpose. I tend to like games that explore or combine ideas in new ways, so I pretty intentionally make choices that buck trends. That said, I do agree that it has a lot of “knowledge-vania” flavor. Before this game I made a few free puzzle games that also attempted to teach the player lessons through gameplay, so it’s a mode of game design communication that I’ve already practiced and become familiar with.

For the two games you mentioned -- I am a fan of both but they’re not my main inspirations. I do really love Outer Wilds so that game is likely a more significant source of inspiration. For FEZ I only played the surface game and not the post-game so I’m not sure how that compares or contrasts to mine. For ElecHead, I appreciate the design but it’s slightly too buttoned-up for me. I like games to be a little messier than the experience I got from ElecHead. Perhaps it’s because I’m a similar designer, but I was able to guess most of what was going to happen in ElecHead so it was less exciting for me.

Derelict Star seems to share quite a few common points with Super Mario World ROM hacks, especially the Kaizo Mario genre. There are the keys, the focus on platforming above a sea of death traps, and especially the use of momentum or “P-Speed” in Mario’s language! Are you a Kaizo player? Have you ever tried building levels in Mario Maker or Lunar Magic? What is your relationship with the Kaizo Mario genre?

I did make levels in both Mario Maker 1 & 2. That is actually where I learned I really enjoyed level design. I tried to take under-used elements and mechanics in those games and make weird puzzle levels that would teach them to the player. For example, in Mario Maker 2 I made a whole level based on crouching and rolling in the 3D World tileset. Before Mario Maker I thought of myself as mostly a programmer, but Mario Maker taught me I was a level designer too.

I actually just started playing Super Mario World Kaizo hacks during the pandemic. I had caught COVID and had a hard time doing much outside of sitting, and playing really hard Kaizo levels was pretty good at distracting me from my illness because it took the entirety of my attention to play well. After a frustrating few days, I really started to appreciate the design and creativity on display in the Kaizo community. It felt like a step up from Mario Maker in terms of ideas and player expression.

Taming the character’s momentum and understanding how to use it in different environment, each with its own set of special rules, is (for me at least) the key feature of Derelict Star. How hard was it to nail that jump?! And did you continue tweaking it even after starting to build levels? It feels like the jump had to be perfected first, because Level Design is tailored to it… What was the moment during production when you knew you had found the right “feel” for the jump?

For a game to be good, I believe you want to nail the fundamentals of how it plays. So when I started work on the game, I only focused on the fundamental physics. It took about a week of programming and tweaking numbers until I was happy with how the character controlled.

From my experience making puzzle levels in Mario Maker, I knew I wanted a very predictable jump height. When you’re making puzzles, if a jump is technically possible then you have to account for it in the puzzle design. This is part of what makes making puzzle levels in Mario Maker so hard -- it’s never clear to the player if a specific jump is possible or if they just messed up the execution of it.

I wanted my jumps to be “easy” and obvious for on-grid platforming, so I very intentionally picked jump heights that would give the player a few more pixels of room so that their jumps didn’t have to be perfect. There were certain tile height breakpoints I wanted the player to be able to easily achieve based on their speed (completely still, walking, or running). These breakpoints make it a lot easier for a player to reason about any particular jump.

I would say it was at the end of that first week when I felt I had found the right “feel” for the jump. I still made little tweaks throughout the development process (especially when implementing new features, like moving platforms or ceiling slime) but the core feel of the game was nailed down very very early, basically before any levels were made. I made a little playground to test the physics, wrote the physics, and those physics are very very similar to the final product’s physics.

I love platformers, Super Mario World is one of my favorite games of all time and personally I don’t need a story, an open-world, upgrades, powers or anything to enjoy this old genre. BUT, for many players, a “classic” platformer is not enough anymore. I had the opportunity to interview BZZZT’s developer, Karel Matejka, a few years ago and he told me this: “Platformers are still evolving. It is very hard to attract today’s players with retro-vibe experiences. Platformers need something fresh and deeper to be successful among players. That’s why Metroidvanias are still so popular. The majority of Metroidvanias still bring new ways to control the game, and the exploration aspect of this genre is very tempting. On the other hand, I see lower interest in classic arcade platformers these days. Maybe it’s the right time to come up with some new Metroidvania!”

Would you agree with him? And what made you choose an open-world structure? Also, why did you decide to make an exploration / platformer game without any upgrades? It seems like a much more challenging approach to the genre (in terms of level design)!

I’m not terribly interested in what’s popular, potentially to my detriment. Derelict Star is my first commercial game, and I made it because it’s the type of game I would want to play. I thought I might as well try to make exactly what I want, and if that doesn’t work monetarily then at least I tried and will feel satisfied creatively, and I can pivot to something else afterwards.

I chose an open world structure because I want to challenge the player, but I don’t want to overwhelm them. In a linear game, if a player comes across an obstacle they can’t overcome, then they’re forced to quit the game. The open world softens that difficulty, and players can pick and choose what challenges they tackle in what order, and if they’re stuck they can just move on to something else. The open world is a way of providing a dynamic difficulty setting that the player has some active control over.

I made a platformer without any upgrades because I’m very interested in games where your skill as a player improves. I grew up on NES games, arcade games, and traditional roguelikes, so I am in love with the feeling of seeing something that initially feels impossible, and then slowly getting better until suddenly it’s possible. Upgrades just complicate and dilute that feeling. I want the player to feel accomplished, and any upgrades or meta-progression might undermine that.

I personally think that Derelict Star is a VERY difficult game. And you clearly are a very skilled player since you 100% your game in about 6 hours, which is incredible. What was your mindset when designing the levels? How did you approach and balance difficulty?

Balance is mostly all just intuition for me. As previously stated, I love the feeling of mastery in games and I want to communicate that feeling to other players who maybe have not experienced it yet. For example, most Kaizo hacks are aimed at experts, and even the “easy” ones that Kaizo players recommend to beginners have quite difficult sections that can discourage players from continuing.

I wanted to design a game that could ease a beginner player into these challenges without totally overwhelming them. In some ways this is an impossible task, because every player is different. So during testing I added the “assist” and “help/hint” menus to try to bridge the gap when my design fails in some way for the player.

In terms of challenges -- sometimes I approach level design “backwards”. I make the hardest puzzle/section I can with the tools I have, which might be the final challenge in an area. I then work backwards from that, and figure out ways to introduce the ideas and skills necessary for that final challenge. How can I isolate individual parts for the player to learn separately? What aspects of the challenge can I tweak to make it more forgiving?

Did you do a lot of playtesting? Some developers prefer live playtesting events (like Sri Kankanahalli, Neon Inferno’s creative director, who lives in NY). Were you able to showcase your game at any in-person events during development?

The large majority of playtesting was online with a handful of people. The most useful playtesting was from testers who would record their playthrough with commentary, and I would watch it back and take notes on what they liked, what they struggled with, and anything that didn’t work the way I wanted it to.

I did have a few friends playtest some specific areas in person and those sessions were helpful too. Notably, I had my sister -- whose video game experience is mostly just Animal Crossing -- test the “Slimb Climb” area and she was actually able to complete it within an hour with no prompting from me. This was a very encouraging result, because it did mean it was possible for relative beginners to learn if they had enough patience and determination.

How did you decide that collecting 9 cells would be a good number to “finish” the game and give players a sense of closure?

This was also mostly intuition/vibes. I made the decision after designing all 13 batteries, and I tried to pick a threshold where a slightly above average player would still feel challenged. I want to respect my players and instill a sense of accomplishment -- if too much of the game is optional they’ll suspect they’re missing some part of the experience -- but ultimately I want them to play exactly as much as they want to. There’s no “perfect” place to put it because it varies greatly from player to player, so I just picked one.

I personally feel that the game’s difficulty can sometimes be quite harsh and may occasionally get in the way of the player’s sense of accomplishment. (…)

Why did you decide to add this “extra” difficult segment at the end of an already difficult section tied to a puzzle [Editor’s note:I cut the example from the question to avoid spoilers]? More broadly, when and how do you decide that a section is “difficult enough”? How do you balance the player’s sense of accomplishment with pacing the difficulty? If that makes sense…

I think I tend to value negative emotions and antagonism more than the average developer. To me, interacting with an antagonistic game tells me so much more about the developer than a strictly pleasant one does. A player interacting with a system that is playful and tricks them feels like a direct dialogue between the player and developer, more so than normal design allows. I really value that communication and want that human element to shine through in my design. The player starts to be able to imagine the personality of the person that made the game.

I also don’t like when video games feel rote and predictable, and games start to feel that way when the designer starts following a bunch of invisible rules for what makes a game “good” and “fair”. Video games are sort of inherently unfair -- the code always hides more rules than the game explicitly communicates to you. I’ve heard Dark Souls described as “tough but fair” but that game actively tricks you and often kills you in surprising ways that you could not foresee.

When designing games you make 1000s and 1000s of decisions, and the only way I know how to make that many decisions is with intuition. I do what feels right to me at the moment. Sometimes I’m wrong, and I learn that when people test the game. But I’d never want to completely flatten that variance out of my game. The outside world is messy, and my game design is messy in a way that hopefully reflects the world around me.

Difficulty is just one of the tools I use to surprise the player and I’d never want my design to be so predictable that I ruin that surprise. I don’t use it everywhere because for it to work you want the player to trust you, and deploying it too much ruins the surprise anyway.

Why did you choose to use the terminal to share messages about mental health (I really loved those by the way)?

I’ve struggled with anxiety my entire life, and even though I’m always learning more techniques and ways to deal with it, I suspect I’ll never feel completely free of it. I hadn’t seen my particular brand of “sarcastic self-awareness” depicted before, but that was a mode my younger self operated in a lot of the time. My anxiety made me hyper-aware of myself, which meant I was often very aware of most of the negative effects that anxiety had on my life, but that awareness gave me no ability to fix any of my problems.

It took me a while to learn that that’s a very toxic mindset to be in, and it’s self-reinforcing. Being critical of myself just made my problems worse, and the only way out of that spiral was to be more kind and accepting of myself.

For me that mindset is something I can fall into easily when making things, including this game. So in some ways it’s a reflection of my worst thoughts I could have had while making it, and I thought it also might mirror a particular type of player who’s hard on themselves when they can’t beat a platforming puzzle. So I liked that duality of it, both reflecting a version of me as the developer, and a version of me as a player. I’m telling myself and the other people playing that “it’s okay to fail” and to accept themselves where they are, rather than where they’d like to be.

And finally, could you tell us a bit about yourself? Are you a full-time developer? Where are you from? What pronouns do you prefer?

Sure. My name is John. I use he/him pronouns. I grew up in the rural midwest in the United States and I still live there today. I worked in a corporate environment for about 12 years as a programmer making iPad apps and websites. Eventually the corporate life really wore me down (boredom + stress is a TERRIBLE combination for someone who deals with anxiety) so I quit and gave myself some space to feel out what I really wanted to do. I live very frugally and the cost of living is pretty low in the rural midwest so I had saved up enough money that I had enough of a cushion to do what I wanted for a few years. I learned Godot about 2 years ago, and Derelict Start took about 1 year to develop full-time. I did literally everything for the game -- the graphics, sounds, programming, design, etc, so it took a while for me to get comfortable in some of the skills I felt I was worse at.

Thank you so much for reading this interview and a thousand thanks to Derelict Star’s developer, John Williams, who took the time to answer my questions with such detail and honesty.

PS: Derelict Star’s screenshots were captured on Steam Deck from a commercial version of the game.

Je ne vais pas y aller par quatre chemins. Derelict Star est une petite merveille.

Il m’arrive rarement de tomber sur un jeu qui m’accroche au point d’en rêver la nuit. Qui m’accapare tellement l’esprit, que je le mitraille de screenshots, tel un paparazzi du pixel, pour toujours avoir sur moi des bouts d’écran1. Surtout quand ces derniers renferment une “énigme” dont je n’ai pas encore percé le secret ! Je peux ainsi produire une capture d’écran à tout moment, afin de l’observer tel un Kasparov du pauvre fixant son échiquier.

Le plus étonnant, c’est que je l’ai découvert totalement par hasard. Sur un réseau social en fait - Bluesky - lorsque son développeur solo, gate (alias John Williams), a annoncé sa sortie sur Steam et itch.io début avril. Un jeu indépendant de plus, comme il en sort des dizaines chaque jour, perdu sur Steam comme l’est son héros dans l’espace. Et pourtant, cette improbable découverte, tel un diamant pris dans la lumière, m’a ébloui.

UPDATE : Une fois n’est pas coutume, j’ai également publié (sans l’envoyer sous forme de newsletter) l’interview complète originale, en anglais, du développeur solo John Williams. Vous pouvez la consulter en cliquant sur le lien ci-dessous 👇☺️

Derelict Star est ainsi l’histoire d’une rencontre.

Une rencontre avec un jeu “sorti de nulle part”, mais aussi avec son créateur, qui a accepté de répondre à mes questions avec autant d’honnêteté que de générosité. Mais laissons-le se présenter…

Mon nom est John. J’ai grandi dans le Midwest rural des Etats-Unis où je vis toujours aujourd’hui. J’ai travaillé en entreprise pendant 12 ans environ, en tant que programmeur, pour créer des applications iPad et des sites Internet. Cette vie d’entreprise a fini par m’user profondément (ennui + stress est un combo TERRIBLE pour quelqu’un qui soufre d’anxiété), alors j’ai démissionné pour m’accorder un peu de temps afin de songer à ce que je voulais vraiment faire. Je vis assez frugalement et le coût de la vie est plutôt bas dans le Midwest rural, alors j’avais pu mettre assez d’argent de côté pour faire ce que je voulais durant quelques années.

J’ai appris à utiliser Godot2 pendant deux ans, et le développement de Derelict Star m’a pris un an à plein temps. J’ai littéralement tout fait sur le jeu : les graphismes, les bruitages, la programmation, le design, etc. Ça m’a donc pris un certain temps pour me sentir à l’aise avec quelques-unes des compétences que je maitrisais le moins.

En apprenant qui se cachait derrière ce jeu, le parcours de son développeur, ainsi que le dévouement qui fut nécessaire sa création, je vous avoue ne pas avoir été surpris. Tout dans Derelict Star respire la passion. On sent qu’il s’agit d’un projet personnel, créé avec autant d’attention que de délicatesse. Si l’on peut aisément ranger ce titre dans la catégorie “jeu de plates-formes à l’ancienne”, c’est aussi (et avant tout) un metroidvania, soit un savant mélange de plates-formes ET d’exploration.

Derelict Star nous met en effet dans la combinaison étanche d'un astronaute littéralement perdu dans l'espace. Il se retrouve contraint de rechercher des capsules d'énergie sur un énorme cargo spatial échoué et abandonné, afin de pouvoir faire redécoller son propre vaisseau. Pourquoi êtes-vous ainsi en perdition ? On ne sait pas trop, mais l'IA de votre vaisseau cherche assez clairement à vous faire porter le chapeau !

Quitte à énerver un peu plus celles et ceux qui détestent le mot-valise “metroidvania”3, je vais en rajouter une couche en précisant qu’il appartient même à une sous-catégorie du metroidvania, connue sous le nom de… knowledge-vania. Ou MetroidBRAINia (😅) pour faire bonne mesure et enfoncer le clou dans ladite valise !

Là où le metroidvania repose sur l’obtention de nouvelles capacités et/ou d’équipements ouvrant des chemins jusque-là inaccessibles (comme dans Super Metroid ou Castlevania: Symphony of the Night), le knowledge-vania, lui, ne repose que sur votre expérience et “connaissance” du jeu. Point d’upgrades ici, ni même de combat d’ailleurs, vous avez “juste” votre jetpack et la capacité de sauter pour flotter d’un endroit à un autre.

Derelict Star résiste quelque part à toute catégorisation, et c’est volontaire. J’ai tendance à apprécier les jeux qui explorent ou mélangent des idées de façon inédite. Alors j’ai intentionnellement fait des choix qui bousculaient les tendances.

Ceci dit, j’admets qu’il possède une certaine saveur à la “knowledge-vania”. Avant ce jeu, j’ai créé plusieurs puzzle games gratuits qui s’efforçaient également de donner des leçons aux joueurs à travers le gameplay. J’avais donc déjà pratiqué ce mode de communication via le game design, pour me familiariser avec.

Ce mot - communication - est absolument clé.

Le game design étant aussi la façon dont un jeu communique les règles qui régissent sa jouabilité, sa limpidité est primordiale afin que joueuses et joueurs puissent progresser sans frustration. D’autant plus lorsque le jeu choisit de se draper de mystère ! Cette découverte par la pratique et l’expérience est la base même du knowledge-vania, où l’idée est de vous aiguiller vers le bon chemin, sans pour autant le baliser de panneaux de direction.

C'est un sous-genre que j'adore personnellement, dans lequel je range des titres tels que ElecHead, Öoo, FEZ, Celeste aussi, et dans une certaine mesure le récent jeu indé et chouchou de la critique (à juste titre !) : Animal Well. John, lui, cite plutôt Outer Wilds comme ayant été une source d'inspiration.

Dans Derelict Star, tout repose sur le contrôle de son personnage, soit la prise de vitesse, l’envol (on est équipé d’un jetpack !) et la gestion de son momentum… Une étape absolument cruciale dans la conception du jeu, qui a nécessité bien plus de tests et de réflexion que l’on pourrait l’imaginer.

Pour qu’un jeu soit bon, je suis convaincu qu’il est nécessaire de parfaire le coeur de sa jouabilité. Alors quand j’ai commencé à travailler sur le jeu, je me suis uniquement focalisé sur la physique du saut. Ça m’a pris une semaine de programmation et de chiffres à affiner pour que je sois enfin satisfait du contrôle du personnage.

Après avoir créé des niveaux tortueux dans Mario Maker, je savais d’expérience que je voulais une hauteur de saut très prévisible. Quand tu crées des puzzles (séries d’obstacles), si un saut est techniquement possible, alors tu peux le prendre en compte dans ton “puzzle design”. C’est ce qui rend la création de niveaux à puzzle si difficile dans Mario Maker, ce n’est jamais clair pour le joueur si un saut particulier est possible ou s’il a juste foiré son exécution.

Je voulais que mes sauts soient “faciles” et évidents pour un jeu de plates-formes aux mouvements alignés sur une grille. J’ai ainsi intentionnellement choisi des hauteurs de saut qui donneraient quelques pixels de rab aux joueurs, de manière à ce que les sauts n’aient pas besoin d’être parfaits. Il y avait certains paliers de hauteur que je voulais que le joueur puisse aisément atteindre en fonction de leur vitesse (à l’arrêt, en marchant, ou en courant). Ces paliers facilitent grandement la compréhension et la maîtrise de n’importe quel saut pour les joueurs.

Je dirais que c’est à la fin de cette première semaine d’expérimentations, que j’ai senti que j’avais trouvé le bon “feeling” pour le saut. J’ai encore opéré quelques modifications tout au long du développement (tout particulièrement lors de l’implémentation de nouvelles fonctionnalités comme les plates-formes mouvantes ou les plafonds de slime), mais la sensation de contrôle du personnage a été finalisée très très tôt, avant qu’aucun niveau n’ait été créé en fait. J’ai créé une petite “salle de gym” pour tester la physique et la programmer. Cette physique est très similaire à celle qui est actuellement dans le jeu.

Tout dans le jeu est affaire de précision, de réflexion (les puzzles tournant autour de vos capacités de mouvements et votre capacité à “lire” l’environnement) et… de patience ! Vous avez peut-être noté que John mentionne Mario Maker ? Et vous aurez également probablement remarqué que je fais référence à plusieurs reprises à la difficulté (plus que) corsée du jeu… Hé bien parlons-en !

Parce que Derelict Star s’inspire beaucoup du Kaizo Mario, soit ces réinventions de vieux Mario (comme Super Mario World) en mode ULTRA difficile, créées avec l’idée de challenger (et de torturer) les joueuses et joueurs qui s’y frotteraient.

J’avais même consacré un article au Kaizo Mario, qui est pour moi - à défaut d’avoir la patience de m’y confronter manette en main - le plus savoureux des spectacles.

La difficulté dans le jeu vidéo en général est un sujet qui divise, pour de bonnes et de mauvaises raisons. L’approche punitive de celle-ci, en partie liée à l’héritage arcade du média JV, s’est diluée au fil du temps, à force de mécaniques issues du RPG (constant gain en puissance mitigeant la difficulté), de l’apparition des mondes ouverts, ou encore de la disparition progressive du concept même de “vies limitées”.

Mais la difficulté a redoré son image ces dernières années, avec le succès des jeux à la Dark Souls par exemple ; ou la propension d’un grand nombre de jeux indépendants (Hollow Knight, Crimzon Clover World EXplosion, Cyber Shadow…) à émuler les classiques du passé, y compris dans leur approche de la difficulté ; sans oublier la popularité grandissante du Kaizo Mario à la marge de YouTube et Twitch.

John va maintenant nous parler de l’influence de Mario Maker et du Kaizo Mario sur Derelict Star, ainsi que les raisons qui l’ont poussé à proposer un jeu aussi intransigeant dans sa difficulté.

J’ai en effet créé des niveaux avec à la fois Super Mario Maker 1 et 2. C’est d’ailleurs comme ça que j’ai compris que j’appréciais vraiment le level design. J’ai essayé d’utiliser des éléments et mécaniques sous-exploitées de ces jeux pour ensuite les enseigner aux joueurs à travers des niveaux plein de puzzles bizarres. Dans Mario Maker 2 par exemple, j’ai fait tout un niveau basé sur les mécaniques de roulade et d’accroupissement dans les décors de Super Mario 3D World. Avant Mario Maker je me voyais avant tout comme un programmeur, mais grâce à lui j’ai aussi appris que j’étais un level designer.

Pour les Kaizo hacks de Super Mario World, je m’y suis vraiment mis pendant la pandémie. J’avais attrapé le COVID et je ne pouvais plus faire grand chose en dehors de rester assis. Jouer à des niveaux de Kaizo Mario vraiment difficiles s’est avéré être une distraction bienvenue, parce qu’ils nécessitaient mon entière concentration pour être terminés. Après plusieurs jours d’intense frustration, j’ai commencé à vraiment apprécier le design et la créativité dont faisait montre la communauté Kaizo. C’est un cran au-dessus de Mario Maker en termes d’idées et de liberté d’expression du joueur.

Derelict Star est un jeu qui ne fait pas de cadeau.

S’il ne se hisse pas au niveau de la crème des Kaizo Mario en termes de difficulté, il aborde le jeu de plates-formes avec le même amour masochiste du challenge qui pique. Une difficulté définie par son exigence de précision (au pixel près), son allégeance absolue au Die & Retry (respawn immédiat après un échec, à la Super Meat Boy), et une intransigeance qui pourrait faire voler quelques manettes. Vous avez trouvez Silksong difficile ? Le cosmonaute de Derelict Star va vous faire regretter la souplesse et la versatilité de Hornet !

Ici, pas d’upgrades, d’armes à aiguiser, d’amulettes à équiper… Juste un bouton pour sauter et le même équipement du début à la fin : une combinaison pour se téléporter au dernier checkpoint (en cas de mort imminente) et un Jetpack pour bondir au ralenti tel un cabri de l’espace. Trouver le juste équilibre entre challenge et frustration, faire en sorte que le joueur est envie de s'accrocher, qu'il sente qu'il peut y arriver, a nécessité bien des ajustements…

J'ai créé un jeu de plates-formes sans aucune amélioration (sans upgrade) parce que les jeux qui m'intéressent le plus, sont ceux où l’on améliore ses compétences en tant que joueur et non son équipement. J'ai grandi avec les jeux NES, l'arcade, et les roguelikes traditionnels, ce qui explique que j'adore cette sensation de maîtrise, lorsque quelque chose semble au départ impossible, pour s'améliorer petit à petit, jusqu'à ce que soudainement ça devienne possible. Les améliorations ont tendance à compliquer et diluer ce feeling. Je veux que le joueur ressente un véritable sentiment d'accomplissement, et toute amélioration ou méta-progression risque de le compromettre.

L'équilibrage est essentiellement affaire d'intuition pour moi. Comme je l'ai précisé auparavant, j'adore la sensation de maîtrise dans les jeux et j'ai envie de la faire ressentir à d'autres joueurs qui ne l'ont peut être pas encore expérimentée. Par exemple la plupart des Kaizo Mario visent les experts, et mêmes les "faciles", ceux que les spécialistes du Kaizo recommandent aux débutants, comportent des sections plutôt ardues qui peuvent décourager les joueurs de continuer. J'ai voulu créer un jeu qui pourrait amener un débutant à apprécier ces challenges sans qu'il se sente dépassé. D'une certaine façon, c'est un objectif impossible à atteindre, parce que chaque joueur est différent. Alors durant la phase de test j'ai ajouté les menus "assistance" et "aide/indices" pour combler le gap lorsque mon design échoue.

Si Derelict Star est difficile, il fait beaucoup pour rester accessible.

Les objets les plus difficiles à obtenir dans le jeu (des gemmes appelées q-bit) sont ainsi 100% facultatives. Vous n’avez pas besoin d’en récolter une seule pour finir le jeu et faire redécoller votre vaisseau. Et le jeu est très clair sur ce point, ce sont des challenges bonus pour celles et ceux qui - comme moi - tomberont amoureux du jeu (avec un Succès Steam à la clé tout de même). Votre seul impératif est de récupérer les 9 cellules d’énergie nécessaires à votre décollage, et le monde ouvert de Derelict Star vous en propose 13 !

Donc si l’une d’elle vous résiste, vous pouvez partir explorer ailleurs.

J’ai choisi une structure en monde ouvert parce que je souhaite challenger le joueur sans le noyer. Dans un jeu linéaire, si un joueur butte sur un obstacle, il est forcé d’abandonner. Le monde ouvert adoucie cette difficulté, et les joueurs peuvent choisir les challenges qu’ils souhaitent relever et dans quel ordre. S’ils sont coincés, ils peuvent continuer à jouer en allant ailleurs. Un monde ouvert est une façon de proposer une difficulté dynamique sur laquelle le joueur possède un contrôle direct.

Mais plongeons un peu plus loin dans le cheminement mental et les raisons pour lesquelles certains développeurs, comme John sur Derelict Star, n’hésitent pas à proposer un jeu réglé dès le départ sur le mode Hard. Cette partie de l’interview m’a réellement poussé à réfléchir autrement à la notion de difficulté dans le jeu vidéo…

Je pense que j’ai tendance à valoriser les émotions négatives et l’antagonisme bien plus que la plupart des développeurs. Pour moi, interagir avec un jeu antagoniste en dit plus sur son développeur qu’un jeu “accueillant”. Interagir avec un système qui cherche à vous piéger et s’amuse avec vous crée un véritable dialogue (asynchrone) entre le joueur et le développeur, davantage que ne le permet un design “normal”. Je chéris vraiment cette communication et je souhaite que cet élément humain illumine mon design. Le joueur commence alors à être capable d’imaginer la personnalité de la personne qui a fait le jeu.

Je n’aime pas non plus quand les jeux deviennent mécaniques et prévisibles, et ils commencent à le devenir lorsque le concepteur se met à suivre tout un tas de règles invisibles censées définir ce qui rend un jeu “bon” et “juste”. Mais les jeux vidéos sont fondamentalement injustes, le code camoufle toujours plus de règles qu’il ne vous en communique explicitement. J’ai entendu Dark Souls décrit comme étant “dur mais juste”, mais ce jeu cherche tout le temps à vous piéger et vous tue souvent de façon imprévisible.

Quand on crée des jeux, on prend des milliers et des milliers de décisions, et la seule façon que je connaisse pour en prendre autant, c’est avec mon intuition. Je fais ce qui me semble approprié sur le moment. Parfois je me trompe, et je l’apprends lorsque les gens testent le jeu. Mais je ne souhaite pas atténuer cette sensation dans mes jeux. Le monde extérieur est compliqué, et mon game design est compliqué d’une façon qui, je l’espère, reflète le monde autour de moi.

La difficulté est simplement un outil que j’utilise pour surprendre le joueur, et je ne veux pas que mon design devienne prévisible au point de ruiner cette surprise. Je ne l’utilise pas partout parce que pour qu’il fonctionne, il est nécessaire que le joueur vous fasse confiance. Et puis l’utiliser trop souvent ruinerait aussi la surprise.

En jouant à Derelict Star, j’ai réellement eu la sensation d’apprendre à connaître son créateur. Lorsque je pestais sur une série de sauts particulièrement difficile, j’ai pensé à ces joueurs de Kaizo Mario qui maudissent (avec le sourire) son développeur (qu’ils connaissent la plupart du temps, voire mentionnent par son nom, lorsqu’il n’est pas dans le chat de leur stream !), tout en s’extasiant sur l’ingéniosité et l’inventivité dont il a fait preuve pour les challenger (ou les tuer).

Derelict Star est un jeu qui m’a parlé.

Y compris lorsque ses terminaux, entre deux blagues liés à votre crash et au teasing de l’IA du vaisseau, sont utilisés par John pour faire passer de touchants ou troublants messages sur la santé mentale… Des messages qui parleront à beaucoup d’entre nous.

J’ai lutté avec l’anxiété toute ma vie, et même si j’apprends toujours de nouvelles techniques et façons de la gérer, je crains que je ne pourrais jamais complètement m’en débarrasser. Je n’avais pas vu ce trait de personnalité - ma sarcastique lucidité - dépeint auparavant, mais c’est un mode que mon moi plus jeune a souvent adopté. Mon anxiété me rendait hyper conscient de moi-même, ce qui signifie que j’étais parfaitement lucide quant aux effets négatifs qu’elle avait sur ma vie, sans que cette lucidité ne m’offre la moindre solution. Ça m’a pris un moment pour saisir à quel point cet état d’esprit était incroyablement toxique, et qu’il s’auto-alimentait. Être à ce point critique avec moi ne faisait que renforcer mes problèmes, et la seule façon de me sortir de cette spirale était de m’accepter tel que je suis et d’être plus indulgent avec moi-même.

Il est facile pour moi de retomber dans cet état d’esprit lorsque je crée des choses, y compris ce jeu. Alors d’une certaine façon, c’est une réflexion des pires pensées que j’ai pu avoir en le faisant, et je pense aussi qu’il reflète celles d’un certain type de joueurs, qui sont particulièrement durs avec eux-mêmes lorsqu’ils ne parviennent pas à progresser. J’aime cette dualité, qui reflète à la fois qui je suis en tant que développeur, et qui je suis en tant que joueur. Je me dis, ainsi qu’aux autres joueurs, que “ce n’est pas grave d’échouer” et qu’il faut s’accepter tels que nous sommes, plutôt que tels que nous aimerions être.

Je n’ai rien de plus à ajouter. Si ce n’est que Derelict Star est un jeu qui m’a plu à tellement de niveaux, que je suis TRÈS heureux de le partager aujourd’hui avec vous grâce à cette newsletter.

J’espère sincèrement qu’il va pouvoir trouver son public, et que nous serons nombreuses et nombreux à faire décoller cette merveille perdue dans l’espace (des jeux Steam / itch.io).

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été prises par mes soins, sur ma Steam Deck, via une version commerciale de Derelict Star. Les images de Outer Wilds et Super Mario Maker 2 sont tirées de leurs sites officiels, et celles de Grand Poo World 2 de SMW Central et de la vidéo du speedrun de MitchFlowerPower lors de la Summer Games Done Quick 2019. Un IMMENSE merci, aussi, à gate / John pour avoir répondu à mes questions avec une telle générosité. Son interview a été traduite de l’anglais par mes soins.

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Et si l’avenir du jeu vidéo, c’était le rétro ?

Parce qu’à la vitesse où vont les choses, on ne sait pas trop quand la prochaine génération de consoles va arriver, ni à quel prix ! 😭 Avec une industrie de l’IA qui dévore les composants nécessaires à la fabrication de nos machines tel un ogre affamé ; des fabricants de processeurs qui vendent des promesses graphiques aux allures de cauchemar (vous avez du entendre parler de l’epic fail médiatique de l’annonce du DLLS 5 !) ; et le prix des PS5 qui explose une seconde fois… on se dit qu’on est bien mal barré.

En fait, pour être tout à fait honnête, on ne sait même pas si on a vraiment envie (ou besoin) d’une nouvelle génération de consoles ! C’est le sujet de notre MATSU - la portion la plus calorique en pixels du podcast - où toute l’équipe fait le point sur la next gen et s’interroge sur ses envies quant à l’avenir de notre média.

Une petite faim pour un reportage plein d’amour et de rétro ?

Alex Pilot à la réalisation, Jojo au montage, Axel au mix… La chaîne TV Nolife renaît de ses cendres un bref instant pour Pixel Bento et Nolife Z (un rendez-vous mensuel à ne pas manquer sur Twitch) !

Un immense merci à Alex pour avoir une nouvelle fois accepté de diffuser - en audio dans le podcast, et en vidéo dans cette newsletter - l’un de ses reportages. Celui-ci a été tourné fin février à Meaux, lors du festival Retro Gaming Play 👇

Petit point sur la campagne Kickstarter (présentée dans le reportage 👆) de Frédérick Raynal, légendaire développeur français de classiques tels que Alone in the Dark et Little Big Adventure !

Le financement participatif du remake sur Mega Drive de son "vieux" casse-briques PopCorn (accompagné de son périphérique dédié) a levé - au moment où j'écris ces lignes - 40 000 euros sur les 60 000 nécessaires à sa concrétisation. Si vous souhaitez en savoir plus sur ce projet, cliquez-ici, il reste une quinzaine de jours pour le soutenir.

Dans les coulisses de la création des anime Ghost in the Shell

L'arrivée imminente (en juillet) de la nouvelle série Ghost in the Shell, mais aussi le fait que le long-métrage de Mamoru Oshii ait fêté ses 30 ans fin 2025, a une nouvelle fois propulsé cette franchise culte sous les projecteurs.

Une énorme exposition consacrée à l’auteur du manga, Masamune Shirow, a ainsi ouvert ses portes en 2025 - je lui avais dédié un article intitulé Le cyberpunk s’invite à Tokyo ! - et tout récemment ce sont les nombreuses adaptations anime qui étaient à l’honneur au Japon de fin janvier à début avril.

Il est maintenant temps de s’intéresser à nos TAKE !

C'est Nicolas qui ouvre le bal avec Resident Evil Requiem, jeu dont j'ai déjà pu parler dans cette newsletter en le rapprochant d'un certain type de cinéma, plutôt porté sur l'hémoglobine !

Dans le podcast, c'est toute l'équipe qui craft des avis aussi tranchés que peuvent l'être des zombis face à un Léon adepte de la machette ! On évite au maximum de spoiler le jeu, tout en soulignant le remarquable travail de Capcom sur un titre qui se réapproprie les piliers d'une franchise mythique ayant connu des hauts et des bas.

Marc enchaîne avec Mushishi (蟲師, alias "Le Maître des Insectes"), et tout particulièrement la série animée diffusée de 2005 à 2006. Basée sur l'oeuvre illustrée et scénarisée par la mangaka Yuki Urushibara, on y suit les pérégrinations de Ginko, qui a la particularité de percevoir les mushi. Contrairement à ce que le kanji 蟲 pourrait laisser penser, ce ne sont pas des insectes, mais des créatures surnaturelles capables d'impacter tragiquement la vie des humains à leur proximité. Une série dont Marc nous parle avec passion et émotion.

Enfin, de mon côté, j'ai finalement craqué et acheté Ninja Warriors: Once Again après avoir tant aimé l'incroyable remake de Kage, alias Shadow of the Ninja: Reborn, bijou de gameplay auquel j'ai consacré une newsletter en 2024.

Ninja Warriors: Once Again est sorti en 2019. Mais tel un ninja, il restait tapi dans un coin de ma mémoire, prêt à surgir à la moindre éclaircie sur mon planning. Beat'em all aux personnages variés et à la jouabilité exigeante, il se démarque aussi par ses superbes graphismes au pixel art 16-bit, devenus la signature de TENGO Project.

On doit à cette équipe de vétérans ayant débuté dans les années 80, d'autres réussites telles que Pocky & Rocky Reshrined (2022) et WILD GUNS Reloaded (2016).

Le classique méconnu que je mentionne dans le podcast comme étant le titre que j'adorerais voir remaké par cette équipe, s'appelle Shatterhand ! Cliquez-ici pour voir une vidéo du streamer américain Grand POOBear en train de découvrir le jeu sur NES.

Cette newsletter dédiée à l’épisode 64 du podcast Pixel Bento touche à sa fin !

Merci à toutes et à tous de l’avoir lu jusqu’au bout, de nous écouter aussi, et de régulièrement participer en laissant de savoureux commentaires en fin de newsletter, dont je partage régulièrement des extraits dans le podcast 😊

C’est toujours un plaisir de vous lire, alors n’hésitez pas !

Et pour conclure, voici deux vidéos sur des sujets abordés par Marc en toute fin de podcast : l’histoire invraisemblable d’une bande originale Resident Evil qui a fait jaser, et celle des studios qui ont contribué (très tôt) à créer la légende de la Mega Drive !

PS : Un immense merci à Marc et Alex pour leurs photos ! L’image de Mushisi est issue du site IMDB, celle de Ninja Warriors: Once Again de sa page Steam ; la capture d’écran de Resident Evil: Requiem ayant été réalisée par mes soins sur PS5, à partir d’une version fournie par l’éditeur.

Un lieu comme ce petit coin de forêt du côté de Nikkō, à trois heures de Tokyo, découvert avec mon épouse il y a quelques années…

Cet endroit, appelé Kanmangafuchi (les gorges de Kanman), où nous sommes retournés récemment, est un petit chemin le long de la rivière Otani, bordé par plus de 70 statues Jizō. Le lieu est isolé, et nécessite pour y accéder de s’éloigner du centre névralgique de Nikkō, et de traverser quelques zones d’habitation peu fréquentées.

Et ce sont bien sûr les statues Jizō qui lui confèrent sa magie.

Alignées le long du chemin qui suit le cours de la rivière en contrebas, ces statues de pierre ne passent pas inaperçues. Elles ont en effet la tête couverte d’un bonnet de laine rouge (le plus souvent) et d’un tablier de la même couleur. Taillées à l’image du bodhisattva1 Jizō Bosatsu, on les associe au Japon à la protection des voyageurs et des enfants.

Ces statues dégagent une énergie assez unique. Leurs visages sont tous différents, malgré d’évidentes similitudes et le fait qu’elles exhalent une même sérénité communicatrice.

On se sent bien parmi elles, apaisé. Légèrement courbées vers l’avant, les yeux fermés, le visage détendu, rien ne semble pouvoir les affecter, pas même le passage du temps. À leurs bonnets et tabliers rouges s’ajoutent ainsi des robes de mousse aux multiples tons de vert, qui recouvrent leurs socles pour remonter, parfois, jusqu’à leurs épaules, comme pour les préserver du froid.

Ce manteau de mousse leur confère un supplément de majesté, en les ancrant dans le cadre naturel qui les accueille. Et le stress que l'on transportait avec nous, tel un indésirable sac à dos, ne résiste guère longtemps au calme de ces paupières, que l'on sait dissimuler des yeux exempts de jugement.

Tout, dans le visage de ces statues, semble nous encourager à prendre une grande inspiration, à s'arrêter un instant, pour un moment de méditation dont on ne peut que ressortir allégé(e)s. Comme le vert de leur manteau de mousse, le gris de la pierre n'est pas uniforme, mais se trouve enrichi par les mouchetures blanchâtres du lichen. Le passage du temps, même ignoré, s'imprime ainsi sur leur visage comme sur le nôtre, sans que cela ne les perturbe le moins du monde.

Les lèvres apportent un doux relief à ces visages, autrement impassibles, par leur expressivité. Tantôt souriantes, parfois pensives, ou légèrement pincées, ce sont elles qui contribuent à donner à ces sculptures leur individualité. Il est difficile de résister à l’envie de les observer de longues minutes pour tenter d’y déchiffrer un message. Peut-être une pensée ou un conseil qu’elles chercheraient à nous transmettre ?

Mais le plus incroyable c’est qu’elles sont capables d’exprimer et de provoquer une émotion sans l’aide… d’un visage ou même d’une tête.

Car c’est nous, finalement, qui octroyons un sens aux lieux qui nous touchent, ou ce supplément d’âme qui nous poussent à s’y arrêter un instant, même si c’est pour les mitrailler de photos comme des maniaques… (Pour les partager ! Et les garder à proximité 😅)

Certains lieux nous sont chers pour des raisons plus personnelles, parce qu’on les associe à des souvenirs chers. Comme ce petit coin du parc Shinjuku Gyoen dans le film d’animation 5 Centimètres par seconde de Makoto Shinkai. Il suffit parfois que l’on investisse ce lieu de notre vécu, pour le rendre « magique ». Il n’a même pas besoin d’être beau, spécial, ou d’héberger 70 statues Jinzō.

Comme tant de monuments au Japon, ces statues ont été emportées par un cataclysme naturel (ici une inondation) en 1902, pour être reconstruites bien des années plus tard, en 1973.

Je suis heureux que cet endroit ait été reconstruit pour offrir un petit moment de répit aux voyageuses et voyageurs de passage, leur offrant l’opportunité de reprendre leur souffle en constatant que le monde peut aussi se montrer beau et rassurant.

Voilà, c’était l’un des lieux qui me font du bien, comme celui (qui abritait aussi plein de statues, 500 au lieu de 70 !) que j’avais partagé dans cette même newsletter en 2023.

N’hésitez pas à partager l’un des vôtres en commentaire, si vous le souhaitez bien sûr. Ou pensez-y un instant, avant d’essayer d’y retourner prochainement, pour faire le plein de bonnes ondes ☺️

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins.

Les interviews réalisées par e-mail possèdent la silencieuse incertitude de la pêche à la ligne…

Tu lances tes questions sans jamais vraiment savoir si elles vont “accrocher”, ou si les réponses remontées seront minuscules ou suffisantes pour concocter le plat que tu imaginais.

Lorsque j’ai envoyé mes questions à Sri, le directeur créatif (mais aussi game designer et programmeur) de l’excellent Neon Inferno, j’étais nerveux. En pleine fringale d’infos après avoir terminé le jeu avec mon épouse, j’avais très envie d’en savoir plus sur la manière dont cet étonnant run and gun fut développé. Et j’étais vraiment curieux, pour ne pas dire fébrile (tant j’ai aimé le jeu), de connaître les réponses à certaines de mes questions.

Neon Inferno avait TOUT pour me plaire. Un jeu au pixel art éblouissant et au gameplay nerveux, jouable en “coop’-canapé”, pour reprendre l’expression définissant ces softs que l’on peut apprécier à deux sur le même écran, comme Cuphead par exemple, ou Huntdown pour rester dans le genre run and gun. Un jeu, aussi, au parfum délicieusement années 80, comme l’attestent les références de Sri Kankanahalli.

Je joue au run and gun depuis mon enfance. Le premier que j’ai pu faire… C’est assez difficile de s’en rappeler mais je pense que ça a du être Mega Man 2, via l’émulation sur PC, lorsque j’avais 9 ou 10 ans. J’ai découvert la série grâce un vieux fan-comic appelé Bob & George, qui a été quelque peu oublié depuis, mais fut très populaire sur Internet à l’époque.

Les Mega Man ont été mes premiers run and gun (j’ai joué à tous les volets de la série principale, plus ceux de la série X jusqu’à X4, et aux deux premiers Zero) et à partir de là j’ai découvert Contra, Shinobi, Metal Slug et beaucoup d’autres.

Ce qui distingue les run and gun, c’est le fait qu’ils sont les plus cools et les plus cinématographiques du genre action 2D. Ils sont peut-être moins intenses que les shoot’em up et les jeux de baston, mais ils compensent avec un meilleur world-building, un scope plus large et une mise en scène plus travaillée.

Là, je ne peux qu’être d’accord. Il est bien plus facile de parler des décors, des séquences d’action et des personnages d’un Metal Slug, que d’un Street Fighter 2 ou d’un Dodonpachi.

Neon Inferno m’a d’ailleurs surpris par sa capacité à créer un feeling cinématographique, tout particulièrement dans sa façon d’introduire des séquences d’action à la chorégraphie soigneusement travaillée, comme pour être aisément capturée par une caméra (ou ici, l’oeil d’une joueuse ou d’un joueur !).

Des séquences mémorables, inoubliables même, lorsque l’on parle de classiques du 7ème art tels que Piège de Cristal, Terminator 2 ou Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin ! Neon Inferno utilise ainsi des décors devenus passages obligés du film d’action, comme ces séquences dans une boîte de nuit bondée ou sur les toits d’une ville. En fait, on a l’impression que Sri et son équipe ont approché le level design du jeu comme le ferait un réalisateur de film d’action.

C’est le meilleur compliment que j’ai jamais reçu. Je suis un énorme cinéphile, alors les conventions des films d’action et des films noirs étaient toujours dans un coin de ma tête lorsque je concevais les niveaux de Neon Inferno. Mais bien sûr, le jeu vidéo d’action est un tout autre animal que le film d’action. L’action dans un jeu vidéo, tout particulièrement lorsqu’il est en 2D, doit être à ce point sans répit qu’elle en deviendrait ridicule dans un film. John McClane tue une douzaine de personnes dans Piège de Cristal, ce qui doit correspondre, je pense, aux 30 premières secondes de Neon Inferno. L’une des règles de notre level design était de ne jamais ennuyer les joueurs en les maintenant à un endroit pendant trop longtemps. Toujours être en mouvement, toujours introduire de nouvelles choses. Il y a quelques décors incroyables au sein desquels j’aurais adoré passer plus de temps… Comme la piste de danse du nightclub, inspirée par Collatéral ; ou l’opéra, de Mission Impossible: Rogue Nation ; ou les voitures volantes, de Minority Report. Mais m’attarder trop longtemps dans ces décors aurait pesé sur le rythme du jeu.

Une autre règle de level design fut de garder les environnements aussi réalistes que possible, en tenant compte des contraintes du genre. Ça signifie que l’on a écarté de nombreuses conventions du jeu de plates-formes, comme ces surfaces qui flottent dans les airs, un design de niveau arbitraire ou des bonus à collecter. Chaque élément visuel devait être un minimum plausible et justifié. On voulait que le jeu nous donne le sentiment d’évoluer dans une ville, ou au moins un paysage urbain. Nous ne sommes pas complètement parvenus à atteindre cet objectif, on a du faire des concessions à plusieurs endroits, mais je pense néanmoins que cela a contribué au feeling cinématographique que tu as souligné.

Neon Inferno possède une autre particularité, celle de mixer l’approche classique du run and gun - j’avance et je shoote - avec celle du gallery shooter à la Cabal / Virtua Cop - où l’on tire “dans le fond”, les ennemis apparaissant dans les décors comme ces ballons en mouvement que l’on dégomme dans les fêtes foraines ! Sri précise avoir joué avec l’idée de mixer ces deux mécaniques de jeu “arcade” après la sortie de son premier projet, Steel Assault, fin 2021.

L’idée était de proposer un jeu avec des environnements encore plus interactifs et destructibles, et c’est grâce aux conseils d’un ami et après avoir terminé le Wild Guns de Natsume, que Sri s’est convaincu de son bien-fondé. Mais s’assurer que ces deux dimensions de tir (2D et 3D, ou axes x/y et z) soient facilement différentiables et correctement communiquées aux joueuses et aux joueurs, a requis un soin tout particulier.

La chose la plus importante (et ça va sembler évident) est que les ennemis “dans le fond” soient plus petits que ceux du premier plan, et positionnés plus loin dans le décor, loin de la caméra. En pratique, cela signifie que chaque scène devait être conçue en ayant tout le temps cette notion de profondeur à l’esprit, un peu comme si l’on créait un décor en 3D et non en 2D. Par exemple, si l’on concevait une pièce, alors elle devait être assez large, sinon les sprites en arrière-plan ne pouvaient pas apparaître avec la taille requise. Si la géométrie des lieux était claire pour le joueur, et si les ennemis “du fond” étaient correctement positionnés tout en aillant la bonne taille, alors le joueur faisait naturellement la différence entre le premier et le second plan.

Neon Inferno a également profité d'une approche centrée sur les graphismes, ce qui a pu aider dans la définition claire de ces deux plans. Tous les éléments graphiques requis pour une scène étaient ainsi été créés, avant qu'elle soit programmée. L'équipe a utilisé très peu de "grey-box prototyping", qui consiste à créer une séquence de jeu avec des éléments provisoires, les personnages et objets du décors étant généralement représentés par de simples blocs. Une méthode qui a forcément conduit à un peu de travail perdu, mais pas trop d'après Sri !

Le fait de programmer les scènes avec des éléments graphiques détaillés a sans doute aiguillonné l'équipe a poussé encore plus loin le réalisme, à l'image de ces ennemis qui chutent dans les escaliers une fois abattus (comme le feraient les cascadeurs d'un film d'action !). Sri et les animateurs ont en effet jugé que ça semblait bizarre s'ils s’écroulaient sur place sans rouler jusqu’en bas des marches !

Afin de bien équilibrer le jeu et s’assurer de sa lisibilité tout autant que de sa jouabilité, Sri s’est également arrangé pour tester Neon Inferno “en live“ au moins une fois par mois, et même une fois toutes les deux semaines.

Mais comment cela a-t-il été possible pour un jeu développé par une petite équipe éclatée aux quatre coins du monde ?

Si Sri vit à New-York, le talentueux directeur artistique du jeu, Christopher Anry (alias Kryssalian), vit en France ; les animateurs / artistes du pixel Mário Santos et Ben Adendorff habitent respectivement au Brésil et en Afrique du Sud ; tandis que les musiques ont été composées par Joseph Bailey en Angleterre et Gonzalo Varela en Uruguay. Sans oublier les illustrateurs japonais Jun Tsukasa, Hiroko Itatani et Yaa !

Une équipe internationale, pour un développement qui s’est entièrement déroulé en remote sur Discord (essentiellement via des discussions chat).

Mais New-York est une grande ville, pleine d’opportunités pour tester un jeu en cours de développement.

J’ai pris le jeu avec moi pour le faire “playtester” dans la région de New-York. Il y a des événements qui se tiennent chaque mois dans la salle d’arcade Wonderville par exemple, et dans une autre appelée BrookLAN. Et puis le NYU Game Center (l’Université de NY) accueille des playtests hebdomadaires pendant le semestre. Les développeurs locaux peuvent venir et faire tester leurs jeux gratuitement ou pour une petite participation. J’ai aussi travaillé avec des testeurs en ligne, qui ont tendance à être plus hardcore que le public des événements précités. On a donc pu bénéficier d’une grande variété de perspectives durant le développement.

Neon Inferno est un jeu ambitieux. On a déjà vu qu’il intégrait un panel d’attaque varié, comme le changement d’axe avec le tir en profondeur. Mais il ne s’arrête pas là !

On ainsi un double saut ; une roulade ; la possibilité de se suspendre à des éléments du décor ; des attaques spéciales à usage unique que l’on achète en boutique ; mais aussi et surtout une mécanique de parade avec bullet time intégré, pour renvoyer un projectile ennemi (ceux de couleur verte) dans la direction que l’on souhaite. Une mécanique inspirée de Mega Man Zero et Hard Corps: Uprising.

Au départ on voulait ajouter des sauts d’esquive en slow motion à la Max Payne, mais nous ne sommes jamais vraiment parvenus à les faire fonctionner. Alors on a intégré la possibilité de ralentir de temps à la mécanique de parade.

Et puis Neo Inferno peut se jouer à deux, ne l’oublions pas !

C’était crucial pour nous ! J’aurais cependant aimé que l’on puisse intégrer le coop’ en ligne au lancement du jeu. Ceci dit, rien n’est impossible, et on pourrait avoir quelque chose à montrer dans pas longtemps.

Avec toutes ces options et possibilités, les playtests étaient en effet une nécessité. Mais j’ai aussi noté dans les crédits la présence d’un certain Boghog parmi les testeurs ! Un nom connu des fans de shoot’em up puisqu’il a été game designer sur le superbe Gunvein sorti en 2021 par le studio allemand NGDEV. Il est aussi connu pour ses vidéos YouTube décryptant certains genres emblématiques de l’arcade, comme le beat’em all, le shmup et… le run and gun bien sûr.

Boghog nous a donné énormément d’excellents retours tôt dans le développement. Il nous a envoyé un document long de six pages qui nous a aidé sur des points comme la visibilité des balles et des projectiles, la façon d’annoncer une attaque, le hit-stun, et bien d’autres. Mais aussi sur des aspects plus nuancés liés aux contrôles et au level design.

Chaque genre possède ses joueurs ultra-hardcore qui sentent dans leurs tripes quand quelque chose ne va pas, mais très peu savent comment communiquer pourquoi ça ne fonctionne pas et ce qu’il faut faire pour y remédier. Si peu qu’il y a un dicton chez les développeurs qui dit : “Les joueurs ont presque toujours raison quand ils trouvent un problème, mais n’ont quasiment jamais la bonne solution pour le corriger”. Alors si vous trouvez un joueur comme Boghog, qui peut mettre le doigt à la fois sur les problèmes et les solutions, cette personne vaut son pesant d’or.

Voilà, ce sont toutes ces petites questions, auxquelles Sri a gentiment accepté de répondre, qui titillaient ma curiosité après avoir terminé Neon Inferno (en mode Normal et Difficile s’il vous plaît ! :p).

Un jeu qui possède aussi ses petits défauts, comme ces passages en scrolling forcé où les sauts de nos personnages semblent nous échapper quelque peu… On notera aussi qu’il se termine assez vite (on peut finir le mode Normal en 3/4h sans soucis), puisqu’il possède la durée de vie et la courbe de difficulté typiques des jeux d’arcade des années 80/90. Mais comme ces derniers, c’est un run and gun que l’on refait avec plaisir pour tenter de s’améliorer et se lancer ses propres défis, comme le finir sans utiliser de continue (à l’ancienne, en 1CC - One Credit Clear !).

Là, c’est aussi le feeling ciné du jeu qui ressort. Il est facile de se prendre pour un cascadeur tentant d’exécuter sa chorégraphie à la perfection afin de créer la séquence d’action la pluie fluide et la plus classe possible ! Mieux comprendre, grâce à cette interview, le sentiment d’être sur le tournage d’un film dans les années 80, que j’ai pu ressentir en jouant à Neon Inferno, fut un vrai plaisir.

Mais quid de la question qui donne son titre à cet article ?

Pourquoi diable le jeu vidéo, et particulièrement les jeux pixel art, portent les couleurs néon avec un telle élégance ?

Je pense que le pixel art se prête naturellement aux couleurs saturées et aux contrastes marqués, une esthétique que l’éclairage néon vient toujours joliment complémenter. Et puis il y a sans doute aussi un lien entre le halo diffus du néon et celui, tout aussi flou, des écrans des vieilles télés cathodiques. Enfin, les pixels comme le néon évoquent tous les deux les années 80 et 90, et c’est certainement pour ça qu’ils vont si bien ensemble.

Sri a tout à fait raison. Le jeu vidéo et les tubes cathodiques vivent en symbiose depuis si longtemps qu’ils ont fini par former un duo dépendant l’un de l’autre, qui affiche (littéralement) une indéniable harmonie. Un peu comme ce petit oiseau appelé pic-boeuf, inséparable partenaire d’un certain nombre de grands ruminants, comme le buffle ou la girafe. Ces petits oiseaux sont ici les pixels, suspendus à nos gros postes TV des années 80 !

La couleur néon est aussi celle d’une certaine idée du futur, qui passe par la domination des écrans. Comme dans Blade Runner, ils peuvent être démesurés pour s’emparer des façades des immeubles ; ou sources de propagande secrète (They Live) ; éclatés dans des rues au parfum de rébellion (Akira, Brazil) ; lorsqu’ils ne forment pas le cadre même d’un certain futur numérique (Tron).

Et quand on se dit que l’avenir du jeu vidéo sera peut-être rétro (aura-t-on vraiment une autre génération de consoles “next gen” ?), on se dit que les couleurs néon n’ont jamais été autant d’actualité.

PS: Toutes les images de Neon Inferno illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale PlayStation 5. Les images de Gunvein, Steel Assault, Bob & George, et Wild Guns Reloaded sont tirées de leurs sites officiels ou de leurs pages Steam, tout comme les illustrations de Jun Tsukasa. Le décor de Neon Inferno réalisé par Christopher Anry (Kryssalian) provient de son compte Bluesky. Et bien entendu, un immense merci à Sri Kankanahalli pour avoir pris le temps de répondre à mes nombreuses questions via e-mail au cours des mois de mars et avril.

Lorsque j’ai vu passer dans la newsletter quotidienne de Koub la bande-annonce de Picross S Konami Antiques, qui sort le 30 avril prochain sur Switch, ma réaction a été un : “Ooooooooh“ satisfait, aussi immédiat qu’incontrôlé, qui m’a proprement terrifié.

Que s’est-il passé dans ma vie de joueur (ma vie tout court ?) pour que l’annonce d’un nouveau jeu Picross provoque une telle réaction pavlovienne ?

Parce qu’il est évident que Picross appartient à la même famille que ces jeux pour enfants où l’on relie des points numérotés afin de révéler un dessin représentant généralement un animal (une oie la plupart du temps) ou un personnage populaire (Pikachu généralement). À la différence prêt, qu’ici c’est à nous de déduire les numéros, ce qui n’est pas sans rappeler le sudoku, soit un autre “jeu de magazine télé” pour celles et ceux qui ont connu l’époque des Télé Poche et autres Télé 7 Jours avec leurs pages BD & Jeux (après vérification, et aussi fou que cela puisse paraître à l’heure d’Internet et du smartphone, je m’aperçois qu’ils existent toujours !).

Vous l’aurez compris, quand on commence à parler “programme télé”, “magazines de jeux” et “sudoku“, il est assez évident que l’on est plus proche de la génération Minitel que TikTok…

Mais il n’en reste pas moins que si vous me proposiez - là tout de suite - de jouer à Crimson Desert ou n’importe quel Picross, je choisis “n’importe quel Picross“ sans une once d’hésitation. Pour ma défense, Picross est un jeu brillant et un “genre” plus riche qu’il n’y paraît. Si, si.

Si l’on se réfère à sa page Wikipédia japonaise, il aurait été inventé à la fin des années 80 par deux personnes : Non Ishida et Tetsuya Nishio, indépendamment l’une de l’autre ! Ces deux spécialistes du puzzle ont publié leurs créations dans la presse, puis dans des livres dédiés, sous les noms de Nonogram (ののぐらむ) pour la créatrice Non Ishida et de “Logique d’image“ (traduction littérale de Oekaki rojikku / お絵かきロジック) pour Tetsuya Nishio.

Et ce n’est qu’en 1995, sous l’impulsion de Nintendo, de Ape Inc. (le studio derrière Mother, aujourd’hui rattaché à la Pokémon Company sous le nom de Creatures Inc.) et surtout du jeune studio kyotoïte Jupiter (fondé en 92), qu’il prendra le nom de “Picross“ (Picture + Crossword) pour la sortie de Mario’s Picross sur Game Boy1.

On notera que quelques mois après la sortie de Mario’s Picross, en septembre 1995, Sunsoft sortira aussi son propre jeu à base de grilles aux bords chiffrés, sur PlayStation d’abord et uniquement au Japon, sous le nom de O-chan no Oekaki rojikku.

Jouer à Mario’s Picross, comme je l’ai fait avec une indéniable avidité ces dernières années sur les chaînes rétro Game Boy et Super Famicom du service Switch Online (mais aussi sur DS et 3DS), pour une bille en maths comme moi, est aberrant. Parce que l’on compte en jouant à Picross, on compte beaucoup…

Pour celles et ceux qui ne connaissent pas le principe du jeu, ce n’est pas compliqué.

Vous avez des grilles de tailles variables, qu’il faut “remplir” en fonction des indices chiffrés situés à la verticale et l’horizontale de celles-ci. Un 7 et un 5 à côté d’une ligne horizontale signifient que sur les 15 cases qui la composent, 7 puis 5 (avec au moins un espace vide) de ces cases sont “remplies”. Il faut donc les noircir d’un coup de crayon ou d’un coup de burin dans le cas de la version Game Boy.

Et lorsque toutes les cases sont noircies, elles forment un dessin pixel art, ou autrement dit une mosaïque représentant un objet du quotidien, ou un perso / bonus / monstre de l’univers Mario. 👇

Mais le mieux est encore d’essayer par vous-mêmes !

Que ce soit en téléchargeant l’une des démos jouables sur Switch, ou en cliquant sur l’image ci-dessous pour essayer une grille promotionnelle et jouer directement dans votre navigateur sur le site Jupiter.2 👇

Je pense que l’un des attraits de Picross, pour moi en tout cas, provient de la surprise du dessin qui se dévoile sous nos yeux et que l’on révèle à la fin, avec parfois une petite animation à la clé comme dans Mario’s Super Picross sur Super Famicom (une suite uniquement sortie au Japon).

En jouant à Mario’s Picross, j’espère toujours découvrir une illustration ayant un rapport avec Nintendo (Yoshi !), la culture japonaise (Sumo !) et non une banale cuillère, ou pire encore, un type dans sa baignoire.

Et ça, le studio Jupiter l’a bien compris puisqu’il a multiplié depuis une petite dizaine d’années les collaborations avec des éditeurs autres que Nintendo, comme Sega, Namco, SNK, Capcom et maintenant Konami, mais aussi avec des franchises telles que Sanrio (Hello Kitty, etc.), Doraemon ou encore la YouTubeuse virtuelle Juufuutei Raden !

Pour les collab’ JV, vous aurez noté que les partenaires choisis sont des “seniors” possédant de riches catalogues de licences 8 et 16-bit. Le jeu rétro et son esthétique pixel art se prêtent en effet à merveille à l’exercice Picross. Ces éditions spéciales portent ainsi des noms comme : Namco Legendary Edition, SNK Classics & Neo Geo Edition ou carrément Konami Antiques Editions !

Pour revenir sur le titre de cet article, je me rends bien compte que ces choix d’adjectifs surannés et ce fort penchant pour le retrogaming ne jouent pas en ma faveur… Quand l’éditeur du jeu surfe à ce point sur la nostalgie, il apparaît assez évident que le public visé ne soit pas de la première jeunesse, si j’ose dire 😅

La formule Picross a bien évolué depuis 1995 et sa première itération sous le parrainage de Mario. Avec la série "S" (pour Switch), qui fait suite à la série "e" de la 3DS, les grilles de puzzle ont gagné en couleurs, en modes (Time Attack, Tutoriel, etc.), en nombre de joueurs (jusqu'à 4 en même temps dorénavant), en taille aussi. Certaines grilles peuvent ainsi monter jusqu'à 30x30 cases, voire 40x30, et d'autres se réinventent en pièces de puzzle pour venir former des illustrations de taille XXL.

Bref, s’il navigue sur les eaux - ô combien lucratives - de l’océan nostalgie, Picross a également su évoluer au-delà de la frontière papier et ses limitations, pour réellement tirer partie des possibilités offertes par le jeu vidéo.

D’autres expériences ont également été tentées par le passé, comme celle de l’excellent Picross 3D de HAL Laboratory et Nintendo, sorti sur DS en 2009. Dans ce dernier il n’était plus question de colorier une grille pour faire apparaître un dessin, mais bien de s’emparer d’un burin afin de tailler dans une masse de cubes 3D et en extraire une sculpture. Un peu comme si l’on désossait un Rubik’s Cube qui contiendrait un objet caché !

Mais comme une grille de sudoku ou une feuille de mots croisés, Picross a un as dans sa poche. Celui du temps. 5 petites minutes suffisent à remplir sa grille et dévoiler sa “surprise” comme on ouvrirait un “oeuf” de gachapon ou de Kinder. Pas de stress non plus, à moins que l’on joue en mode Time Attack, tout est affaire de logique, tout en faisant appel à notre capacité innée à croiser des données.

Picross, quand on y réfléchit un chouille (ok, beaucoup), c’est un peu le metroidvania des chiffres. Un jeu où l'on explore une grille en la balayant de son regard, et où l'on opère des allers et retours une fois équipé de nouvelles données pour pouvoir continuer à avancer… Elle tient plutôt bien la route cette métaphore non ? 😬

Picross, c’est tout à la fois Tetris, Unpacking et Marie Kondo… On empile et on range des chiffres pour remplir des étagères, en créant à l’aide de ses déductions mathématiques un dessin d’une élégance toute pixel art. Sauf, évidemment, quand on s’aperçoit avec amertume qu’il s’agissait en fait d’un type dans son bain…

Le monde est ainsi. Plein de contradictions et de jeunes petits vieux.

Et vous ? C'est quoi votre "jeu de petite vieille ou de petit vieux" ?

N’hésitez pas à les partager dans les commentaires ci-dessous 😊

PS: Toutes les images de Mario’s Picross ont été capturées par mes soins sur la chaîne rétro Game Boy du service Switch Online. Les jaquettes et extraits des livres de Non Ishida et Tetsuya Nishio, ainsi que les jaquettes des jeux O-chan no Oekaki rojjiku et Mario’s Picross, sont tirées des sites japonais Amazon et Yahoo!フリマ. Enfin, les images des titres Picross 3D et de Picross S Capcom Classics Edition sont issues du site japonais de Nintendo.

Je dois bien admettre que les jeux “d’horreur”, ce n’est plus trop mon truc. Comme les films d’ailleurs…

Alors je ne sais pas trop pourquoi. L’âge peut être ? Le fait qu’il suffise de jeter un oeil distrait à l’actualité pour faire le plein de terreur pour deux vies et vider aussi sec sa jauge de sanité ?

En revanche, je suis toujours aussi sensible au mélange horreur / humour.

Mon affinité pour les splatter movies (les films qui tâchent !) avec un gros penchant pour le burlesque peut aisément être retracée à deux classiques : Evil Dead II de Sam Raimi en 1987 et le Braindead de Peter Jackson en 92. Deux films d’horreur aussi hilarants, qu’incroyablement gore, qui font un usage absolument immodéré de faux sang (mélange de colorant alimentaire et de sirop de maïs) pour littéralement doucher ses actrices et ses acteurs (façon Carrie), sans oublier de nous faire décoller de nos fauteuils de cinéma à la faveur d’un jump scare.

Rien que pour la scène de Braindead où le héros réduit en bouillie une horde de zombis à l’aide d’une tondeuse à gazon (!), Peter Jackson aurait utilisé 300 litres de faux sang !

C'est un peu la sensation que j'ai eu en jouant à Resident Evil Requiem, celle d'une équipe de développement ayant sous la main des barils de faux sang et la détermination de les vider jusqu'à la dernière goutte sur la tête de ses "joueurs / acteurs" !

Je me suis donc fait doucher par Requiem. Et j’en suis ressorti d’autant plus “trempé” que cela faisait bien (trop) longtemps que je n’avais pas joué à un Resident Evil.

En fait, je n’avais plus donné sa chance à la série depuis 2012 et la sortie de Revelations sur 3DS. J’ai ainsi abordé Requiem armé d’une batterie de vieux souvenirs et remonté à bloc par le truchement de l’enthousiasme communicatif de mes amis fans de la saga Capcom.

Au moment où j’écris ces lignes, je n’ai toujours pas fini le jeu. Pourquoi ? Tout simplement parce que je vais à 2 à l’heure.

Moi qui est passé 60% de mon temps de jeu dans Alien: Isolation caché à l’intérieur de casiers, je peux vous ASSURER que je ne coure pas dans Requiem vu les horreurs qui traînent dans ses couloirs !

Mais là où Resident Evil Requiem m’a refait basculer dans le camp des fans hardcore de la série, c’est en redécouvrant avec délice son amour pour l’absurde, le second degré et l’outrance la plus absolue dans son approche de l’horreur. On parle tout de même d’un jeu avec des coffres magiques où les objets se téléportent d’un endroit à un autre comme par magie, et où il est tout a fait normal (et bien vu) de se soigner en mélangeant trois fougères en pot.

Dans ce nouveau volet, on pourra également croiser la route d'une tronçonneuse animée d'une vie propre !

Non contente d'être logiquement encline au friendly damage lorsqu'elle manipulée par des zombis aux mouvements un tantinet désarticulés, une fois tombée sur le sol - encore accrochée à un bras coupé ou non - elle exécutera une gigue tout aussi dangereuse et imprévisible. Le jeu ne rechigne jamais à mettre à profit une opportunité de gag visuel s'il peut conduire à quelques bonnes giclées de sang !

C’est aussi un jeu où ses deux héros ne pouvaient pas être plus différents l’un de l’autre. Grace est une jeune recrue du FBI, victime d’un trauma alors qu’elle était adolescente, qui survit tant bien que mal, en mode furtif, en endossant le rôle d’un MacGyver à la sauce Dracula !

Tandis que Léon - le fameux, héros emblématique de la série apparu dans Resident Evil 2 sur PlayStation - est un baroudeur de l’horreur, aussi à l’aise avec une machette, une version surboostée du “.44 Magnum” de l’Inspecteur Harry, que la tronçonneuse de Ash. Un survivant, comme Grace, le coup de pied retourné et les blagues de quinqua en prime !

Passer de l’un à l’autre, revient à basculer de Massacre à la Tronçonneuse à Evil Dead II. Non content de changer de perspective (vue subjective pour Grace, vue à la 3ème personne pour Léon, même si le choix final vous revient), Requiem s’amuse à régulièrement briser le rythme et le ton du jeu. Je pense que la réaction (épidermique) qui définit le mieux notre expérience en tant que joueuse ou que joueur, est celle du “ah ouais quand même !!“ lâché suite à une séquence joyeusement gore, entre la surprise matinée de dégoût et l’amusement complice.

On passe ainsi régulièrement du calme olympien d’un Léon à la lisière de la psychopathie, qui aiguise sa machette entre deux saucissonnages de zombis, au stress communicatif de Grace. Saluons ici l’incroyable performance des actrices, le visage d’Angela Sant’Albano comme les voix des doubleuses (Shihori Kanjiya pour la version japonaise) étant dignes d’une Jamie Lee Curtis dans Halloween !

Avec Resident Evil Requiem, Capcom s’impose comme un véritable funambule de l’épouvante. Entre deux grands éclats de rire dégoûté, on se surprend à serrer les fesses sur son canapé, ce 9ème volet jouant habilement des codes de la série, mais aussi de son tempo et de son ambiance sonore, pour nous maintenir en tension.

Et par son approche décomplexée de l’horreur, à la limite de la parodie, il s’affirme comme un descendant des oeuvres de jeunesse de Sam Raimi et Peter Jackson. Tout aussi “graphique” - dans le sens “bien bien sanglant” - qu’un Evil Dead II, il n’hésite pas à multiplier les coups de coudes complices aux joueuses et aux joueurs, et fait montre d’une même maestria dans sa réalisation et son utilisation des décors.

On retrouve même le côté bravache et si délicieusement 1er degré des films d’action des années 80, grâce aux séquences d’action over the top de l’ami Léon, qui revêt une nouvelle fois le costume de héros qui lui va si bien, sans jamais perdre son humour et sa “coolattitude”.

C'est la raison pour laquelle je me retrouve aujourd'hui, 30 ans après ma découverte du premier Resident Evil en 96, à me dire que je devrais peut-être jouer au 7 et au 8… après avoir terminé une seconde fois ce formidable Requiem !

Le chemin parcouru par l’industrie du jeu vidéo - alors même que ses équipes créatives sont aujourd’hui poignardées dans le dos par le capitalisme - a de quoi laisser pantois… Resident Evil est sorti la même année que Super Mario 64, Quake et Crash Bandicoot, lorsque les équipes de développement se démenaient tant que bien que mal pour tenter d’apprivoiser la 3D. Et nous voilà 30 ans plus tard, à retenir notre souffle dans des environnements photo-réalistes, au contrôle de personnages dont les yeux semblent habités par de véritables émotions.

Maintenant je n'ai qu'une hâte : enregistrer au plus vite le prochain podcast Pixel Bento pour parler de Resident Evil Requiem en détails avec mes amis Marc et Nicolas. Préparez-vous pour un Bento saupoudré de T-Virus !

N'hésitez pas à partager vos souvenirs de la série Resident Evil dans les commentaires ci-dessous 😊

PS : Toutes ces images ont été capturées par mes soins à partir d'un code PS5 de Resident Evil Requiem fourni par Capcom. Le visuel de Evil Dead II est tiré de sa page IMDB.

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

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Metroid Prime 4: Beyond est une suite à la dérive sur un océan de mauvaises décisions…

C’est Marc qui nous parle dans ce dernier épisode du podcast Pixel Bento, avec précision et l’oeil analytique du game designer, du dernier Metroid Prime. Un titre qui a divisé à sa sortie, mais qui s’en est finalement sorti sans trop d’égratignures, même si la “note du jeu” est finalement passée sous les 80% sur Metacritic.

Comme Marc a eu la gentillesse (vraiment, est-ce bien le mot ?!) de me prêter le jeu, je vais rapidement donner mon avis perso ici, après l’avoir terminé il y a quelques jours…

J’ai toujours adoré la série Metroid et j’ai été absolument conquis par son passage à la vue subjective sur Game Cube en 2002. Retro Studios, à qui les rennes 3D de la franchise ont été confiées, est parvenu à changer de perspective sans trahir le coeur de la saga et les piliers sur lesquels elle s’est construite. Le premier Metroid Prime est un miracle, tout simplement. Et surtout : une leçon de game design.

Metroid Prime 4 est aussi une leçon… à sa façon. Une leçon sur l’importance de la phase de pré-production, soit le moment où une équipe se pose et dresse sur papier les plans de son projet avant de commencer à le développer. C’est là, précisément, que l’on est censé aboutir à la conclusion que l’ajout d’un gigantesque désert en plein milieu de sa carte est une mauvaise idée. Parce qu’un jeu Metroid ne peut réellement s’épanouir et briller que lorsque Samus est confinée dans des niveaux aussi denses qu’étriqués.

C’est grâce à ce level design labyrinthique et multi-couches que la redécouverte progressive de ses pouvoirs se prête à une exploration à la fois organique et incroyablement satisfaisante. Cette idée du désert a entraîné celle de la moto qui sert à le traverser (à moins que ce ne soit l’inverse ? Dans les deux cas, dès le départ, l’oeuf est cuit et la poule déplumée !)... Et de cette moto, symptomatique (à mon humble avis) d’une phase de pré-production précipitée, est sans doute né le premier environnement du jeu, qui a bien failli me faire arrêter d’y jouer.

Trois gigantesques tours électrifiées, qui se ressemblent comme trois gouttes d’eau, où l’on doit parvenir à “débloquer” sa moto. Des décors démesurés, si terriblement vides et dépouillés… Des arènes en fait, typiques de la franchise Halo, qui semblent ici désincarnées. Parce qu’Halo est un First Person Shooter, là où Metroid Prime est un FPA - pour reprendre l’acronyme utilisé à sa sortie - soit un jeu d’aventure à la première personne.

Dans ces tours électriques, on passe son temps à prendre des ascenseurs sans mettre à profit l’incroyable mobilité de Samus, qui constitue pourtant le sel de la saga. Tout ça pour nourrir un désert qui durant mes 18 heures de jeu restera jusqu’au bout… pénible à traverser.

Pourtant, le Metroid Prime que l’on aime parvient par moments à pointer le bout de son grappin. L’environnement de glace (La Ceinture de Glace) est exactement ce que j’attendais de cette suite : de l’exploration riche et organique, entrecoupée de combats brefs et confinés, avec une ambiance oppressante et une légère emphase sur la narration environnementale.

C’est sans doute cela qui m’a le plus agacé. Un bon Metroid Prime est là, quelque part, enterré dans le sable ! Et seule sa tête affleure par instants, comme pour reprendre son souffle. Contrôler Samus est toujours aussi agréable par exemple, et c’est d’autant plus frustrant que ses capacités de déplacement soient parfois mises de côté, et que les équipes de Retro Studios se soient perdues dans leur désert.

Je vous laisse écouter l’excellente chronique de Marc pour une liste complète des défauts (son scénario…) et qualités du jeu (sa réalisation…) ! N’hésitez pas à partager votre avis en commentaires si vous avez joué à ce Metroid Prime 4 !

Le gros morceau, la partie "de luxe" de cet épisode - notre MATSU ! - est consacré aux 40 ans de The Legend of Zelda.

L’opportunité pour toute l’équipe de partager ses souvenirs liés aux nombreux titres de la franchise et de revenir sur ce qui fait d’elle une série aussi unique et mémorable.

J’avais commencé à célébrer cet anniversaire important il y a 15 jours, avec mon article dédié aux jeux vidéo indépendants inspirés par The Legend of Zelda. En plus des témoignages des créatrices et créateurs partagés dans ce dernier, vous avez également été nombreux à commenter ! Un grand merci ! Certains de ces commentaires sont d’ailleurs cités dans le podcast.

Veuillez trouver ci-dessous l’excellent court-métrage animé mentionné par Marc, où un tout petit Link se trimballe la Master Sword pour des aventures pleines d’humour.

Sans oublier, encore un peu plus bas, les photos prises dans la préfecture de Kyoto lors de l’escapade de Marc en “territoire Zelda” !

The Hyrule Fantasy est un superbe court-métrage 2D de 2mn10, réalisé par l’animateur et storyboard artist Ousmane CISSE.

Nicolas est revenu pour son TAKE sur une série culte des années 80 : Le Collège fou fou fou !

Une série que j’ai connu, sans doute comme beaucoup d’entre vous, lors de sa diffusion en France dans le Club Dorothée. Nico nous parle de cette série mais aussi de son (triste et) récent remake, sans oublier le manga originel : ハイスクール!奇面組, alias Hai Sukūru! Kimengumi, que l’on peut littéralement traduire par “Lycée! Le club des têtes cheloues”. Tout un programme, vous en conviendrez 🤣

Quant à moi, je vous parle dans mon TAKE d’un certain Dragon Quest VII: Reimagined, après 80 heures de jeu et l’avoir terminé à quasi-100% !

Je vous avoue que la sortie de ce remake fut une véritable fête pour moi, et j’ai passé un bon moment avec lui. Du coup, j’ai déjà consacré non pas un, mais DEUX articles au jeu, avec chacun un angle unique : sa direction artistique et… ses monstres ! Akira Toriyama forever !!

Bonus lecture, pour les anglophones ! Voici un lien vers l’excellent papier de notre ami Matt, qui vit au Japon et écrit régulièrement sur son blog à propos de jeu vidéo. Comme je le mentionne dans le podcast, cet article, titré Bloodborne and fading Memories, aborde nos mémoires défaillantes et les raisons pour lesquelles certains jeux s’oublient, tandis que d’autres restent à jamais gravés dans notre esprit.

Encore une newsletter à rallonge ! Si vous lisez ces mots, merci d’avoir été jusqu’au bout et voici un sondage en prime, juste pour vous : les courageuses et les courageux !

N’hésitez pas à réagir au contenu de cet épisode #63 du podcast dans les commentaires ci-dessous !

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins à partir de versions commerciales Switch 2 des jeux Metroid Prime 4: Beyond et Dragon Quest VII: Reimagined. Idem pour la photo de The Legend of Zelda: A Link to the Past, prise sur la chaîne rétro SNES de mon abonnement Switch Online. L’image de la jaquette de Metroid Prime: Remastered est quant à elle tirée du site officiel de Nintendo Japon. Un grand merci à Marc pour le prêt de Metroid Prime 4, les photos de la région de Sonobe, et de quelques-unes de celles du Luida’s Bar !

Mais c'est une super idée de rubrique ça, non ? "Et si Tony Hawk était… ?" Un sous-marin, un pingouin, une paire de cymbales, un chapeau melon, un J-RPG ou… un train par exemple !

C’est sans doute ce que s’est dit la petite équipe espagnole derrière Denshattack!, un titre qui porte ses influences japonaises en bandoulière, puisque “densha“ signifie tout simplement “train” en japonais. Et le jeu vous permet aussi de voyager à travers les îles et régions du Japon.

C’est d’ailleurs au Japon, lors du dernier Tokyo Game Show, que j’ai découvert pour la première fois Denshattack!. La partie dédiée aux jeux indie du salon était comme d’habitude engoncée dans un bâtiment autre que celui qui accueille les stands des “gros” éditeurs, et les titres indés étaient si nombreux qu’ils débordaient littéralement dans les couloirs qui menaient aux halls ! Parmi eux, Denshattack! se distinguait par la foule de curieuses et de curieux qu’il attirait, et pour cause… Le jeu a TOUT pour taper dans l’oeil du public japonais.

Il faut savoir que le Japon entretient une relation très particulière avec ses trains.

De nombreux enfants (et grands enfants) nourrissent une passion brûlante pour ces derniers, et il n’est pas rare de voir des familles ou des groupes de fans de tous âges mitrailler les trains qui arrivent en gare, lorsqu’ils ne s’assemblent pas autour d’une vieille locomotive ou d’un train “habillé” aux couleurs d’une franchise populaire.

Mais bien sûr qu’il existe un train Pokémon ! Quelle question, franchement… 😁

Alors bien entendu, l'industrie du jeu vidéo s'est empressée de satisfaire cet appétit pour les trains, et deux propositions se sont distinguées avec le temps : la simulation Densha de Go! (電車でGO!) et la série Momotarō Dentetsu, mélange de jeu de l'oie et de Monopoly où l'on incarne le président d'une compagnie ferroviaire qui voyage à travers le Japon pour acheter des boutiques régionales et s'enrichir.

Le jeu espagnol Denshattack!, lui, n'a rien à voir avec ces deux propositions pour se positionner sur un créneau nettement plus action / arcade, avec une esthétique qui lorgne sans vergogne du côté de classiques tels que Crazy Taxi et Jet Set Radio Future.

En fait, le vrai titre de cet article aurait du être : "Et si Tony Hawk était un train qui jouait à SSX" !

On contrôle en effet une locomotive ultra boostée, pilotée par une jeune rebelle appelée Emi qui vit dans les ruines d’un monde ravagé par la crise climatique. Au coeur de ce Japon en partie submergé par les eaux et défiguré par les éboulements de terrain, des cités préservées existent toujours, mais elles sont scellées à l’intérieur d’immenses dômes de verre. Créés par une compagnie appelée Miraido, ces dômes sont reliés les uns aux autres par un système supersonique de voies ferrées.

À l’extérieur, les gens continuent à vivre et tentent de reconstruire, tandis qu’une nouvelle génération de pilotes de train (en mode Les Fous du volant !) a émergé du chaos. Leur nom ? Les denshattackers !

Avec leurs locomotives pimpées, ces têtes brûlées se livrent à des compétitions de vitesse et d’acrobaties sur ce qu’il reste des rails qui zébraient le Japon. Et Emi, qui jusque là se contentait de livrer des ramens à toute berzingue avec sa locomotive sous amphèt’, décide de chambouler ce petit monde par la seule vertu de son skill et de son esprit de compétition.

À bord de sa locomotive, on bondit ainsi de rail en rail en exécutant des roulades dans les airs ; en sautant tel un cabri au dessus des obstacles bloquant le passage ; en prenant des virages à fond la caisse à force de dérapages dignes d’un Ridge Racer ou du film Unstoppable de Tony Scott.

On traverse ce Japon en ruines avec l’énergie du saumon qui remonte un torrent et la vitesse de l’aigle qui l’attrape en piqué, et on met à profit ce terrain accidenté pour réaliser des figures acrobatiques… EXACTEMENT comme si sa locomotive était un skateboard !

On grinde sur des conduites d’eau, on fait du half-pipe dans des tunnels éventrés, on réalise des 360° en suspension dans les airs… Même les obstacles peuvent devenir d’improbables accessoires dans notre quête de sensations fortes.

Chaque parcours propose ses mini challenges optionnels et se conclue par une feuille de scores et des notes de style propres aux jeux de sport extrêmes. Vous savez, ces titres un peu fou-fou si populaires à la fin des années 90 / début des années 2000, au moment où des consoles telles que la PlayStation et la Dreamcast popularisaient la 3D dans les foyers.

Denshattack! est un héritier de ces jeux, avec un petit côté Burnout en prime (on peut frôler les obstacles pour ramasser plus de points !), tout en proposant une expérience plus “ramassée”, plus contrôlée, puisque l’on est littéralement sur des rails ! C’est quasiment un jeu de rythme en fait, et comme Moguri l’a fort justement souligné dans une récente Hebdo de l’indispensable chaîne Origami, il possède plus d’un point commun avec le superbe Thumper.

Mais Denshattack! possède aussi… comment dire… un petit grain.

De folie bien sûr. Que je trouve assez typiquement japonais d’ailleurs. Des trains qui dérapent comme des voitures et se tirent la bourre ? Vous pensiez vraiment qu’une telle proposition n’avait jamais émergé au Japon ?! En faisant des recherches pour cet article je suis ainsi tombé sur Densha de D (電車でD), qui renvoie à la fois à Densha de Go! (電車でGO!) cité plus haut, mais aussi, et surtout, à la série Initial D !

Initial D est un manga créé par Shuichi Shigeno qui a été publié entre 1995 et 2013 dans Weekly Young Magazine, avant d’être réuni en 48 (!) tomes. Je pense que l’on peut le présenter comme étant une espèce de Fast & Furious japonais avec ses courses de voitures clandestines et son amour du drift. Un manga qui connût de multiples adaptations sous la forme d’anime mais aussi de jeux vidéo, sur Saturn, PlayStation, en Arcade, etc.

Comme souvent avec les séries populaires au Japon, il a été détourné sur la scène du doujin (œuvres non officielles créées par des fans, publiées de façon indépendante, et parfois NSFW). Et l'une de ces itérations a mêlé deux kifs bien japonais : Initial D et… les trains ! Densha de D remplace ainsi les voitures par des trains, sans rien perdre de son obsession pour les dérapages et les courses échevelées ! Sortie sous la forme de doujinshi (manga amateur) avant d'être adapté en doujin soft (jeu vidéo amateur) par le collectif Jinushi Ippa sur PC, cette série est aussi réputée pour avoir donné naissance à de nombreux mèmes (d’après mes indicateurs amateurs de Bento :)).

Je ne sais pas si les développeurs de Denshattack! connaissent l'existence de ces jeux, et ça n'a finalement que peu d'importance, mais j'ai bon espoir que ce titre indépendant espagnol trouve au Japon quelques fans déjà acquis à la cause des "trains qui driftent" !

En tout cas, les retours sur les réseaux sociaux japonais semblent plutôt positifs et quelques pros du combo partagent déjà des vidéos de performances assez ébouriffantes !

En le prenant en mains - ce que vous invite à faire avec la démo du jeu ! - il est difficile de ne pas ressentir aussi la vibe “Sega de la grande époque” que dégage Denshattack!.

Crazy Taxi, Top Skater, Ollie King et d’autres jeux d’arcade où la frénésie what the fuck était reine, nous viennent à l’esprit en surfant sur une vague de nostalgie aux embruns de dopamine.

Et quand on regarde la bande-annonce du jeu final, avec ses trains mecha et autres balles de baseball géantes nous poursuivant comme Indiana Jones - et si Indy était un train ?! - on se dit que le 17 juin n'arrivera jamais trop vite !

Petite info bonus, vous pouvez déjà écouter la musique du jeu composée par Tee Lopes (Sonic Mania, Shinobi: Art of Vengeance, etc.), Andrew One, Sean Bialo et bien d'autres musiciens en cliquant ici : Denshattack! Bootleg EP.

PS: Toutes les images de Denshattack! illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir de la démo Switch 2, et les photos de trains sont les miennes. Les images des jeux de la série Densha de D sont issues du site de leurs développeurs : Jinushi Ippa, et la bande-annonce de Denshattack! est tirée du site Presse de son éditeur Fireshine Games.

The Legend of Zelda a fêté ses 40 ans ce mois-ci. 40 ans !

Et entre les flammes des bougies, si l’on se concentre un peu, il est possible de distinguer la lueur qui scintille dans les yeux d’une myriade de fans dispersé(e)s à travers le monde.

Cette série est un monument du jeu vidéo, et la Princesse Zelda sa Mona Lisa.

J’ai longuement réfléchi à la meilleure façon de la célébrer dans cette newsletter… Parce que comme pour beaucoup d’entre vous, la série Zelda m’a accompagné pendant toute ma vie de joueur et ma carrière de journaliste jeu vidéo. C’est certainement la série qui m’a le plus surpris et ravi durant ses 40 années d’existence. Là où certaines franchises survivent à l’ombre de leur gloire passée, The Legend of Zelda n’a cessé de prendre des risques et de se renouveler pour régulièrement redéfinir ce que l’on attend non pas seulement d’elle, mais du jeu vidéo en tant que média.

Comme nous avons prévu de revenir sur la franchise et son évolution, avec mes amis Marc et Nicolas, dans le prochain épisode du podcast Pixel Bento, j’ai décidé de lui rendre hommage… en rendant hommage à celles et ceux qui lui ont rendu hommage au fil des années ! Vous me suivez toujours ?

Allez, c’est parti pour une petite sélection de jeux indépendants inspirés par The Legend of Zelda ! Cette sélection est évidemment (terriblement) incomplète et personnelle, et s’articule pour l’essentiel de titres auxquels j’ai pu jouer et qui m’ont marqué.

Alors n’hésitez pas à partager les vôtres dans les commentaires en bas de cet article !

La série Nintendo a littéralement influencé des milliers de créatrices et de créateurs, et on peut même argumenter que TOUS les metroidvania auraient leur place ici ! Koji Igarashi, l’un des principaux artisans derrière le séminal Castlevania: Symphony of the Night a maintes fois cité le jeu Nintendo comme étant l’une de ses principales inspirations lorsqu’il a designé le jeu.

Mais je m’égare ! Il est plus que tant d’attaquer cette liste et une newsletter qui promet d’être longue 😬

Ne manquez pas les quatre interviews des créatrices et créateurs des jeux : UNSIGHTED, Castaway, Isles of Sea and Sky et Under the Island (qui vient tout juste de sortir) !

UNSIGHTED

Sorti en 2021, UNSIGHTED est le premier jeu de Studio Pixel Junk, un studio brésilien indépendant fondé par Fernanda Dias et Tiani Pixel. Un titre au pixel art et à l'atmosphère inspirés par Hyper Light Drifter qui emprunte certaines de ses mécaniques au Souls-like. Absolument fascinant, il nous propose de diriger une jeune guerrière synthétique condamnée à s'éteindre comme les Réplicants de Blade Runner.

Tiani a eu la gentillesse de partager avec nous ses souvenirs de Zelda et de parler de l’influence qu’a pu avoir le titre Nintendo sur UNSIGHTED.

J'ai grandi en jouant à The Legend of Zelda: A Link to the Past. Et c'est l'une des principales inspirations derrière UNSIGHTED. Non seulement le jeu lui-même, mais aussi la façon dont nous l'avons approché. Lorsque j'étais enfant, j'étais très mauvaise aux jeux vidéo. Je ne pouvais jamais les finir. Alors je regardais généralement mes frères ainés venir à bout des jeux qui me résistaient. Cependant, A Link to the Past est une toute autre histoire. Même mes frères n'arrivaient pas à finir ce jeu. Et le fait que l'on habite au Brésil, et que l'on ne parle pas l'anglais à l'époque, a rendu ce jeu quasiment impossible à terminer. J'ai fini par m'amouracher de ce titre, et j'ai continué à y jouer. Ça m'a pris plus de deux ans, mais j'ai fini par le battre. Quelque chose que même mes frères n'étaient pas parvenus à faire. Je me rappelle à quel point je me suis sentie bien à ce moment. Et après cela, je ne pouvais m'empêcher d'y rejouer encore et encore. Je suis arrivée au point que je pouvais le battre en une après-midi. Je ne le savais pas à l'époque, mais je "speedrunnais" le jeu sans même savoir ce qu’était un speedrun. Cette expérience, le fait de prendre un jeu à priori infaisable pour finalement parvenir à le maitriser totalement, est l'une des sensations que l'on veut faire ressentir à nos joueuses et nos joueurs. De nombreux éléments de UNSIGHTED sont nés de cette expérience.

Que ce soit l'histoire de ces robots ayant une durée de vie définie, où même à quel point notre level design peut être "cassé"... UNSIGHTED peut sembler intimidant au début, mais c’est une invitation à le maîtriser, de la même manière que The Legend of Zelda: A Link to the Past l’a été pour moi quand j’étais enfant. C'est ce que je pense en tout cas. Sans oublier, bien sûr, les références les plus évidentes comme les donjons, les puzzles vus de dessus, le combat, la fée qui sert de compagnon, et ainsi de suite. Je pense que ce qui rend UNSIGHTED unique est le fait que l'on est voulu évoquer la sensation de speedunner un jeu Zelda, et ce même si vous n'avez jamais essayé de speedunner un jeu avant.

(Cette interview a été réalisé via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

HYPER LIGHT DRIFTER

Hyper Light Drifter est un jeu particulièrement cher à mon coeur. Vraiment. Et pour de nombreuses raisons. C’est l’un des mes jeux indés préférés, de mes jeux préférés tout court ; l’un des plus beaux jeux auxquels j’ai pu jouer ; et un hommage touchant à The Legend of Zelda. C’est aussi le fruit d’une team de créateurs au talent dingue, emportée par la vision d’Alx Preston, dont la maladie de coeur a infusé le scénario du jeu et inspiré son personnage principal. Hyper Light Drifter a lui-même, comme Zelda avant lui, inspiré toute une génération de développeuses et de développeurs indépendant(e)s.

MINIT

Minit est un “petit” jeu. Il se finit en 60 secondes ! Enfin… vous mourrez au bout de 60 secondes. Encore et encore ! Jeu concept, porté par une direction artistique minimaliste et une idée brillante, il joue avec les “clichés” de Zelda pour décomposer son expérience et proposer une exploration chronométrée, où chaque partie / chaque vie vous servira pour la suivante. Un peu comme Un jour sans fin, ou comme un roguelike en fait ! Sauf que ce n’en est pas un. Minit ne ressemble à aucun autre jeu. Enfin… Mis à part Zelda bien sûr 😏

CASTAWAY

On reste dans les “mini-jeux” ou “jeux apéro” avec Castaway ! Un jeu indie qui se “termine” en moins d’1h avec quelques surprises cachées bien sûr. Mais ce jeu cherche avant tout à proposer une expérience ultra courte, qui va à l’essentiel, soit à : “l’essence de Zelda !”.

Son créateur, Johan Vinet, a eu la gentillesse de revenir pour nous sur son rapport à la franchise Nintendo.

C’est à 11 ans que j’ai découvert Zelda en jouant à Link’s Awakening. J’ai été fasciné par l’innocence et la naïveté de son protagoniste, induites - entre autres - par son mutisme. Tel un tableau blanc, il me permettait de m’évader dans une aventure à la fois épique, mystérieuse, profondément poétique, et - élément capital pour le préadolescent que j’étais - romantique (Aaah, Marine...). Tel un Bastien dans L’Histoire sans Fin, je m’immergeais dans cet univers onirique et découvrais pour la première fois un jeu vidéo capable de proposer un équilibre aussi fin entre action, aventure et énigmes, le tout porté par d’incroyables thèmes musicaux devenus aujourd’hui cultes.

Mon attachement à la série s’est ensuite confirmé avec A Link to the Past. Si l’aspect onirique était moins présent que dans Link’s Awakening, il gagnait en ampleur épique grâce aux capacités impressionnantes de la Super Nintendo. Bien sûr, je suis particulièrement attaché aux épisodes 2D - j’ai notamment adoré The Minish Cap et son pixel art remarquable (un des meilleurs de la GBA !) - mais je sais aussi reconnaître la qualité de certains opus 3D, comme A Link Between Worlds (excellent retour aux sources), ou encore Breath of the Wild et Tears of the Kingdom, deux œuvres extraordinaires.

(Cette interview a été réalisée en français par email)

PIPISTRELLO AND THE CURSED YOYO

Lui, je n’ai pas encore eu le temps de le faire jusqu’au bout. Mais la démo de Pipistrello and the Cursed Yoyo m’a suffit pour qu’il apparaisse dans cette liste et reste dans un coin de ma tête comme étant un jeu à faire dès que l’opportunité se présente ! Un jeu développé au Brésil par une toute petite équipe qui a fait du yoyo sa mécanique de jeu centrale pour créer un titre au pixel art ébouriffant et à la maniabilité délicieuse, qui a beaucoup fait parler !

TUNIC

Un petit renard hyper mignon en cosplay de Link ; une aventure incroyable bourrée de combats épiques (les boss piquent un peu !) ; et de multiples couches de secrets. Oui, dans ce jeu un secret peut en cacher un autre, et Tunic articule ses “secrets” autour d’un artefact du passé : le manuel de jeu ! Ce manuel papier, aujourd’hui quasi disparu, est ici la pièce centrale d’une aventure que vous n’êtes pas prêt(e)s d’oublier. Typiquement un jeu que je pourrais refaire comme je refais régulièrement A Link to the Past sur Super Nintendo.

ISLES OF SEA AND SKY

Dans Isles of Sea and Sky, on pousse des blocs. Mais on les pousse sur de nombreuses îles que l’on est libre d’explorer comme on le souhaite. Un puzzle game à monde ouvert donc, où des divinités nous octroient de nouveaux pouvoirs sans que la mécanique centrale ne se complexifie pour autant : on poussera toujours des blocs ! Et derrière son apparente simplicité se cache un jeu d’une intelligence et d’une profondeur rare. Typiquement le genre de titre qui vous fait sentir ultra malin et ultra crétin en l’espace d’une minute !

Jason Newman, l’homme derrière le studio Cicada Games, a eu l’extrême gentillesse de nous parler de son rapport à la franchise Zelda.

The Legend of Zelda a définitivement eu un gros impact sur moi et Isles of Sea and Sky. Quand j’étais gamin, mes amis et moi avons été encouragés par The Legend of Zelda a sortir et jouer dehors. Nous avons créé nos propres mondes à la Zelda, imaginé combattre des monstres, trouvé des trésors, exploré des forêts sombres et des donjons. Cette expérience issue de mon enfance est finalement devenue une énorme inspiration pour Isles of Sea and Sky, et je n’en revenais pas lorsque j’ai appris que Miyamoto lui-même a été inspiré par ses propres aventures enfantines et en pleine nature lorsqu’il a créé The Legend of Zelda.

Je me suis dis que les mécaniques, le côté ouvert et l’approche de l’exploration de The Legend of Zelda pourraient remarquablement bien s’adapter à un puzzle game. J’ai aussi voulu capturer cette sensation que j’ai toujours eu en jouant aux jeux Zelda, et à d’autres titres Nintendo comme Super Metroid : celle d’un monde gorgé de secrets et de possibilités infinies, que l’on aurait jamais cru possible en début d’aventure. J’ai voulu créer un jeu capable de donner naissance à des mythes de cours d’école, comme à l’époque où j’étais enfant lorsque nous n’avions pas encore Internet et que l’information circulait par le bouche à oreille. Les jeux étaient tellement plus mystérieux alors !

(Une interview réalisée via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

MINA THE HOLLOWER

Non, il n’est pas encore sorti. Mais pour avoir essayé sa démo sur PlayStation 5, y avoir joué lors de divers salons, et avoir suivi son développement via Kickstarter (j’ai backé le jeu en 2022), Mina the Hollower est un Zelda-like pur jus. Un titre où l’exploration est reine et s’articule autour de la possibilité de “plonger sous la terre”, telle une taupe, pour en rejaillir aussi sec ! Un jeu à la Zelda donc, mais avec un soupçon de Splatoon ! Un titre à surveiller, créer par un studio au talent fou.

RATCHETEER DX

Ratcheteer DX est prévu pour le 5 mars prochain et il est publié par Panic, un éditeur “qui a du nez”, derrière les sorties de Time Flies, Despelote, Arco ou encore Untitled Goose Game. C’est aussi le studio derrière la console portable qui se joue “à la manivelle”, la fameuse Playdate ! Et Ratcheteer DX n’est autre qu’un portage "en couleurs” d’un jeu développé en noir et blanc POUR la Playdate. Un titre intriguant aux graphismes très Game Boy Color, qui a tout de suite attraper mon regard. J’en reparlerais à coup sûr après sa sortie !

UNDER THE ISLAND

Développé par le studio allemand Slime King Games, derrière lequel se cachent Simone et Johannes Grünewald, Under the Island est un vibrant hommage à Zelda avec un petit côté A Short Hike en prime ! On y suit en effet Nia, une jeune héroïne qui vient de déménager avec ses parents sur une île, certes paradisiaque, mais très très éloignée de ses amis. Une jeune ado déracinée, téméraire aussi, qui va découvrir sur cette île bien plus qu’elle n’aurait pu l’espérer ! On notera les très jolis graphismes pixel art du jeu, dont la qualité n’a rien de surprenant vu que Simone Grünewald a travaillé en tant que directrice artistique sur la superbe série de Point & Click Deponia !

Johannes Grünewald a eu la grande gentillesse d’accepter de partager ici son amour de la série Zelda et son influence sur Under the Island.

Lorsque j'avais 8 ou 9 ans, j'ai reçu The Legend of Zelda: Link's Awakening en cadeau de Noël. Et ce n'était pas n'importe quel jeu, c'était mon premier jeu, et pas un de plus qui appartenait à mon grand frère. Les deux semaines de vacances qui ont suivi ont été très formatives pour moi. Je jouais au saut du lit, et je jouais le soir juste avant d'aller au lit. Le jeu était rempli de tellement de secrets et de puzzles qu'il m'arrivait de ne pas progresser pendant des jours, et il était nécessaire d'échanger des trucs et astuces avec des amis. J'ai toujours adoré la dimension sociale du jeu vidéo avant qu'Internet n'existe. Under the Island ne contient pas d'éléments aussi bloquants que dans Link's Awakening, mais il était très important pour moi de ne jamais insulter l'intelligence du joueur. C'est OK d'avoir un puzzle qui nécessite de vraiment réfléchir. Et dans le pire des cas, il est toujours possible de faire un tour sur le Net, où une petite mais adorable et très amicale communauté s'est déjà formée autour du jeu. J'ai vraiment l'impression d'échanger des idées avec mes amis comme durant mon enfance.

Alors bien sûr de nombreux jeux Zelda m'ont influencé après celui là, mais peu de titres m'ont façonné en tant que personne autant que Link's Awakening. J'ai peut être même versé une larme ou deux pendant les crédits de fin. Aujourd'hui, j'ai 40 ans et je joue encore régulièrement à Link's Awakening (GB). Je continue à apprécier son atmosphère unique, et j'ai la sensation de redevenir ce petit garçon qui explorait ce nouveau medium pour la première fois. C'est ce sentiment que j'aimerais aussi susciter chez les joueurs lorsqu'ils essayeront Under the Island.

(Cette interview a été réalisée via Bluesky et traduite de l’anglais par mes soins)

Je vais m’arrêter là mais j’aurais pu continuer longtemps… J’aurais pu vous parler de Turnip Boy Commits Tax Evasion et sa suite, ou encore de FEZ (oui, oui) ou de Death’s Door par exemple ! J’aurais aussi pu aborder la PLANÈTE de fan games et autres Rom hacks, avec des titres gratuits et non officiels comme The Legend of DOOM (merci Sylvain !) ou le stupéfiant roguelike The Legend of Zelda: Dungeons of Infinity.

The Legend of Zelda est une source inépuisable d’inspiration.

Comme nous avons aussi pu le voir à travers les interviews disséminées dans cet article, c’est aussi une série dont les secrets ont nourri les imaginations et posé les fondations de futures carrières dont nous profitons aujourd’hui, toutes et tous !

Un IMMENSE merci à Tiani, Jason, Johan et Johannes pour avoir accepté de participer à cet article ❤️

J’ai découvert Love Eternal à Kyoto en 2024. C’était un vendredi matin, pas loin d’une table où l’on pouvait taper (comme un homme des cavernes) sur une vieille console Famicom pour faire glitcher le jeu et bouger ainsi son personnage à l’écran.

C’était lors du BitSummit bien sûr ! Le toujours savoureux salon du jeu indépendant qui se tient chaque année à deux heures de shinkansen de Tokyo. Un salon devenu pour moi, et bon nombre d’amis, un rendez-vous annuel à ne pas manquer ; la promesse de la découverte de petits trésors indie créés un peu partout à travers le monde.

Love Eternal fait partie de ces découvertes. Au coeur de ses décors à l’imposante austérité - véritables tapisseries pixel art - où reposent des statues aux proportions démesurées, évolue une jeune fille à l’épaisse chevelure blanche. Elle bascule sans cesse du sol au plafond, en se jouant de la gravité. Dans ces abyssales cités souterraines abandonnées, elle évolue telle une acrobatique lutine ou un intrépide zébulon…

La taille minuscule de son sprite à l’écran est l’une des raisons pour lesquelles le jeu accroche immédiatement le regard.

La silhouette menue de cette héroïne vêtue d’une petite robe rouge, tout à la fois Alice et Petit Chaperon Rouge, se détache nettement sur ces étranges fresques de pixels aux couleurs ternes de pierre et de terre. C’est en partie sur ce joli contraste que la direction artistique de Love Eternal trouve son appui, et un équilibre qui vient servir une ambiance, mais aussi une histoire.

Minuscule, aussi fragile qu’agile, Maya est perdue dans des labyrinthes de pics. À leur contact, la mort est immédiate bien sûr, mais la résurrection l’est tout autant. Disciple de la formule éprouvée du die and retry, si chère au genre plates-formes et à sa sous-branche : le masocore platformer à la Super Meat Boy. On mourra ainsi encore et encore, même si le jeu échappe vite aux comparaisons et aux tiroirs dans lesquels il pourrait être rangé au premier coup d’oeil (nous y reviendrons, en restant vague pour éviter de trop spoiler).

Mais il est difficile, que ce soit en découvrant le jeu dans un salon, en essayant sa démo sur Steam, ou tout simplement en regardant sa bande-annonce, de ne pas immédiatement penser au VVVVVV de Terry Cavanagh et au Celeste de Maddy Makes Games.

L’inspiration de ces deux merveilles du jeu de plates-formes sur Love Eternal semble plus qu’évidente…

À VVVVVV il emprunte la mécanique d’inversion de la gravité, mais sans pour autant renoncer au saut “normal”, toujours bien présent.

Sa narration diluée dans l’enchaînement de séquences de sauts et/ou de “flips” à la difficulté assez relevée, mais aussi ce petit caillou rouge que l’on attrape en plein vol pour regagner le pouvoir d’inverser sa position dans l’espace sont, eux, inspirés de Celeste. Dans ce dernier, des cristaux verts flottants permettaient de regagner le pouvoir de dasher, là où les pierres rouges de Love Eternal restaurent notre capacité d’inverser (de flipper) sa position dans les airs. Car autrement, après avoir quitté le sol, il n’est possible d’inverser la gravité qu’une seule fois.

Ces mécaniques de jeu avaient également été testées et éprouvées en 2016 par le créateur du jeu lui-même.

Toby Alden - déjà accompagné de Sam Alden aux graphismes et de Wyatt Thomas à la musique - a en effet sorti Love sur itch.io il y a désormais 10 ans, un jeu que l’on peut considérer comme le brouillon de Love Eternal, ou tout du moins le terrain sur lequel il érigera ses monumentales sculptures et autres visions surréalistes.

Mais Love est un pur jeu de plates-formes, inspiré du vieux Jumper sorti en freeware en 2004 et développé sous Game Maker par Maddy Thorson (future conceptrice de Celeste), ainsi que de la série Knytt de Nifflas (le développeur indé suédois Nicklas Nygren)…

Ce n’est pas le cas de sa version étoffée.

Love Eternal se joue en effet tout autant des genres que de la gravité.

Vous avez déjà eu l’opportunité de regarder l’incroyable série télévisée The Bear ?

Dans sa saison 2, un épisode porté par un cast incroyable et la performance HA-LLU-CI-NANTE de l’actrice Jamie Lee Curtis dépeint une vision absolument terrifiante du traditionnel repas familial.

Love Eternal, lui aussi, semble décidé à faire de ce moment un catalyseur à cauchemars.

Dans une interview donnée en 2025 à la chaîne YouTube Explodist Media, Toby Alden expliquait avoir développé le scénario et façonné l’atmosphère étouffante de Love Eternal alors qu’il regardait le film Pulse de Kiyoshi Kurosawa et la saison 3 de Twin Peaks. Autant dire que l’ambiance dérangeante de ces deux oeuvres a quelque peu déteinte sur son jeu, tout comme celles d’autres influences revendiquées, telles que la série animée culte Serial Experiments Lain et certains films (bah cultes aussi) de Satoshi Kon (très certainement Perfect Blue et Paprika).

Entre deux séquences de pure plateforming, le jeu vous fera ainsi évoluer de multiples façons dans le quotidien (chambre, salle à manger, voiture, salle de classe) de Maya. Love Eternal ne se limite pas aux pirouettes aériennes au milieu de statues gargantuesques pour vous emmener là où on ne l’attend pas. Il joue ainsi avec les limites du genre et ose expérimenter, quitte à en devenir par moments assez méta !

Il convient ici de préciser que de nombreux thèmes délicats sont abordés, comme ceux de l’isolation, du poids débilitant de la pression familiale, de la difficulté de s’intégrer… Des sujets lourds, que le contexte à la fois surréaliste et horrifique du jeu parvient étonnamment à “adoucir”. Autrement dit, je trouve que Love Eternal cherche à nous faire peur plus qu’à nous perturber. En revanche, on sera tout de même amené à revisiter cette période, ô combien complexe, de l’adolescence !

Mélanger les genres comme Love Eternal le fait est une prise de risque.

Si l’on vient pour la plate-forme et que l’on se voit soudainement forcé de jouer à autre chose, pour potentiellement se retrouver “coincé” dans un genre qui nous déplaît, on est en droit d’être frustré. C’est sans doute la raison pour laquelle ce type de proposition vidéoludique est assez rare. Un exemple récent qui me vient à l’esprit est celui du formidable jeu de cartes horrifique Inscryption, dont j’avais parlé dans le numéro 42 du podcast Pixel Bento.

À mes yeux, Love Eternal s’en sort néanmoins très bien grâce à la cohérence du “package“ qu’il propose. En changeant de genre, il nourrit et donne du sens à sa proposition initiale. La partie plates-formes et ses ponctuations narratives en sortent ainsi renforcées, et le jeu fait montre d’une jolie cohérence tout en restant ouvert à l’interprétation.

Bon, j’espère que cette approche “sans spoil“ de ma critique du jeu vous a tout de même donné une idée assez précise de ce qu’il est ! Sachez que sur les 5 heures (environ) nécessaires à sa finition, je dirais que 75% sont tout de même consacrées à l’exercice plates-formes. La difficulté du jeu peut être mordante, mais la qualité de ses contrôles, ses checkpoints généreux, l’instantanéité des redémarrages et la musicalité de ses séquences de platforming (chaque caillou rouge saisi en vol est ponctué d’un bruitage agréable à l’oreille) adoucissent l’expérience.

Une expérience que j’ai beaucoup aimé et dont certaines des surprises m’ont autant désarçonné (jump scare included !) qu’amusé !

L’éditeur Ysbryd a sorti hier un nouveau trailer animé du jeu, mettant en avant son histoire👇

Les statues gigantesques, à l’étrangeté mésopotamienne, qui ponctuent le parcours de Maya m’ont étrangement rappelé le superbe livre Piranesi, de Susanna Clarke, dans lequel un personnage était, lui aussi, perdu dans un monde hors du temps rempli de statues.

PS: Toutes les images de Love Eternal illustrant cet article ont été capturées sur Steamdeck à partir d’un code du jeu fourni par l’éditeur Ysbryd Games. Les photos du BitSummit sont également de mon cru, tout comme les captures de Celeste et VVVVVV. Seules les images de Love sont tirées du site itch.io du jeu de 2016.

Dès que la petite bouille enjouée d’un Slime (toujours étrangement appelé “gluant” dans la version française) apparaît dans un Dragon Quest, je ne peux m’empêcher de sourire.

C’est un peu… Non ! C’est EXACTEMENT comme si je retrouvais un vieux pote perdu de vue. Aussi virtuelles soient-elles, ces retrouvailles ont une valeur émotionnelle tangible, et peuvent agir comme un beaume au cœur. La galerie de monstres inventée par Akira Toriyama devrait être déposée au patrimoine mondial de l’UNESCO ! Sérieusement. La définition wikipédia du patrimoine mondial est :

“ (...) un ensemble de biens culturels et naturels reconnu par l’Organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture (UNESCO) comme présentant un intérêt exceptionnel pour l’humanité (...).”

Si le Slime, le Cactak, le Kungfourmilier ou la Canniboîte ne présentent pas “un intérêt exceptionnel pour l’humanité“, alors je ne comprends plus rien.

Vu l’état désastreux dans lequel se trouve aujourd’hui notre société, et l’afflux constant d’horreurs et d’injustices auxquels nous sommes chaque jour exposé(e)s, trouver un peu de joie où l’on peut est devenu plus que nécessaire. Que ce soit le sourire d’une personne aimée ; un spectaculaire concert à la mi-temps d’une finale de football américain (l’un des plus beaux depuis le half-time show de Prince sous une pluie battante en 2007 !) ; la découverte d’une œuvre culturelle empreinte de talent et de sincérité ; la lecture d’un passage savoureux dans un livre ou une newsletter, voire dans les hilarants commentaires glissés sous un post Instagram d’une profonde stupidité, etc, etc… Bref ! Les occasions ne manquent pas, et heureusement !

Le jeu vidéo est, lui aussi, un solide pourvoyeur de bons moments. Et ses bestiaires remplis de monstres aux designs allant de l’étrange à l’adorable, en passant par le dérangeant et l’agaçant, constituent peut-être une partie quelque peu ignorée, ou tout du moins mésestimée, de l’indéniable pouvoir d’attraction du média JV. Combien de jeux sont à ce point intimement liés à leurs monstres, que les imaginer sans eux relève de l’hérésie ?

Les monstres sont les piliers des mondes vidéoludiques. Il serait ridicule de parler de world building sans accorder à ces derniers une place centrale. Et les monstres des jeux de rôle se distinguent tout particulièrement. Non contents d’être omniprésents du fait de leur rôle clé dans la mécanique de leveling inhérente au genre (ce sont des machines à XP ! C’est en les combattant que l’on gagne des points d’expérience), ils sont aussi introduits comme le seraient des acteurs sur une scène !

C’est tout particulièrement le cas des J-RPG au tour par tour, comme Dragon Quest bien sûr, mais aussi les vieux Final Fantasy. Ce sont les vraies stars de ces jeux. Si les héros vont et viennent, les monstres restent.

Il est tout simplement impensable d’imaginer un Dragon Quest sans Slime ou sans Dracky (la petite chauve-souris toute ronde), ou un jeu Donjons & Dragons sans Beholder (le gros œil volant à tentacules). Même des monstres apparus plus tard dans une série, comme le Pampa - le cactus désarticulé ! - dans Final Fantasy VI, peuvent s’imposer pour devenir emblématiques.

Il n’est donc guère surprenant que ces monstres aient rapidement vu leur statut évoluer pour devenir nos alliés ! Que les arènes soient celles de Pokémon ou de Dragon Quest, le résultat est le même : après avoir capturé nos cœurs, ils se laissent à leur tour capturer et gagnent ainsi en galon pour prendre place à nos côtés. Les séries Persona et Shin Megami Tensei viennent aussi à l’esprit. Dans cette dernière il est même nécessaire de négocier avec les créatures croisées pour les convaincre de rejoindre nos rangs !

Comment ne pas mentionner également le classique indie Undertale, qui en réinventant la place accordée aux monstres dans le jeu de rôle (ne pas les combattre EST une mécanique de jeu !) a rencontré un succès invraisemblable un peu partout à travers le monde, y compris au Japon.

Et puis ne soyons pas naïfs, les monstres sont aussi une source inépuisable de peluches et autres goodies ! Rien d’étonnant à ce qu’ils soient choyés par les éditeurs comme les véritables petites stars et poules aux œufs d’or qu’ils sont.

En plus d’être le trésor de guerre de nombreux studios japonais, je pense sincèrement que les monstres sont l’une des principales raisons pour lesquelles on aime les grandes séries de RPG, et tout particulièrement de J-RPG. Mais d’autres types de jeux possèdent aussi leurs indéboulonnables stars !

Je vais donc conclure cet article avec une série d’images capturées par mes soins, d’une poignée de monstres emblématiques du jeu vidéo récemment croisés dans des genres variés.

N’hésitez pas à partager vous aussi vos monstres préférés dans les commentaires !

Et il y en a tellement d’autres…

Merci les monstres !

PS: Toutes les images de Dragon Quest VII Reimagined illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale Switch 2 du jeu. Les images de Super Mario Bros. 3 et Super Ghouls ‘n Ghosts ont été saisies via les chaînes NES et SNES du service Switch Online. Celle de Mega Man 3 est issue de la compilation Capcom : Mega Man Legacy Collection ; celle de Castlevania Symphony of the Night, du bundle Castlevania Requiem: Symphony of the Night/Rondo of Blood ; et celles de Gradius et Salamander III de la compilation Gradius Origins. Enfin, l’image de Castlevania: Belmont’s Curse provient de la page Steam du jeu récemment annoncé et dont la sortie est prévue pour cette année.

Lorsque j’ai découvert la bande-annonce de Lovish, j’ai immédiatement su que c’était un jeu qui allait me plaire.

Un petit chevalier en armure tout droit échappé d’un jeu de plates-formes / action des années 80, qui saute et donne des coups d’épée en progressant écran par écran comme à l’époque de Bubble Bobble, Pitfall!, Solomon’s Key ou The Maze of Galious ?! Mais c’est exactement mon type de jeu ça ! Yep.

Simple, beau et plein de promesses… comme un samedi matin de 1987.

Cependant, dès l’introduction du jeu un truc inhabituel se produit… On rit ! Si Lovish est une lettre d’amour aux jeux de notre enfance, son développeur “quasi-solo” n’a pu s’empêcher de gribouiller dessus tout un tas de blagounettes !

Matt Kapp, comme beaucoup d’autres développeurs indépendants, est un enfant de la NES.

Depuis le moment où j’ai eu pour la première fois entre les mains une manette NES, j’ai toujours su que c’était ce que je voulais faire ! En fait, la plupart des gens que j’ai croisé au cours de ma vie ont eu beaucoup de mal à prendre ce projet de carrière au sérieux, et en dehors des joueurs, c’est un peu toujours le cas 😅.

À un moment donné, j’ai juste arrêté de chercher un “boulot normal” pour tout miser sur la création d’un jeu que j’aimerais faire. Ça s’est concrétisé avec Castle in the Darkness, qui m’a lui-même mené à l’opportunité de travailler sur The Binding Of Isaac: Rebirth1, pour finalement créer mon propre studio, LABS Works, et m’associer à Jon Lepage afin de développer Astalon: Les Larmes de la Terre.

Et voici maintenant Lovish (avec plein d’autres jeux sur le feu) ! Est-ce que je serais plus heureux dans un “boulot normal” avec un salaire stable ? Peut-être, mais je serais aussi probablement misérable, et je continuerais encore à faire des jeux après le boulot. J’ai donc décidé de faire l’impasse sur la misère pour me concentrer à 100% sur ce que j’aime le plus, et m’améliorer en tant que game designer, artiste et musicien !

Le dernier jeu de Matt est à l’évidence le fruit de sa passion pour les jeux rétro. Mais c’est aussi un véritable condensé d’irrévérence, d’humour un peu perché et d’auto-parodie. Une approche qui tranche avec celle qu’il avait adopté sur ses deux précédents jeux, les metroidvania sombres et sérieux : Castle in the Darkness en 2015 et Astalon: Les Larmes de la Terre en 20212.

Un cadre sérieux requiert beaucoup de réflexion, de planning et de consistance. Alors c'était plutôt sympa de faire un jeu sur lequel je n'avais pas besoin de me soucier de tout ça 😆 Hahah… Quand j'ai commencé à développer Lovish, c'était juste un projet sur le côté sur lequel je travaillais depuis ma chambre d'hôtel à chaque fois que j'étais en vadrouille avec mon groupe3. Je pense que ce cadre fun et léger m’a libéré et permis d’ajouter des éléments amusants au jeu, sans avoir à trop y réfléchir !

Très second degré, voire lunaire par moment, l’humour est LA feature inattendue de Lovish.

Pour commencer, notre héros, Sir Solomon, est un égomaniaque un peu vain dévoré par l’anxiété. Une vraie tête à claque quoi… Il commence par larguer son équipe de héros comme un gros traître, pour la jouer solo et tenter de s’assurer l’amour de la Princesse Tsuna via un casque spéciale. Le “Heaume Vidéo” lui permet en effet de projeter un rayon d’amour faisant tomber en pâmoison toute personne ou créature se trouvant pris dedans ! Bref, un vrai tocard.

Cet humour est distillé par le truchement de vignettes animées qui viennent s’intercaler de façon aléatoire entre chaque niveau. Certaines vont même jusqu’à introduire une petite interaction Rhythm Tengoku-esque, ou un combat façon vieux JRPG à la Dragon Quest, voire simplement une réponse à une question à choix multiple. On ne sait jamais sur quoi on va tomber ! Il faut donc rester attentif, afin de réagir vite, et apprendre de ses erreurs.

De l’aveu même de leur auteur, ces vignettes n’ont pourtant rien à voir avec Rhythm Tengoku. En revanche…

Les plus grosses influences des micros interludes de Lovish, ce sont des trucs comme les reels Instagram ainsi que ma capacité d’attention plus que limitée !

Ces vignettes sont également là pour introduire une hilarante galerie de personnages secondaires - plus de 100 ! -, dont certains ont été dessinés par le mangaka Ryūsuke Mita, connu pour la série heroic-fantasy Dragon Half.

Publiés à la fin des années 80 / début des années 90, ces manga mettent en scène une jeune adolescente mi-humaine mi-dragon qui trouve le moyen de tomber amoureuse d’un chasseur de dragon (c’est ballot). Très “sexy”/fan service, cette série est bien de son époque, mais s’amuse aussi de celle-ci pour tourner en dérision des clichés liés aux anime, aux jeux de rôle et au genre Sword & Sorcery, qui fut particulièrement populaire à la fin des années 80 (merci Schwarzy).

Lovish et Dragon Half possèdent ainsi plus d’un point de commun !

Matt Kap nous parle de sa rencontre avec le mangaka, aujourd’hui âgé de 58 ans, et de l’impact que son oeuvre eut sur sa carrière en tant qu’artiste et développeur de jeu.

Au moment où Castle in the Darkness est sorti, j’ai trouvé le contact de Ryūsuke et je lui ai envoyé un message. On a échangé amicalement pendant quelques temps, et j’ai fini par lui demander si participer au character design et à la création de visuels pour Astalon pourrait l’intéresser. Il a accepté, et nous avons depuis travaillé ensemble sur plusieurs jeux !

Ryūsuke a sans doute été l’une des personnes qui a eu le plus d’influence sur mon art. Quand j’étais gamin, j’ai acheté un tome de sa série de manga Darkhair Captured, et j’ai tellement aimé son style que j’ai vraiment commencé à prendre le dessin au sérieux à partir de ce moment. J’emmenais ce livre partout avec moi pour apprendre à dessiner (j’essayais en tout cas). J’ai fini par me spécialiser dans le pixel art, mais l’oeuvre de Ryūsuke fut instrumentale dans mon parcours !

Il commence généralement par m’envoyer un croquis composé de lignes griffonnées. Que je valide avant qu’il finalise le key art et me l’envoie une fois terminé. Pour Lovish spécifiquement, il a aussi fait le design de certaines vignettes de transition. Mais ses designs étaient uniquement des croquis, que j’ai ensuite transformé en pixel art.

La musique entraînante à la Mega Man, le ton humoristique et parodique, l’action ramassée en petites séquences… tout est à la fois cohérent et joyeux.

Si je devais choisir un adjectif pour parler de Lovish, je pense que ça serait : “réjouissant”.

Mais sous ses airs décontractés et son apparente simplicité se dissimule un jeu de plates-formes / action étonnamment riche, qui va jusqu’à posséder un “mini” (comme le reste) côté metroidvania ! Dans le sens où la revisite des niveaux est encouragée pour débloquer des couronnes cachées, des trésors, voire des passages secrets menant à d’autres dimensions ! Comme Pampas & Selene - que j’ai présenté dans cette newsletter - Lovish possède une grosse vibe The Maze of Galious ! Un classique de Konami sorti en 1987 sur MSX, et l’un de mes jeux favoris, qui a marqué mon enfance…

Je n’ai jamais eu de MSX, mais j’y ai joué récemment et je l’ai adoré. Il y a eu quelques excellents jeux “à la Galious” récemment, comme Mini Ghost, La Mulana et Pampas & Selene ; je les ai tous fait et énormément apprécié ! En fait, quand j’ai commencé à bosser sur Lovish, c’est exactement ce qu’il était : un jeu “à la Galious” ! Hahah… Mais mes journées commençaient vraiment à se ressembler, en travaillant sur 3 metroidvania à la fois, alors j’ai retouché Lovish pour le rendre un peu plus unique.

Pour ce qui est des autres classiques (NDLR: des autres inspirations rétro), c'est surtout un feeling que j'essaye de capturer, plutôt que des aspects spécifiques d'un game design. Avec Lovish, je voulais tout bonnement créer un jeu qui véhicule les mêmes sentiments de fun et de simplicité ressentis lors de ma découverte de ces classiques. Mais en les présentant d'une façon à la fois unique et intéressante. Beaucoup de personnes comparent Lovish à Solomon's Key dernièrement, mais je n'y ai jamais joué. Le fait que notre héros s'appelle Sir Solomon est aussi une pure coïncidence.

Une chose est certaine, l’amour des secrets qui transpire de Lovish, lui, n’est pas une coïncidence !

Et comme beaucoup d’entre nous4, Matt fait bel et bien partie des joueurs et des joueuses qui sondent tous les murs de son épée, histoire de s’assurer qu’ils ne dissimulent pas un petit bonus caché ou un passage secret (on ne sait jamais…).

Ah oui, définitivement ! Hahah… Et ce n’est pas seulement une question de secrets et d’objets cachés. Plus un jeu peut surprendre le joueur, mieux c’est. Il y a probablement encore quelques bonnes surprises dans Lovish que tu n’as pas encore découvert ! (NDLR : j’en ai trouvé pas mal déjà, mais je ne les spoilerais pas dans cet article !)

Je ne me rappelle pas vraiment d'un secret précis qui pourrait servir “d'origin story” à mon amour pour ces derniers, haha. Mais les secrets étaient partout à l'époque ! Je me souviens de trucs comme les flûtes de Super Mario Bros. 3, des jeux débloquables dans Kirby Super Star, du code Justin Bailey de Metroid, et même de choses comme les stratégies de Punch-Out!!. Plus récemment, j’ai été marqué par les personnages à débloquer dans Super Smash Bros. Brawl. Je n'avais aucune idée que des persos comme Wolf et ROB allaient soudainement me défier et devenir jouables ! Et ça se passait pendant des matchs VS en plus. Je n'avais pas encore joué au mode Émissaire Subspatial à ce moment là, alors c'était assez spécial. C'est fou que j'ai pu éviter de me faire spoiler ça ! J'aimerais tellement que les designers ajoutent ce genre de secrets à débloquer aujourd'hui, même avec le risque que tout fuite sur le Net.

Lovish donne par moments l’impression d’être l’une de ces poupées russes, emboîtées les unes dans les autres, qui semblent toujours en cacher une dernière, encore plus petite. Si son écran de sélection, avec ses niveaux bien alignés et reliés par des lignes tracées à la règle, laisse supposer une linéarité à tous crins, celle-ci ne fait pas illusion longtemps.

Même notre inventaire peut cacher quelques surprises inattendues ! J’ai aussi apprécié le fait que la maniabilité de Sir Solomon affiche une jolie souplesse. On peut gérer ses sauts avec finesse et précision, ce qui s’avérera précieux pour venir à bout de tous les secrets du jeu.

Ça m’a pris un peu moins d’un an pour finir le jeu, du début à la fin ! J’ai eu quelques retards avec la sortie ceci dit, essentiellement parce que j’ai été un peu trop ambitieux avec les portages sur consoles et qu’on ne voulait pas précipiter les choses. Mais nous nous sommes accordés le temps nécessaire, alors la production n’a pas été trop stressante et tout s’est déroulé sans accroc. Ce fut le projet le plus fun sur lequel j’ai pu bosser jusqu’à maintenant, et j’espère que les joueurs s’amuseront aussi !

Si vous avez un PC, sachez que Lovish dispose d'une démo gratuite sur Steam, histoire de le tester par vous-même. Matt Kap, vous l'aurez compris à travers son interview, travaille sur deux autres jeux en ce moment, dont la suite de Astalon. Et j'avoue que de mon côté, il fait désormais partie, lui et son studio LABS Works, des développeurs indépendants à suivre !

Et on termine cette newsletter avec la bande-annonce japonaise du jeu !

PS: Toutes les images et les vidéos de Lovish ont été capturées par mes soins à partir d’une version Switch fournie par l’éditeur. Les couvertures des manga Dragon Half et Darkhair Captured ont été dénichées sur l’internet japonais. L’interview de Matt Kap a été réalisée par email avec l’aide de Justin Pfeiffer, attaché de presse chez Dangen Entertainment. Un grand merci à eux deux !

À Tokyo, les expositions sur la pop culture s'enchaînent comme les coups spéciaux.

Ça tombe bien, la dernière en date dans la sphère jeu vidéo est consacrée à Capcom, tout aussi doué pour filer des gnons que les jetons :p

Fondé en 1983 à Osaka, ce studio est indubitablement l’un des fleurons de l’industrie du jeu vidéo au Japon. Capcom s’est toujours démarqué par sa capacité à préserver et faire évoluer ses plus célèbres licences (enfin… avec plus ou moins de régularité !), comme Street Fighter bien sûr, mais aussi Resident Evil ou plus récemment Monster Hunter.

Mais les plus “âgé(e)s” d’entre vous - les vénérables gameuses et gamers - se rappellent sans doute aussi des franchises cultes de l’ère 8-bit de l’éditeur, comme Mega Man, Ghosts ‘n Goblins ou encore SonSon !

Via cette exposition itinérante, qui a débuté à Osaka en partenariat avec l’exposition universelle de 2025, Capcom revisite l’histoire du jeu vidéo et son évolution à travers le prisme de son propre catalogue de jeux.

On débute ainsi avec un mur de logos formant le nom Capcom, qui fait face à une gigantesque frise, où certains des moments forts de l’histoire de l’éditeur sont mis en exergue.

Il faut dire que Capcom peut se permettre un tel voyage dans le temps, nombre de ses franchises représentant des paliers importants de l'histoire de notre média.

L'exposition ne se contente pas d'exposer des visuels et autres documents de travail d'époque, pour également mettre en scène les techniques utilisées dans la création d'un jeu vidéo, voire nous faire participer à celle-ci. On a ainsi à notre disposition un atelier pixel art, avec stylet et écran tactile, pour tenter de reproduire dans le temps imparti un personnage de la franchise Mega Man ; un test de performance capture où l'on fera la grimace pour la voire reproduite sur le modèle 3D d'un personnage de jeu (Monster Hunter dans la galerie ci-dessous) ; un test de motion capture aussi ; et ainsi de suite.

Voici une vidéo illustrant “la magie du projection mapping” sur un modèle 3D grandeur nature du personnage de Chun-Li dans Street Fighter 6, soit le petit dernier de la série Capcom. 👇

J’ai ajouté en toute fin d’article une dernière petite photo surprise prise lors de cette excellente exposition Capcom, qui je le rappelle fermera ses portes le 22 février 2026.

Et si vous souhaitez en savoir (encore) plus sur cette expo, il suffit tout simplement d’écouter le dernier podcast !

Les liens pour écouter et s’abonner au podcast Pixel Bento :

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Ce podcast va vous faire prendre un sacré coup de vieux, vous voilà prévenu(e)s !

Pour notre MATSU, nous nous projetons en 2026, pour parler de nos attentes, de nos rêves (un peu fous, voire beaucoup), mais aussi des INNOMBRABLES anniversaires liés au jeu vidéo.

L’occasion parfaite pour accueillir le reportage réalisé en France par notre ami Alex Pilot, sur l’ouverture du Musée du Jeu Vidéo !

Afin d’accompagner la version audio du podcast, voici la version vidéo, préalablement diffusée dans le cadre d’une des soirées mensuelles Nolife Z sur Twitch. Pour ne pas rater ces soirées, je vous encourage à suivre les comptes de Alex Pilot et Nolife sur Bluesky.

L’ouverture du Musée du jeu vidéo à Arcueil est un événement marquant. C’est un projet de longue haleine, l’aboutissement de nombreuses années d’efforts par l’association à but non lucratif MO5, dédiée depuis sa création en 2003 à la préservation du jeu vidéo (et du patrimoine numérique en général). Alors ne manquez pas d’aller y faire un tour !

Pour en savoir plus et réserver votre place, allez jeter un oeil à leur site !

Cette newsletter n’en finit pas ! Mais elle est à l’aune de notre dernier podcast, un Bento riche en pixels bien sûr, mais pas uniquement… La preuve avec nos TAKE, alias nos chroniques individuelles.

On commence avec Marc qui nous a fait découvrir et convaincu de lire la jeune série de manga intitulée : Ruridragon (ルリドラゴン ou “Ruridoragon” en japonais). Publiée chez Glénat Manga en France, ces 4 premiers volumes écrits et dessinés par Masaoki Shindō suivent les aventures d’une jeune lycéenne tout ce qu’il y a plus normale, jusqu’au matin où elle se réveille… avec deux cornes sur le front !

Mais attention, pas des cornes de petit diable, mais des cornes de dragon ! Il n’en faut pas plus pour qu’elle devienne, bien malgré elle, la coqueluche du lycée.

Nicolas s’est perdu dans les couloirs de Persona 3 Reload sur Switch 2, aidez-nous à le retrouver !

Série mythique du J-RPG, qui fête cette année ses 30 ans (encore un anniversaire à célébrer en 2026), Persona est l’un des fleurons du genre au Japon, et une création du studio Atlus, racheté par Sega en 2013. On y suit des jeunes lycéens dans leur quotidien d’étudiants le jour, et de chasseurs de “démons” la nuit ! Nicolas nous livre ses impressions après plus de 45 heures de jeu…

Et si vous avez envie de tester ce titre, c’est possible ! Une (énorme) démo de Persona 3 Reload est téléchargeable gratuitement sur Switch, Switch 2, PlayStation 4, PlayStation 5, PC, Xbox One et Xbox Series X/S.

Quant à moi, mon article de la semaine dernière vous a donné une bonne idée de mon obsession du moment : Animal Crossing: New Horizons et tout particulièrement son update 3.0. Ce dernier ajoute un hôtel, une famille de kappa, des touristes (égarés ou non), des chambres à décorer, des consoles de jeu à collectionner, de la création à la chaîne, un service d’export, des costumes made in Zelda, et j’en passe !

Merci beaucoup, vraiment !

Oui, merci à toutes et à tous de nous écouter et de laisser toujours autant de commentaires et d’encouragements à la fin de ces newsletters, mais aussi sur les réseaux sociaux et via e-mail. On en partage de nombreux extraits dans chaque podcast, mais il ne s’agit toujours que d’échantillons, tant vous êtes nombreuses et nombreux à partager et participer de cette façon au podcast 😊

PS: Toutes les photos illustrant cet article ont été prises par mes soins (dans les espaces autorisés) au sein de l’expo Capcom qui se tient en ce moment au Creative Museum de Tokyo. L’image de Animal Crossing: New Horizons a été capturée sur ma Switch 2 à partir d’une version commerciale du jeu, tandis que le flyer de la borne d’arcade Breakout est bien entendu issu du merveilleux site The Arcade Flyer Archive. Un immense merci à Alex Pilot pour avoir accepté de partager le reportage sur le Musée du jeu vidéo MO5 !

Le COVID a bien entendu joué un rôle dans cette addiction (c'est le mot).

Alternative à un réel inquiétant, moyen d'évasion ultra cosy, refuge malléable à souhait… Comme ce fut le cas pour beaucoup de joueuses et de joueurs durant la pandémie, le titre Nintendo est arrivé à point nommé et s'est transformé en un hub social (et dans mon cas particulier en une passerelle entre le Japon et la France).

Mais réduire au seul paramètre “pandémie”, la fascination que cet Animal Crossing exerça sur moi - et l’invraisemblable succès commercial du jeu en général - serait aussi injuste que mal avisé.

Les 48,6 millions d’exemplaires vendus depuis sa sortie en mars 2020 ne peuvent pas uniquement s’expliquer par le confinement. Il existait bien d’autres moyens pour s’occuper l’esprit ou rester en contact avec nos proches. Si Animal Crossing: New Horizons est aujourd’hui le plus gros succès de la console Nintendo derrière Mario Kart 8 Deluxe, c’est qu’il a touché non pas une, mais bien plusieurs cordes sensibles. Tout un bouquet en fait ! Si l’on demande à plusieurs personnes de définir ce qui leur plaît dans Animal Crossing, on obtiendra à coup sûr des réponses très différentes.

Voici comment Kelsey Lewin, une grande spécialiste du jeu, introduit la série dans le livre qu’elle lui a consacré aux éditions Boss Fight Books :

“Animal Crossing est un monde très peu pratique”, reconnaît Katsuya Eguchi, directeur de la série (NDLR : et producteur du dernier volet). Certains disent que c’est un jeu qu’on ne peut jamais vraiment terminer, d’autres qu’il s’achève le jour où l’on s’en déclare satisfait. C’est un monde où il est facile de vivre, et pourtant où rien ne s’obtient sans effort. Ses détracteurs y voient un jeu répétitif, une ode aux corvées ; ses plus fervents admirateurs, une extension de l’âme. Honnêtement, tout est probablement vrai, car Animal Crossing est un jeu qui ne vous oblige à presque rien. À l’image de la vie elle-même, Animal Crossing est ce que vous en faites.1

Alors, qu’ai-je fait d’Animal Crossing durant ces 1000 heures ?

Et vous ?

Qui n’a jamais rêvé de partir s’installer sur une île paradisiaque ?

Imaginez maintenant que vous puissiez la façonner selon vos désirs, comme si vous jouiez à Populous (ou Minecraft pour les plus jeunes :p)... Plus fort encore, à la question : “tu emmènerais quoi avec toi sur une île perdue ?“, la réponse serait ici : TOUT ! J’emmène TOUT !

La “collectionnite”… C’est un peu une maladie chez moi. Il suffit de jeter un œil à mon inventaire dans n’importe quel jeu vidéo pour saisir l’étendue des dégâts. Et Animal Crossing est le rêve de tous les collectionneurs. Des milliers d’objets à acheter ou fabriquer, la plupart proposant en plus des couleurs ou des designs uniques. Et ces objets possèdent un prix, une rareté ; ils peuvent appartenir à des collections rajoutées au fil du temps, comme la gamme Super Mario Bros. lancée pour fêter ses 35 ans, ou tout récemment les Zelda et Lego.

Des items peuvent aussi être saisonniers, ou n’apparaissent en boutique qu’à l’occasion de certaines fêtes ou événements (comme les playoffs de football américain en ce moment !).

Que ce soit pour s’habiller, décorer sa maison ou égayer son île, il y en a pour tous les goûts, toutes les passions, toutes les cultures… Un rêve je vous dis.

Même les habitants se collectionnent ! Pas moins de 490 villageois(es) peuvent ainsi être croisé(e)s et une petite dizaine sont susceptibles de s’installer avec vous pour devenir vos voisins. Leur character design est non seulement d’une efficacité toute japonaise, mais ces personnages possèdent en plus 8 personnalités distinctes, menant à des interactions et des dialogues savoureux. Figurines et cartes Amiibo contenant une puce NFC permettent de les collectionner IRL pour pouvoir ensuite les inviter en virtuel, dans un habile (et mercantile) jeu de vase communiquant. La “collectionnite” a toujours tendance à déborder un peu dans le monde réel (ma collection de cartes est là pour le prouver…).

Si l’on prend un peu de recul, cet écosystème voué au culte de l’objet est évidemment une triste reproduction du modèle capitaliste qui délite aujourd’hui notre société. Le matérialisme est clairement roi dans Animal Crossing: NH, et le pillage des ressources, une nécessité (on peut “explorer” des îles vierges pour tout couper, arracher et détruire, histoire de faire le plein de matières premières). Mais ce matérialisme décomplexé a aussi contribué à la création d’une communauté incroyable.

Depuis le lancement du jeu, outre les habituels sites, sub-reddit et autres discord dédiés au jeu, de nombreuses applications ont été créées par les fans. Comme Turnip Prophet, qui permet de prédire l’évolution du “cours du navet” sur son île ! Les navets sont l’équivalent des actions en bourse dans le jeu.

On peut les acheter tous les dimanches matins auprès de l’adorable Porcelette, pour tenter de les revendre la semaine suivante à un meilleur prix, ce dernier fluctuant deux fois par jour. Mais comme les navets pourrissent dès le dimanche suivant, il est impératif de parvenir à les vendre dans la semaine. D’où l’importance de Turnip Prophet ou Turnip Exchange, qui permet carrément d’aller visiter les îles d’autres joueuses et joueurs pour revendre ses navets à un bon prix !

Plus fort encore, les fans ont été jusqu’à créer leur propre site Amazon, appelé Nookazon ! Sur ce dernier il est possible de faire du troc, ou tout simplement d’acheter et de vendre des objets. Le site est incroyablement bien fait, et j’ai passé des heures à chercher l’élément manquant - la perle rare ! - destiné à parfaire une décoration ou à compléter ma collection. Il est possible de créer des wishlists que l’on peut partager ; de rechercher un objet précis ; de mettre en vente n’importe quoi, ou presque, en fixant son prix. Et le négoce est bien entendu possible, le site intégrant un système où plusieurs personnes peuvent surenchérir sur une même offre.

Ces extensions IRL du jeu, créées par des fans, m’ont fasciné. Surveiller un site comme Turnip Exchange pour tenter d’être parmi les premiers à rejoindre la file d’attente qui mènera à une île à l’autre bout du monde, est une aventure (qui ne se déroule pas toujours sans accroc… mais c’est une histoire pour un autre jour, où pour le prochain podcast !). Cet écosystème “hors du jeu” m’a amené à le laisser tourner en fond pendant des heures, afin d’être aussi réactif que possible au cas où une bonne affaire se présenterait !

Le petit shot de dopamine au moment où l’on parvient à revendre ses navets 6 fois leur prix d’achat, est imparable 😅

Imparable, comme peut aussi l’être le rythme du jeu.

Animal Crossing, pour peu que l’on ne s’amuse pas à manipuler le temps en trifouillant l’horloge interne de la console, est le miroir de notre monde. Cycle jour / nuit, passage des saisons, j’ai même eu la sensation qu’il parvenait parfois à reproduire la météo du jour. Mais ça, c’est parce que j’ai trop joué… ou le début de la folie. Les deux sans doute…

Il est ainsi tentant de relancer le jeu des mois après avoir abandonné son île, pour aller danser au milieu d’une pluie de fleurs de cerisier durant un jour d’avril pluvieux, ou d’aller faire un bonhomme de neige en janvier… Sachant qu’évidemment, certains poissons et insectes n’apparaissent que lors d’une saison en particulier (voire à certaines heures).

Mais le jeu ne se contente pas de reproduire le passage du temps, il l’étire en diluant ses activités dans notre routine journalière.

Une petite demi-heure par ci, une petite heure par là. Les gros travaux de l’île, comme la création d’un pont ou l’agrandissement de sa maison, mais aussi la pousse d’un arbre, l’éclosion d’une fleur… tout nécessite du temps. Il faudra ainsi souvent attendre le lendemain pour savourer le fruit de ses efforts. Et ce léger délai est une invitation à revenir, encore et encore.

Animal Crossing est une série de petits gestes, de routines s’appuyant sur les plus simples (pour ne pas dire basiques) des mécaniques de jeu. On ramasse des coquillages le long de la plage ; on guette le passage de marchands ambulants ; on arrose un carré de fleurs ; on s’applique à réaliser les 5 premières « tâches » du jour, qui rapportent le double de Points Nook (l’une des multiples monnaies du jeu) ; ou l’on invite à l’hôtel un touriste étourdi, qui a oublié de réserver sa chambre (ça c’est tout récent - l’un des ajouts de l’update 3.0 !) ; etc.

Il y a toujours quelque chose à faire sur son île, et ça ne prend jamais beaucoup de temps. Mais mises bout à bout, ces insignifiantes micro-interactions peignent le tableau d’une vie paisible. Dans Animal Crossing, les seuls problèmes auxquels nous sommes confrontés se limitent à une embrouille entre deux voisins, à rater son bonhomme de neige (qui ne manquera pas de se plaindre), ou à se faire arnaquer une fois de plus par ce petit filou de Rounard, le marchand d’arts !

Je pourrais prendre ma retraite dans Animal Crossing en toute honnêteté...2

Si j’ai passé 1000 heures dans Animal Crossing c’est pour toutes ces raisons, et bien d’autres encore. Franchement, je pourrais écrire un livre sur le sujet. Ce jeu est un cocon, un bac à sable, un atelier de design, et une cours de récréation… Tout à la fois. Mais c’est surtout le plus cosy des moyens d’évasion.

Il possède aussi la particularité de proposer des musiques exceptionnelles (l’une des meilleurs BO de JV, tout simplement). Elles varient même au fil des heures, pour se transformer en une douce mélopée aux premières heures de la nuit. Le jeu fait montre d’un soucis du détail exceptionnel. Et ce sont ces détails, justement, qui noient les innombrables défauts et les limites évidentes du jeu. À défaut de les pardonner, il est facile de les oublier.

Arpenter chaque jour les allées que l’on a tracé et décoré (avec une texture que l’on aura créée ou téléchargée !) revient un peu à revisiter le quartier dans lequel on a grandi… Tout possède une histoire.

Je peux expliquer chaque détail, chaque choix, chaque découverte ayant abouti… à cette merveilleuse île aux 1000 heures !

Si vous avez, vous aussi, passé beaucoup de temps dans ce jeu, les raisons énoncées dans cet article ne seront pas forcément les vôtres. Alors n'hésitez pas à partager les raisons pour lesquelles VOUS avez autant (ou si peu) joué à Animal Crossing dans les commentaires ci-dessous !

PS: Toutes les images qui illustrent cette newsletter ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale (avec la mise à jour 3.0) sur Switch 2.

Perso, j’ai toujours adoré les mini-activités de pêche dans le jeu vidéo. Pourtant, ma seule expérience IRL avec ce loisir s’est avérée désastreuse.

Mais dans le jeu vidéo, c’est différent…

Lorsque mon épouse a découvert avec moi la bande-annonce du portage sur Switch de Cast n Chill, elle s’est immédiatement exclamée : “ça, c’est un jeu pour toi“. Ce à quoi, je n’ai pu répondre que par l’affirmative et un regard énamouré.

Que ce soit dans Animal Crossing: New Horizons, Hades ou Sea of Stars, j’ai toujours passé un temps considérable à pêcher. Et pour être tout à fait honnête, j’ai même tendance à juger l’absence d’un minigame de pêche pour ce qu’elle est : un impair difficile à pardonner ! Récemment, son absence s’est par exemple cruellement fait sentir dans Hollow Knight: Silksong, un titre qui aurait grandement bénéficié d’un tel ajout.

La pêche, dans le jeu vidéo, est souvent une respiration. Un moment où l’on s’octroie une pause, où l’on prend un chemin de traverse pour échapper un court instant au coeur de l’expérience proposée. Pour Hades, par exemple, c’est l’opportunité de figer le temps une poignée de secondes dans un jeu où la frénésie est reine.

Pour un titre tel que Cast n Chill, où la pêche EST le coeur de l’expérience, la respiration se métamorphose en mécanique de jeu. Après avoir choisi son chapeau, son chien, son perso et son poncho, on se retrouve immédiatement assis dans sa barque avec son fidèle compagnon. Quelques coups de rame, et la voilà qui glisse à la surface d’une eau où se reflète la nature alentour.

On a ainsi l’impression de se déplacer à la lisière de deux mondes.

Ce mouvement nonchalant à la surface de l’eau n’est certes qu’une transition ; l’instant de “réflexion” avant que l’on ne brise l’illusion lorsque notre ligne projetée au loin s’enfonce finalement dans l’eau.

Mais avant que le miroir ne se fissure, la contemplation s’impose.

Notre barque avance à fleur de lac, le long d’une rivière, en bord de mer, ou à la surface d’un étang perdu. Durant quelques secondes seulement, jamais plus longtemps. Chaque zone de pêche se limite à une courte ligne droite sur laquelle on fera des allers et retours. Le ponton duquel nous sommes partis, est celui où l’on retournera pour vendre les poissons attrapés et rendre visite au sympathique propriétaire de la boutique de pêche.

Ce court laps de temps passé à glisser sur la ligne de séparation entre un monde et son reflet, suffit à nous envouter. Les cadres enchanteurs confectionnés par les trois artistes de Cast n Chill (Ashley Rose Smith, Anastasia Razumkova et Lara Durham) constituent l’hameçon au bout duquel j’ai frétillé durant les heures passées à lancer ma ligne et chiller.

Ces tableaux pixel art nourrissent, de la plus ostensible des façons, le pouvoir d’attraction de ce jeu. On évolue dans des cadres naturels baignés d’une lumière qui ne cesse de changer en fonction de l’heure de la journée. Un cycle jour / nuit berce ainsi nos parties, illuminées par des astres à l’aura filtré par le brouillard, les cimes des montagnes au loin, ou les feuilles frissonnantes des arbres environnants.

Pas de musique, ou très peu, viennent perturber ces environnements naturels. Juste quelques notes pour accompagner la nuit qui tombe. La pêche est une activité qui se joue du temps, mais joue aussi avec lui. Certains poissons, plus gros, plus rares - légendaires ! - ne nous font grâce de leur présence qu’à certaines heures de la journée. La patience, plus qu’une vertu, est le meilleur des vers.

Les plus impatient(e)s pourront comme moi accélérer le passage du temps en piquant une petite sieste sur son bateau, l’occasion d’admirer le temps d’un time-lapse, un superbe ballet de couleurs.

Toute la partie “Chill” du titre du jeu est là, lovée dans l’écrin de ces décors aux pixels chatoyants.

Elle se situe aussi dans sa bande son minimaliste, les bruits de la nature, le clapotement de l’eau, le chant des oiseaux, l’apparition surprise d’un animal sauvage, et les caresses que l’on peut offrir à son fidèle compagnon via un bouton dédié. Caresses qui provoqueront systématiquement l’apparition d’un petit cœur au-dessus de sa tête. Sa façon à lui, mais aussi au jeu, ne nous exprimer son contentement et le plaisir partagé de cet instant de tendresse.

Le "Chill" grignote aussi le territoire du "Cast", soit de l'activité pêche elle-même. Une fois sa canne et son hameçon choisis, on lance sa ligne à l'horizon pour disperser le reflet du monde et révéler celui qu'il dissimulait. Des poissons naviguent silencieusement sous la surface et peuvent mordre à l'hameçon. Un petit combat s'engage alors, dont l'intensité dépendra du matériel utilisé, mais reposera essentiellement sur la patience et l'observation.

La mécanique de pêche est d’une simplicité absolue : un bouton pour mouliner, un bouton pour “laisser couler”. Chill ! Pas question ici de tester ses réflexes, comme c’est le cas dans la plupart des minigames de pêche. Une fois qu’un poisson a mordu, il suffit de parvenir à le ramener à la surface en moulinant, et en prenant son temps. La seule contrainte sera de le laisser filer lorsqu’il s’agite, sinon son évasion récompensera ses soubresauts. Il faut donc être patient, attendre qu’il se fatigue.

Ce duel sous-marin revêt l’aspect d’une danse rythmée par les remous étouffés de l’eau et le bruit de rotation du moulinet de sa canne à pêche. La caméra oscille sans cesse. Elle s’enfonce subitement sous l’eau pour se rapprocher aussi vite de la surface, et ainsi de suite, basculant sans cesse la perspective.

Un combat épique, qui a duré plusieurs minutes, récompensé par une prise légendaire. Cast n Chill, aussi zen soit-il, n’est pas exempt de petits pics d’adrénaline et de légères frustrations lorsque notre prise parvient à s’échapper ou refuse de se laisser séduire.

J’ai du passer une petite dizaine d’heures à lancer mes lignes au coeur des bulles de silence dispersées sur la carte du jeu. Percées par le bruit du moteur de mon bateau, les discrets et sporadiques “wouf !” de mon chien, et la mélopée du moulinet de ma canne à pêche, ces bulles n’ont jamais perdu de leur magie durant le temps passé à effleurer leur surface liquide.

Cast n Chill est parvenu à faire d’une mécanique répétitive et simpliste, un leitmotiv zen. Les piliers du jeu restent cependant terriblement capitalistes. Notre succès dépend entièrement du matériel acheté et donc de l’argent obtenu grâce à ses prises. Tom Nook1 serait fier du vieux marchand de la boutique de pêche !

J’aurais aimé que la partie “Chill“ soit encore plus travaillée et explore davantage l’aspect sensoriel du jeu. Laisser glisser sa main en dehors du bateau pour sentir le frissonnement de l’eau sur ses doigts (à travers le retour haptique de la manette) ; pouvoir prendre des photos des animaux croisés dans la nature ; jouer avec son chien (ou sa marmotte, son panda rouge… bref, une plus grande variété d'animaux de compagnie !) ; ou focaliser son attention sur un son afin de révéler un oiseau dissimulé dans les arbres. Des idées de ce genre, destinées à travailler le potentiel immersif du jeu et tirer partie de ses superbes graphismes pixel art.

En l’état, le réalisme l’emporte légèrement sur l’onirisme. C’est évidemment une histoire de goût, mais personnellement j’aurais préféré que la balance penche dans l’autre sens.

Ne vous attendez pas non plus à la richesse d’un Dave the Diver qui ajoutait à la “pêche” une grosse dimension RPG / Gestion. Cast n Chill mérite à mon sens ses 15 euros mais l’expérience proposée reste minimaliste. En fait, il est même possible de régler le jeu en mode “passif” pour le laisser pêcher tout seul, voire de renforcer encore le côté réaliste / zen en bloquant la caméra à la surface de l’eau ! Du coup on ne peut plus voir sous la surface, ni savoir quels poissons sont là, ni choisir son hameçon en conséquence !

Les deux développeurs australiens à la tête du projet (Mark White et Brendan Watts) semblent en tout cas bien décidés à régulièrement étoffer leur jeu. J’ai ainsi volontairement passé sous silence une certaine zone proposée depuis peu par le jeu.

Un nouveau DLC “Eastern Winds“ est aussi annoncé pour juin 2026 et il ajoutera plusieurs lieux dans une ambiance à priori plus… japonaise ? Hâte de voir ça !

En ce qui me concerne, je suis définitivement “hooked“ (😛), et Cast n Chill fut le parfait jeu de transition pour mon retour imminent dans Animal Crossing à la faveur de sa récente mise à jour 3.0 !

PS: Toutes les images et vidéos illustrant cet article ont été capturées par mes soins à partir d’une version commerciale de Cast n Chill sur Switch 2.

Je suis limité à 5 réponses avec ces sondages ! Du coup impossible d’ajouter d’autres plateformes (PlayStation, 3DS, mobile, etc) ou une option “avec un spin-off” par exemple, la franchise Dragon Quest étant loin de se limiter à ses 11 épisodes classiques J-RPG…

N’hésitez pas à partager dans les commentaires votre premier contact avec la série !

Personnellement, j’ai découvert la saga Dragon Quest en 2004, avec la sortie du VIII sur PlayStation 2.

Ce volet avait la particularité de proposer des graphismes en 3D cel shading, qui donnaient la sensation de jouer dans l’un des dessins animés de notre enfance, comme l’avait fait The Legend of Zelda: Wind Waker quelques années auparavant.

Un mariage parfait - une évidence même ! - le design des monstres et des personnages étant historiquement (depuis la sortie du premier DQ sur Famicom en 1986) conçu par le regretté Akira Toriyama, auteur de Dragon Ball et Dr Slump.

Dragon Quest possède ainsi une “rondeur” et ce petit côté “cosy / marshmallow“ que l’on associe généralement à l’enfance. Entre les mains de Toriyama, même les monstres de la série débordent du juvénile charisme de nos premiers “doudous”.

C’est ça… Dragon Quest est une série “doudou”.

Dès que l’on aperçoit un slime (et la plupart des monstres d’ailleurs !), on a envie de le serrer dans ses bras avant de le fourrer dans notre sac pour partir à l’aventure en arborant le même sourire, à la fois insouciant et conquérant, des jeunes héros Toriyama-esques.

Si ce sentiment de nostalgie est aussi présent chez quelqu’un comme moi, qui a découvert la saga adulte, c’est indéniablement grâce à la magie Toriyama, tout en étant un effet secondaire de la série Dragon Ball.

Ce 7ème épisode, dont j'ai fait les 3-4 premières heures de jeu (la démo est généreuse), est d'abord sorti en 2000 sur PlayStation. Tout du moins au Japon, parce qu’il ne faut pas oublier que le premier Dragon Quest de la série classique officiellement sorti en France… est le VIII en 2006 !

DQVII arborait sur PlayStation une version “brute de décoffrage” de la direction artistique “HD-2D” qui allait devenir la marque de fabrique de la série Octopath Traveler et des récents remakes des premiers Dragon Quest. Soit des titres à cheval entre deux époques, affichant un mélange entre des décors en 3D et des personnages représentés à l'écran sous la forme de sprites 2D.

DQVII a ensuite fait l'objet d'un premier remake 13 ans plus tard, en 2013 donc, sur 3DS, où il reprenait l'esthétique full 3D et le vernis dessin animé de Dragon Quest VIII. 👇

Et aujourd'hui, 13 ans plus tard (une nouvelle fois !), il revient en arborant un nouveau look, baptisé ドールルック en japonais, qui se traduit par "look poupée" !

Je trouve personnellement que cette nouvelle approche visuelle sied à merveille aux personnages et créatures créés par Akira Toriyama. Son style et son approche du character design a souvent joué sur les proportions pour lorgner du côté d’une esthétique SD (pour Super Deformed ; soit des grosses têtes sur des petits corps), tout particulièrement avec la série Dr Slump.

C’est un peu comme si ses personnages avaient toujours renfermé en eux une marionnette.

Et on parle bien ici d’une marionnette et non d’un jouet en plastique… Contrairement aux deux derniers Zelda 2,5D par exemple (le remake Switch de Link’s Awakening, ainsi qu’Echoes of Wisdom), ce Dragon Quest VII Reimagined n’affiche pas le côté “lustré” et un peu plastique des figurines Playmobil. Il possède à mes yeux ce petit côté “fait main” - artisanal - qui rappelle le travail de Aardman Animations (Wallace & Gromit) ou de Jim Henson (Dark Crystal).

On a réellement l’impression de pouvoir “sentir” les matières et la texture des vêtements portés par les héros du jeu : le velours duveteux de la tenue du prince, etc. Comme s’il s’agissait d’habits de marionnettes confectionnés avec amour par des artisans de talent.

On ne sera donc pas surpris d’apprendre que Square Enix avait commandé la création d’une série de poupées en bois auprès du studio Nova.

Une vidéo promotionnelle montrant les artistes au travail du studio Nova, spécialisé dans la création de poupées et de marionnettes depuis 1953 (!), et des équipes de développement Square Enix. Ces poupées physiques ont ainsi nourri l’esthétique unique de ce nouveau remake.

Cette nouvelle approche artistique confère à Dragon Quest VII Reimagined un feeling assez unique.

Monstres et personnages possèdent une véritable "présence" physique, d’ailleurs renforcée par leur intégration dans des décors arborant un style "diorama".

Ne serait-ce que visuellement, Dragon Quest VII Reimagined apporte quelque chose d’unique, qui fait à la fois sens dans le cadre de la franchise, mais semble aussi être la conséquence d’un improbable… effet papillon.

Je m’explique !

J’en avais parlé dans mon article consacré en fin d’année dernière à l’exposition Final Fantasy IX, conçue pour célébrer les 25 ans du jeu. FFIX, le dernier Final Fantasy chapeauté par Hironobu Sakaguchi (le papa de la série), possédait déjà des personnages au look de poupées. Cette esthétique avait été poussée par Sakaguchi pour renforcer le côté “conte pour enfants” (sans pour autant renier le ton shakespearien des tumultes internes de ses personnages) qu’il considérait comme faisant partie de l’ADN de la franchise. Une approche abandonnée par la suite…

FFIX est sorti en 2000, deux mois avant le Dragon Quest VII original sur PlayStation.

Du coup, le fait que le second remake de DQVII, sorti 26 ans plus tard, renoue avec l’esthétique perdue du dernier Final Fantasy de Hironobu Sakaguchi, me semble presque poétique.

Mais je m’égare sans doute…

Ce qui est certain, c’est que ce nouveau Dragon Quest VII Reimagined évoque plus que jamais l’enfance. Série “doudou” par excellence, Square Enix agite une nouvelle fois cet artefact magique de notre enfance sous notre nez, et je sais déjà que je vais continuer à y jouer début février.

Le jeu a l’air un peu différent de ses ancêtres, avec des choses en moins (la version PlayStation était particulièrement longue semble-t-il), mais aussi de nombreux ajouts (monstres spéciaux à défier une fois que l’on est prêt ; coeurs de monstres à collectionner ; système de jobs retravaillé ; etc.).

Ce qui restera inchangé en revanche, et restera la flamme inextinguible de la franchise, c’est le fait que l’empreinte d’Akira Toriyama est toujours là, reconnaissable entre toutes.

Et ce, quel que soit le style ou la direction artistique adoptés.

PS: Toutes les images illustrant cet article ont été capturées à partir de la démo jouable de Dragon Quest VII Reimagined sur Switch 2. À l’exception du key art du jeu, issu de site presse SQE ; d’une image de Dragon Quest III HD-2D Remake prise sur son site officiel japonais ; et des screenshots de Dragon Quest VII sur PlayStation et 3DS, respectivement tirés d’un scan du numéro 46 de PlayStation Magazine et du site officiel du jeu.

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Au Japon, le kanji de l’année 2025 a été choisi. Et c’est le kanji de l’ours : 熊 (kuma) !

Alors on a décidé de consacrer notre dernier MATSU1 de l’année aux ours dans le jeu vidéo. Et ils sont PARTOUT ! Prédateur star du Triple A et résident permanent des mondes ouverts, il sait aussi se faire “cosy” en mode peluche. Un animal polymorphe donc, tour à tour terrifiant, mignon comme tout, ou hilarant… comme un certain Kuma, combattant émérite de la série Tekken !

Mais au Japon, l’ours est aussi un animal auquel il est difficile d’échapper (😱) dès que l’on s’éloigne des grandes villes pour partir en promenade en forêt...

Affiches d’avertissement, entrées grillagées, dispositifs destinés à faire du bruit pour les éloigner… Mais ce sont surtout les clochettes accrochées aux sacs des randonneurs japonais qui rappellent à nos oreilles l’omniprésence de cette “menace”. Leurs tintillements uniques est un peu la bande son des randonnées japonaises !

Après toutes les images d’ours flippants qui ont précédées le dessin de Gabriel, je tiens à doubler la mise “bonne humeur” avec une amusante ré-inteprétation d’un des ours les plus sympathiques et iconiques du jeu vidéo… La voici ! 👇

Voici maintenant notre dernière sélection 2025 de TAKE, soit nos chroniques individuelles !

Marc s’est intéressé à l’évolution de la sauvegarde dans le jeu vidéo, un sujet absolument passionnant et riche en anecdotes personnelles, comme vous allez pouvoir le constater en écoutant le podcast. N’hésitez pas à partager les vôtres dans les commentaires en bas d’article !

Car la save a bien évolué au fil du temps et des avancées technologiques… Et sa pratique, la façon dont on sauvegarde dans un jeu vidéo, dépend de nombreux paramètres, comme notre “éducation” vidéoludique par exemple, notre personnalité aussi, ou nos “traumas” !

Nicolas s’est quant à lui replongé dans une série de manga relativement méconnue de la fin des années 80, adaptée en une courte série animée au début des années 90. Son nom ? Réincarnations : Please Save My Earth ou Boku no Chikyū o Mamotte en japonais. Fable futuriste à mi-chemin entre le drama et thriller, le résumé de son histoire par Nicolas a surpris toute l’équipe !

Quant à moi, je suis revenu sur une compilation de shoot’em up appelée Aleste Collection, qui comprend plusieurs jeux Master System et Game Gear estampillés Sega (mais développés par le studio japonais Compile).

Cette collection est sortie en 2020 et possède la particularité d’avoir été réalisée par le studio japonais M2 dans sa mythique gamme de shmups Shot Triggers.

Je m’intéresse tout particulièrement au titre GG Aleste 3, spécialement développé pour cette collection (sur la Game Gear !) par M2, tout en décortiquant l’approche unique de la collection rétro (ou du “jeu Musée") de ce développeur fou de shoot’em up.

En bonus, une petite vidéo d’un des boss de GG Aleste 3, capturée par mes soins ! Vous pouvez voir les “écrans de contrôle” dont je parle dans le podcast à gauche et à droite de l’écran de jeu. Les entrailles du shmup sont révélées au grand jour !👇

Et on termine avec quelques liens et vidéos supplémentaires liés à des jeux abordés dans le podcast !

Nous avons beaucoup parlé de Mega Man en début de podcast, suite à la récente annonce d’un nouveau volet dont la sortie est prévue pour 2027 (à l’occasion des 40 ans de la franchise).

Voilà ! C’est terminé pour ce petit tour du podcast #61 !

Je vous souhaite à nouveau, et de la part de toute l’équipe Pixel Bento, une excellente année 2026 à toutes et à tous !

PS: Presque toutes les images illustrant cette infolettre ont été capturées par mes soins. A l’exception de l’ours d’Elden Ring, tiré de son site officiel ; du visuel de Save My Earth issu d’un article du site PR Times ; et de la jaquette du vinyle Banjo- Kazooie, prise du site I am 8 bit. Un grand merci à Gabriel pour avoir accepté de partager ses photos et dessins !

Depuis la création de cette newsletter, l'onglet photos de mon téléphone portable documente tout autant ma vie "réelle" que celle passée dans les limites confinées d'un écran TV.

En passant en revue les photos stockées sur mon téléphone, mes deux vies - réelle et virtuelle - s’entremêlent désormais.

Mes screenshots se sont greffés dans cette mémoire secondaire qu’est devenu notre téléphone, pour défiler au même rythme que mes autres “souvenirs sauvegardés”.

Ce n’était pas le cas il y a encore quelques années, mais depuis la création de cette newsletter, j’ai pris l’habitude de prendre une tonne de photos. Et mon téléphone sert d’intermédiaire entre mes machines de jeu et mon Mac. Il est ainsi devenu le Charon de ma newsletter, à la différence près qu’il fait passer sur sa barque des images et non des âmes, et que le royaume des mots s’est substitué à celui des morts.

Parcourir mes photos pour également retomber sur mes souvenirs virtuels me semble aujourd’hui tout ce qu’il y a de plus naturel. Illustrer les articles de cette newsletter est en effet devenu un plaisir, et j’avoue être assez fier d’illustrer 95% de mes articles avec des images de mon cru, en ayant un recours minimal aux photos officielles ou à des images trouvées sur Internet.

C’est d’ailleurs l’une des raisons pour lesquelles je précise en fin de chaque article d’où proviennent les images qui l’illustrent.

Je ne résiste pas au plaisir de glisser “en bonus” un petit extrait vidéo de Pampas & Selene, où son créateur, Francisco Tellez De Meneses, fredonne A cappella la musique du jeu (extrait de l’OST “Director’s Cut” à débloquer en fin de partie !").

Il est évident que la création de ce type de galerie est aujourd’hui facilitée par les incroyables outils de captures inclus dans nos machines de jeu. Que ce soit sur PlayStation ou Switch, un bouton est désormais dédié à la saisie d’instantanés de jeu (image ou vidéo). Les constructeurs ont compris qu’avec les réseaux sociaux, le partage de nos vies ne résiste plus aux frontières des écrans !

Et il est de plus en plus facile de poster, uploader ou transférer ces images via les consoles elles-mêmes ou leurs applications mobiles comme la Nintendo Switch App ou la PlayStation App.

Sans parler des jeux eux-mêmes qui proposent souvent des “modes photo” assez poussés pour mettre en scène nos expériences de jeu !

Alors bien sûr, cette habitude de “prendre des photos” en jouant, sert un objectif concret : celui d’illustrer ces pages.

Mais j’avoue que passer en revue mon année 2025 sur mon téléphone portable pour retomber sur mes souvenirs réels ET virtuels, est un petit kiff.

Que je (re)partage aujourd’hui avec vous… Place aux images !

Je vous souhaite à toutes et à tous d’excellentes fêtes de fin d’année !

PS: Toutes ces captures d’écran ont été prises par mes soins en 2025 !

Question “pratique du jeu vidéo”, 2025 fut une année étrange pour moi. Je n’ai pour ainsi dire joué qu’à des “vieux jeux”.

Ce weekend, l’annonce lors des The Game Awards d’un nouveau Mega Man pour 2027 m’a poussé à relancer Mega Man 11, le dernier volet de la série culte Capcom sorti en 2018. Et je l’ai enfin terminé, 7 ans après sa sortie.

Quelques semaines plus tôt la critique de R-Type Delta HD Boosted (remaster d’un jeu sorti en 98 sur PlayStation 1) pour cette newsletter m’a fait basculer dans un trip rétro-nostalgique orienté shoot’em ups. J’ai ainsi terminé GG Aleste 3 (en 1CC1 s’il vous plaît), mais aussi GG Aleste 1 (1991), Rayforce (1994) ou encore Cotton Reboot! (2021). Que des titres sortis il y a au moins 4 ans, voire bien plus si on les sort de leurs “compilations rétro”.

GG Aleste 3, tenez-vous bien, est un jeu Game Gear (vous savez, la petite console portable Sega sortie en 1990) développé en 2020 (!) par des spécialistes du portage de jeux rétro sur PC et consoles modernes (le studio japonais M2). Étrange non ?

Si vous m’aviez dit fin 2024 : “en 2025, l’un de tes jeux favoris sera un shmup Game Gear néo-rétro”, il m’aurait été difficile de réprimer un haussement de sourcil suspicieux.

Et juste avant cette phase “shmup“, j’avais relancé The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017) sur ma Switch 2 pour y jouer des dizaines d’heures et corriger Ganon à nouveau. Sans oublier, dans le même laps de temps, de rendre visite à mes villageois dans Animal Crossing: New Horizons (2020), histoire de désherber mon île et de me faire engueuler par à peu près tout le monde pour ma longue absence.

Ce pattern de “vieux jeux” a débuté assez tôt dans l’année, en février / mars lorsque j’ai revisité le château de Dracula en enfilant une fois de plus - et avec délice - l’élégante cape d’Alucard dans le non moins immortel Castlevania: Symphony of the Night. C’est d’ailleurs le titre sur lequel j’ai passé le plus de temps sur PS5 en 2025 ! Une information recueillie grâce au Wrap-up PlayStation, soit le bilan “temps de jeu” désormais envoyé en fin d’année par TOUTES les applications2.

Alors évidemment, cette accumulation de “vieux jeux” n’est pas sans m’alarmer un petit peu.

Est-ce un effet secondaire de mon “grand âge” ? N’est-ce pas une façon pusillanime de rester dans sa “zone de confort” ?

Je pense que le temps cumulé sur The Legend of Zelda: BOTW m’aurait permis de donner sa chance et même de finir Clair Obscur: Expedition 33, la success story de l’année. Un titre qui a eu droit aux “honneurs” du 20h à la télé française. Même mes parents m’ont demandé si j’avais entendu parler de lui ! Ce à quoi j’ai répondu “Bien évidemment.”, sans pouvoir ajouter “Je l’ai fini.”...

C’est un sujet que j’ai déjà abordé dans cette newsletter : mon passé dans la presse spécialisée jeu vidéo m’a programmé pour être “dans l’actualité”. Lorsque je joue à un jeu, c’est aussi dans l’optique d’en parler. Il est donc naturel pour moi de jouer aux derniers jeux sortis, et lorsque je ne le fais pas, je me sens… coupable. Je sais, c’est étrange.

J’ai ainsi la sensation que j’aurais pu mettre mon temps de jeu à profit pour parler du dernier Triple A ou chouchou du moment - comme tout le monde…

Chaque mois, au moins un titre phagocyte l’espace médiatique et parasite toutes les conversations. Parler de Clair Obscur: Expedition 33, Death Stranding 2, Silent Hill f, Pokémon Legends: Z-A, ou tout récemment de Metroid Prime 4: Beyond - au moment où tout le monde semble y jouer - est plutôt agréable. On a l’impression d’être “dans le coup”, et puis les clics sont plus faciles. L’un de mes articles les plus lus de l’année était consacré à Donkey Kong Bananza par exemple.

Et quand ce n’est pas le FOMO Triple A qui me titille, je regrette d’avoir joué à un “vieux jeu” au détriment d’un titre indépendant récent qui aurait pu profiter de cet éclairage, aussi faible soit-il. Ceci dit, je suis tout de même content de voir que j’ai parlé d’un paquet de jeux indie en 2025 : Öoo ; Time Flies ; Beyond the Ice Palace 2 ; Star of Providence ; Gaurodan ; et beaucoup d’autres, sortis les années précédentes, comme Cyber Shadow ; Raindrop Sprinters ; CATO: Buttered Cat ; Pampas & Selene ou Murtop. Et je ne parle ici que de la newsletter, et non du podcast que je concocte chaque mois avec mes amis Axel, Marc et Nicolas !

Les jeux indépendants feront toujours partie de mon régime vidéoludique. Je ne peux pas me passer d’eux. Et j’en parlerais aussi longtemps que possible.

Alors bien sûr, si je prends du recul, il est évident que consacrer des soirées entières à m’entraîner pour tenter de grimper dans les classements en ligne d’un jeu Game Gear comme GG Aleste 3, dénote un comportement compulsif. Mais j’ai toujours joué comme ça. Je pousse l’expérience aussi loin que possible. Et c’est ainsi que je peux me sentir pertinent et “complet” dans mon analyse d’un jeu.

Ce côté compulsif m’entraîne régulièrement sur des tangentes, où je vais explorer un genre ou une série pour affiner ma connaissance de ces derniers. Sitôt après avoir fini Mega Man 11, j’ai lancé Mega Man 9 (sorti en 2008), auquel je suis en train de jouer avec bonheur. Je me rappelle qu’au moment de parler de la saga Capcom dans l’épisode 30 du podcast (pour les 35 ans de la série) j’avais terminé Mega Man 1, 2, 7, X et Zero !

Et cette exploration en mode “deep dive” s’accompagne presque toujours de nombreuses recherches (interviews de développeurs ; vidéos d’analyse ; podcasts…), sans oublier le visionnage de moult speedruns (une habitude que j’ai prise il y a maintenant quelques années).

Difficile de “rester dans l’actu” avec des habitudes aussi chronophages qu’impromptues !

Mais quid du temps consacré cette année à The Legend of Zelda: Breath of the Wild ? Un jeu que j’ai déjà abordé maints fois, et décrypté en long, en large et en travers. Un jeu que j’ai terminé à 99% (non, je n’ai jamais cherché à trouver les 900 Korogus du jeu !).

Hé bien, outre le gain en fluidité (passage au 60fps) acquis via son upgrade Switch 2, qui améliore nettement l’expérience de jeu, ce titre est tout bonnement une merveille. Et puis le fait qu’une amie ait commencé à y jouer m’a aussi poussé à me rafraîchir la mémoire et tester certaines des nouvelles fonctionnalités Switch 2, comme les Zelda Notes de l’appli Switch Online, qui permet de stocker et partager des armes et des objets.

Mais en fait, si je suis honnête, je l’ai relancé parce que j’avais envie d’y rejouer. Juste pour le plaisir.

Si j’ai joué à autant de “vieux jeux” en 2025, c’est aussi parce que mes habitudes de joueur évoluent. Elles s’éloignent un peu de l’actualité du moment pour embrasser une pratique plus chaotique, mais aussi plus libre et décomplexée du jeu vidéo.

Le JV est un loisir et un art d’une richesse incroyable. Il est facile de se laisser porter par l’envie du moment pour aller défricher des pans inexplorés de cette culture.

Mais il ne faut pas oublier que c’est avant tout un loisir, un moment d’évasion autant qu’une délicieuse distraction. Je pense que 2025 m’aura appris à me “laisser aller”, et à accepter de passer à côté de titres majeurs, GOTY compris. Et puis qui sait… Une future tangente m’amènera peut être à refaire dans quelques années ces “immanquables” de 2025 !

Un dernier sondage (par pure curiosité !) pour terminer ? 😊

N’hésitez pas à partager vos jeux de l’année en commentaires, qu’ils soient “vieux” ou non !

Et bonnes fêtes de fin d’année à toutes et à tous !!

PS: Toutes les images & vidéos illustrant cette infolettre ont été capturées par mes soins à partir de versions commerciales de : Mega Man 11, Mega Man Legacy Collection 2, Aleste Collection, The Legend of Zelda: BOTW, Animal Crossing: New Horizons, Hollow Knight: Silksong, Andro Dunos II, Cotton Reboot! et Ray’z Arcade Chronology sur Switch ; et de Castlevania Requiem: Symphony of the Night & Rondo of Blood sur PlayStation 5.